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Críticas de: Miquel

Miquel
(Palma de Mallorca, España)
4172Películas valoradas
1170Críticas
175Listas
Media de sus votaciones: 6,7 (ver sus estadísticas)
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Críticas: 1170 Página: 222
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Kid Galahad (1937)
Buena
Michael Curtiz
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil.
Su valoración: Notable 20 de Noviembre de 2008
Primera de las seis colaboraciones del realizador Michael Curtiz con el actor Humprhey Bogart. El guión, de Seton I. Miller (“Robín de los bosques”, Curtiz, 1938), se inspira en un relato breve, de Francis Wallace, publicado en “The Saturday Evening Post” (2-V-1936). Se rueda en los Warner Studios. Gana la Copa Volpi (mejor actriz, Davis) del Festival de Venecia. Producido por Samuel Bischoff para la Warner, se estrena el 26-V-1937 (EEUU, preestreno).

La acción dramática tiene lugar en Miami (Florida), New London (Coneticut) y NYC (NY), en 1936-37. Nick “Nicky” Donati (Robinson), mafioso y manager de boxeadores, no consigue asentar la marcha del negocio porque los pupilos no atienden sus órdenes. Por indicación de su amante, Louise “Fluff” Philips (Davis), toma a su cargo la promoción como boxeador, con aspiraciones a ganar el campeonato de los pesos pesados, del joven y apuesto camarero Ward (Morris), al que hace llamar Kid Galahad. Nick es de reacciones primarias rápidas, se enoja con facilidad y se deja llevar por sus sentimientos. “Fluff” es joven, apasionada, inteligente, juiciosa y sensata. Sabe controlar los sentimientos y tomar decisiones no inmediatas. Ward es tranquilo, sumiso, disciplinado, fuerte y ambicioso.

El film suma drama, romance, crimen y boxeo. Es un trabajo memorable sobre el trema del boxeo y los ambientes oscuros y sucios que lo rodean. En él se inspiran obras posteriores, como “Cuerpo y alma” (Rossen, 1947), “El ídolo de barro” (Robson, 1949) y “Más dura será la caída” (Robson, 1956). Ofrece un vibrante enfrentamiento de Bogart y Edward G. Robinson y uno de los mejores papeles de la primera etapa de la actriz Bette Davis, entonces (1937) de 29 años.

Curtiz presta especial atención a los aspectos visuales del film, sobre todo a las secuencias de los combates en el ring, resueltas brillantemente con planos largos, planos elevados, encuadres del público gritando y juegos rápidos de planos y contraplanos. La narración visual es dinámica, rápida y trepidante. El ritmo, vivo e intenso, se poya en el uso de buen número de elipsis, que agilizan la exposición y le confieren frescura y ligereza. Se apoya también en unos diálogos concisos, lacónicos, casi telegráficos y rotundos, construidos según el estilo habitual de la Warner en los años 30. Curtiz retrata con fuerza singular los celos, el rencor, el arrepentimiento, los afanes de venganza, el miedo y el revanchismo. La cinta incorpora una fuerte carga emocional (amor, amistad, odio, lealtad, afecto...). No falta la representación del exilio, una de las constantes del autor, que la concreta en este caso en el alejamiento de Nick de su tierra natal (Coneticut) y su abandono precipitado de Miami. Son notables las interpretaciones de Robinson, Davis y Bogart. La tensión dramática sigue la línea ascendente de un crescendo muy bien administrado.

(Sigue en el spoiler sin revelar partes del argumento)
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Miquel
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Mujercitas (1949)
Buena
Mervyn LeRoy
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil.
Su valoración: Buena 18 de Noviembre de 2008
Film producido y dirigido por Mervyn LeRoy (1900-1987) (“Quo vadis?”, 1951). El guión, de Sally Benson, Andrew Solt, Sarah J. Mason y Victor Heerman, adapta la novela autobiográfica “Little Women” (1868), de Louise Mary Alcott. Se rueda en los MGM Studios. Nominado a 2 Oscar, gana uno (dir. artística en color). Producido por LeRoy para MGM, se estrena el 10-III-1949 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en una localidad indeterminada de Nueva Inglaterra y en NYC, durante la Guerra Civil (1961-65). Cuatro hermanas, de diferente manera de ser y de distintos caracteres (Meg, Josephine, Amy y Beth), de edades comprendidas entre los 13 y los 19 años en 1865, crecen, maduran y se preparan para afrontar la vida, mientras el padre, pastor episcopaliano, asiste en cuarteles, hospitales y en el campo de batalla a soldados de la Unión. En la casa vecina vive el joven Laurie (Lawford). Se encuentran en una situación económica muy ajustada. Meg (Leigh), la mayor, es presumida, romántica y responsable. Josephine (Allyson) es indómita, vitalista y espontánea. Amy (Taylor) es egoísta, altanera y cariñosa. Beth (O’Brien) es aficionada a la música, tímida y generosa. La madre, Marmee (Astor), se esfuerza en ayudar y educar a las hijas y es caritativa con las personas más necesitadas que ella. Laurie es rico, simpático y revoltoso.

