Adaptación al cine de la novela "Amanecer con hormigas en la boca", de Miguel Barroso. Dirigida por Mariano Barroso, tras 5 años de pausa. Se rodó en La Habana y en Barcelona, a partir del 6-IV-2004, durante 9 semanas. Dispuso de un presupuesto de 2,7 M euros. Inauguró el Festival de Cine de Málaga.

La acción principal tiene lugar en La Habana en 1958/59, en los últimos meses del régimen de Batista. Narra la historia de Martín Losada (Eduard Fernández), un joven idealista, que con dos cómplices, atraca una sucursal bancaria en Barcelona para financiar el movimiento antifranquista. Tras cumplir 8 años de prisión, embarca hacia La Habana, donde espera encontrar a Julia (Ariadna Gil), su antigua amante, que se fugó con el botín.

La película cuenta una historia de perdedores, protagonizada por Martín, un anti-héroe castigado por la vida, traicionado por los compañeros y abandonado por la amante. La peripecia que emprende en busca del dinero del botín es la de un personaje moralmente derrotado, que del idealismo radical ha venido a parar en un pragmatismo descarnado, terco y obstinado. De víctima de sus utopías juveniles pasa a ser víctima de si mismo, en un tránsito autodestructivo. De modo similar, su antigua compañera sentimental se ha convertido en cómplice de turbios manejos y en mujer fatal, que con frialdad calculada aporta a sus amantes, antiguos y nuevos, desengaños, dolor y desgarros. La película, además, centra parte de la atención en los ambientes de corrupción, crimen, extorsión y venganzas, del submundo mafioso que prosperó en los últimos años del gobierno de Batista en Cuba. La historia, en su conjunto, es profundamente triste, desesperanzadora y trágica, como corresponde a una obra de cine negro a la antigua.

La música incluye una partitura, ejecutada por la Orquesta Filarmónica de la ciudad de Praga, que combina solos de trompeta (homenaje a los clásicos del cine negro), melodías románticas y fragmentos con predominio de bajos profundos. Añade canciones populares cubanas de los 50 ("Hoy como ayer", "Te escribiré con sangre" y otras). La fotografía, luminosa, se basa en un dibujo excelente en el que predominan los trazos verticales, los reflejos, los colores cálidos y el colorismo caribeño. El guión aporta una narración apagada, tópica y algo dispersa. Superpone la historia de búsqueda y huída, de amor y soledad, de Martín con otra de lances mafiosos, narrados con esquematismos y precipitación. La interpretación de Eduard Fernández es espléndida y convincente la de Jorge Perugorría. Ariadna Gil se desenvuelve con hieratismo y poca expresividad. La dirección, condicionada por la debilidad del guión, crea una obra que se sitúa por debajo de sus posibilidades.

La película cuenta con una imagen y una música excelentes. Describe los escenarios de La Habana con acierto. Explica una historia con defectos de guión y de verosimilitud.

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El oscuro amanecer final y otra incidencia, a penas sugerida, enmarca la figura trágica de Martín en un mañana incierto, en el que, tal vez, quepa la esperanza. Pero la duda y la incertidumbre son mucho más trágicas que la certeza.

Miquel

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Coproducción britanicocheca, dirigida por Terry Gilliam ("Brazil"). Se rodó en los estudios Barrandov (Praga) y en la campiña medieval checa (castillos de Krivoklat, Kacina, Kutna Hora y Ledec). El poblado y el bosque se montaron para la película, que contó con un presupuesto de 80 M. dólares. Fue nominada al León de oro de Venecia.

La acción tiene lugar, en 1796, en territorio alemán ocupado por tropas francesas. Narra la historia de Will y Jacob Grimm, estafadores de poca monta, que recorren la región prestando por dinero servicios de defensa de personas y bienes contra la acción de monstruos, espíritus malignos, brujas y demonios, creados por ellos mismos. Su suerte cambia cuando reciben el encargo de resolver un caso real: la desaparición de muchachas adolescentes en el bosque encantado de Marbaden. Con buen criterio recaban la colaboración de la rastreadora Agelika (Lena Headey).