El film suma drama, familia y romance. El guión ofrece una correcta adaptación de la novela, aporta una buena definición de caracteres y refleja con habilidad la vida familiar de las chicas. La producción se apoya en una esmerada dirección artística (Cedric Gibbons), un acertado análisis de época, una brillante decoración de escenarios (Edwin B. Willis) y un buen diseño de vestuario (Walter Plunkett). La novela había sido objeto de diversas adaptaciones al cine: Butler (1917), Knoles (1918) y Cukor (1933). Es posterior la adaptación de Armstrong (1994). Se considera que la mejor de las cinco es la realizada por Cukor.

La cinta ofrece un retrato costumbrista de época de cierto interés. Trata el tema de las relaciones entre hermanas, de éstas con los jóvenes del lugar y otros, con la madre, el padre y otros familiares, como la tía March. Presenta un cuadro alegre, festivo y bullicioso, al que se añaden trazos dramáticos de gran emotividad. No evita algunas situaciones de un subido sentimentalismo y envuelve el metraje en un tono edulcorado. Salpica la acción con toques de humor ligero y juvenil.

(Sigue en el spoiler sin revelar partes del argumento)
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Miquel
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Río sin retorno (1954)
Buena
Otto Preminger
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil.
Su valoración: Buena 5 de Noviembre de 2008
Único western del realizador Otto Preminger. El guión de Frank Fenton (“Escrito bajo el sol”, Ford, 1957) desarrolla un argumento original de Louis Lantz. Se rueda en los parques nacionales Banff y Jasper (Alberta, Canadá) y en los platós de Fox Studios (escenas con proyecciones posteriores). Producida por Stanley Rubin para la Fox, se estrena el 30-IV-1954 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en la población imaginaria de Council City, el río llamado por los indios Río-sin-retorno, sus márgenes, su cauce y un campamento de buscadores de oro. La acción se desarrolla (1898-99) en tiempos de la fiebre del oro. Tras varios años de presidio por matar por la espalda a un pistolero que iba a dar muerte a un amigo, Matt Calder (Mitchum) acude a un campamento de buscadores de oro para hacerse cargo de su hijo Mark, que quedó solo al morir su madre poco tiempo antes. Se establecen en una zona deshabitada, en territorio indio, agrícolamente rica, próxima al cauce del río. Ambos salvan a Kay (Monroe) y Harry Weston (Calhoum), pareja de novios, cuando habían perdido el control de la balsa con la que viajaban río abajo. Kay es cantante y bailarina de saloon, es tierna, maternal, sincera, peleona, vitalista e independiente y tiene un corazón de oro. Matt es sencillo, natural, poco hablador, oculta en su interior heridas de un pasado oscuro y triste y siente una gran ilusión por enseñar a su hijo Mark a luchar para salir adelante en la vida. Mark, de 9 años, es espabilado y muestra gran interés en aprender. Harry, tahúr irredento, es codicioso, egoísta, desconsiderado y oportunista.

El film suma drama, aventuras, acción y western. Es el único western de Marilyn Monroe y el único de Preminger. Es también la única colaboración para la gran pantalla de Monroe y Preminger. Destaca por la mágica visualidad que le imprime Preminger con la ayuda de los paisajes naturales de los parques nacionales de Alberta (Canadá). Destaca, además, por la excelente interpretación dramática que entrega una Marilyn alejada de los estereotipos de la niña boba y bien impuesta en el rol de mujer autónoma, decidida, independiente e indómita. La buena química que tiene con Mitchum y el trato maternal que dispensa al pequeño Mark, confieren a su actuación naturalidad y frescura. Marilyn luce una gracia y un magnetismo que le permiten desarrollar en escena una interpretación llena de sensualidad, erotismo y sexualidad.

La obra ofrece momentos intensos y variados de suspense, en los que intervienen indios en pie de guerra, animales salvajes, la angostura del cauce, la velocidad de las aguas, enfrentamientos con cazadores furtivos, etc. Preminger hace uso de las sutilezas que tanto le complacen y que resultan patentes en el simbolismo del árbol que Matt corta al principio (olvido del pasado), el abandono de los zapatos de color rosa de Kay (decisión de emprender una nueva vida), los paralelismos entre la fuerza tumultuosa de las aguas y el drama humano, etc.
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Miquel
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Tú y yo (1957)
Notable
Leo McCarey
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil.
Su valoración: Notable 29 de Octubre de 2008
Film de Leo McCarey, remake del realizado por él 18 años antes bajo el título de "Love Affair" (1939). Escrito por Delmer Daves, Donald O. Stewart y Leo McCarey, desarrolla un argumento original de Leo McCarey y Mildred Cram. Se rueda en escenarios naturales de Villefranche-sur-Mer (Alpes Marítimos, Francia) y NYC y en los platós de Fox Studios. Es nominado a 4 Oscar (fotografía, vestuario, canción y música). Producido por Jerry Wald para la Fox, se proyecta por primera vez en público, en sesión de preestreno, el 2-VII-1957 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar a bordo del trasatlántico "Constitution", en uno de sus viajes de Europa a EEUU, en unas imaginarias islas atlánticas francesas, en NYC y en Boston, a lo largo de unos 2 años (1955-57). El conocido playboy Nickie Ferrante (Grant) viaja en el mismo trasatlántico que la joven Terry McKay (Kerr). Se conocen, entablan amistad y caen enamorados a causa de un fulminante amor a primera vista. Él viaja para casarse con una rica heredera norteamericana, Louis Clark (Patterson). Ella viaja para reunirse con su amante, el empresario Kenneth Bradley (Denning). Él es simpático, ingenioso y culto. Bajo la máscara de superficialidad y frialdad de playboy, oculta un espíritu sensible y enamoradizo. Ella es elegante, guapa, ingeniosa y alegre. Ambos disponen de un sutil y festivo sentido del humor.

El film suma drama, comedia y romance. Es el remake de "Love Affair" (1939), de Leo McCarey. Se realiza para añadir al film original la emoción y la fuerza del color y el scope. A un ritmo pausado, desarrolla un relato que sobresale por su finura, delicadeza, equilibrio y sentido del drama. Sin caer en sentimentalismos superficiales y vanos, el autor confiere al film una gran elegancia y oportunas sutilezas, similares a las de la cinta original. Equilibra bien la siempre difícil suma de comedia y melodrama. Decae un tanto el interés a lo largo de la segunda mitad, cuando se alarga el intercalado de canciones, a las que se dedica más tiempo que en la versión original. La secuencia final exhibe un lirismo y una sensibilidad admirables.

Trata con cariño a los ancianos y a los niños. Propone un trato normal de las personas con discapacidad, merecedoras de una vida en la que puedan desarrollar plenamente sus facultades y capacidades. Apuesta por el amor verdadero, que es generoso, sacrificado y no conoce ni límites, ni barreras, ni condiciones. La primera parte de la obra rebosa humor, especialmente conseguido cuando los protagonistas tratan de huir de la atención general, las murmuraciones, las fotografías y los malentendidos, y cuando llegan al puerto de NY. Dos momentos destacan por la profundidad y agitación de los sentimientos que proyectan: la espera en el piso 102 del Empire State y la escena final.
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Crónica negra (1972)
Buena
Jean-Pierre Melville
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil.
Su valoración: Interesante 21 de Octubre de 2008
Decimotercer y último largometraje de Jean-Pierre Melville (1917-1973). El guión, escrito por el realizador, desarrolla un argumento original del mismo. Se rueda en exteriores de París y Saint-Jean-de-Mont (Costa atlántica) y en los platós de Studios de Boulogne (Boulogne-Billancourt), con un presupuesto modesto. Producido por Robert Dorfmann para Corona Cinematografica y Paris Films, se estrena el 1-X-1972 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en Paris y en Saint-Jean-de-Mont entre el 23/XII/1971 y el 10/II/1972. La banda de Simón (Crenna), amigo del comisario Edouard Coleman (Delon), atraca una sucursal bancaria de una pequeña localidad turística de la costa atlántica. Posteriormente interceptan y sustraen una partida de droga (cocaína) en poder de una banda rival. Uno de los malhechores, Marc Albouis (Pousse), resulta herido de bala. Los otros dos asaltantes son Paul Weber (Cucciola) y Louis Costa (Conrad). Simón regenta, con la colaboración de Cathy (Deneuve), la sala de fiestas de noche “Simon’s”, de Paris. Es duro, codicioso, ambicioso y desconsiderado. El comisario Coleman es tan duro y frío como los malhechores.

El film suma acción, crimen organizado, policíaco y thriller. Desarrolla una narración austera, estilizada y depurada, exenta de adornos y de elementos superfluos. Busca la simplificación y la síntesis. Hace uso de elipsis, sobreentendidos y supuestos, que focalizan la atención en lo esencial del relato y le confieren sobriedad y ligereza. Presta minuciosa atención, como es costumbre en Melville, a la preparación y ejecución de las acciones del grupo criminal. El ritmo de la cinta es pausado.

Al realizador, le interesa, sobre todo, la exploración de la ambigüedad moral de los protagonistas y las equivalencias entre la policía y los atracadores. La lucha de la policía contra los criminales no se identifica con el enfrentamiento secular entre el bien y el mal. Los criminales son fríos, carecen de sentimientos, maltratan a quienes se cruzan en su camino, son sanguinarios y crueles. La policía, personificada en la figura del comisario Coleman, actúa de manera similar. Otros referentes temáticos del film son la exploración de las debilidades humanas, la preocupación por la muerte, la amistad masculina, la lucha entre el sentido del deber y los sentimientos de amistad, la tensión entre realidad y apariencias, la ambigüedad sexual (travestido enamorado del comisario). Los personajes dudan, sueñan, actúan y albergan miedos, frustraciones y esperanzas. Se comportan como seres humanos inmersos en una realidad cotidiana, ordinaria y corriente. Los diálogos son breves, escasos y casi lacónicos. El realizador muestra la atracción que siente por la tragedia. Destaca la secuencia del asalto a la oficina bancaria y el cruel interrogatorio (sólo insinuado) de Louis Costa. El film destila la gélida frialdad que anida en el espíritu de los criminales y de la policía.
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Miquel
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