Los hermanos Grimm, que siempre trabajaron juntos, recopilaron a principios del XIX, más de un centenar de cuentos populares milenarios ("La Cenicienta", "Caperucita roja", "Blancanieves", "Hansel y Gretel", etc.). Fijaron la versión alemana de los mismos, que presenta diferencias respecto de otras versiones (francesa, nórdica, etc.). La película convierte a los Grimm en protagonistas de un cuento de nueva factura, en el que conservan su faceta de recopiladores de relatos populares. La cinta evoca pasajes de algunos de sus cuentos. Son escenas destacadas del film la de la Reina del bosque, la del castillo que habita, el secuestro de una niña por un caballo, la tortura acompañada de música y los juegos del espejo. La acción se desarrolla en un universo sombrío y oscuro, poblado de bosques peligrosos, castillos tenebrosos, cuevas tétricas, lobos feroces terribles, cuervos agresivos. La fantasía del relato topa con la adusta racionalidad de la Ilustración francesa, representada por las tropas de ocupación.

La música ofrece una interesante partitura de Darío Marinelli, autor de probada eficacia en obras independientes y de bajo presupuesto. Se inspira en melodías étnicas y aporta una tema principal "The Queen Story", sobrio y elegante. La fotografía utiliza un cromatismo intenso, con toques brillantes de azul y rojo. Crea ambientes opresivos, lúgubres y terroríficos. El ritmo es frenético y en ocasiones fatiga por excesivo. El guión desarrolla una historia de cierto interés, pero lo hace de un modo algo embarullado, con reiteraciones y errores de fluidez. La ironía y el buen humor están presentes a través de figuras caricaturescas (el verdugo italiano) y hechos hilarantes, que incorporan rasgos excesivos por exagerados. La presencia de los hermanos Grimm resulta gratuita e innecesaria. La interpretación es convincente y apropiada. La dirección realiza un trabajo meritorio, que acusa precipitaciones.

No es la mejor obra del autor, pero es entretenida e interesante. Estimula la imaginación y la fantasía de quienes, venturosamente, creen en ellas.

Miquel

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Dirigida por John Farrow, se basa en un relato de C.S. Forester ("La reina de África"). No estrenada en España, se editó en 2005 en DVD doblada al español. El rodaje comenzó antes de la intervenció de EEUU en la II GM (diciembre 1941) y se estrenó con el país en guerra. Nominada a los Oscar (banda sonora). El productor fue Lester Cowan ("Venus era mujer").

La acción tiene lugar en 1940/41 en torno a una localidad marinera de Noruega, alterada por la ocupación alemana (1940). Narra la historia de Erik Toresen (Paul Muni), pacífico marinero, viudo y padre de una niña, Solveig, de 4/5 años. A raíz de la detención, interrogatorio y tortura de su amigo John, decide organizar la resistencia. La película incluye un componente explícito de animación patriótica. Muestra cómo los alemanes asumen el mando del lugar, manipulan la enseñanza, incluyen en ella doctrina racista, cierran la parroquia, prohíben las salidas en barca (arruinando la pesca), decomisan mantas y comida y cometen otros excesos que ceban el odio de los vecinos. Se denuncian, además, los abusos nazis: la ocupación convierte la tranquila vida de los vecinos en un infierno de miseria, sometimiento, explotación y represalias. Se exalta la resistencia como medio de defensa. Erik, pese a su espíritu conciliador y tolerante, decide animarla y fortalecerla con acciones que suscitan la complicidad de los vecinos. La película elogia la colaboración de los países aliados como fuente de la fortaleza necesaria para la victoria. La envergadura de los planes nazis superan claramente la capacidad de respuesta de la localidad noruega, por lo que ésta decide pdir ayuda al RU. La película muestra sin disimulos el coste en vidas humanas, el dolor moral y el sacrificio colectivo que exigirá la guerra. Produce extrañeza que las tropas escocesas sean repetidamente llamadas inglesas en el doblaje español.

La música, colorista y variada, aporta fuerza al desarrollo dramático. La fotografía hace uso de varios planos-secuencia, tan gratos al director. Es destacable el giro inicial, de derecha a izquierda, de la cámara que muestra los alrededores del lugar, las embarcaciones que lo caracterizan, sus gentes y, por fin, al protagonista. La escena de la boda se resuelve con otro plano-secuencia que muestra la animación general, el corte de la tarta, bailes tradicinales noruegos y los augurios de guerra que preocupan a algunos ciudadanos. El guión, a cargo de Irwin Shaw en su debut cinematográfico, está construído con habilidad y pericia. Combina escenas intimistas, de aventura, de suspense y de acción bélica. La interpretación de Paul Muni es correcta, aunque rígida y fría. Es emotiva la presencia de Lillian Gish. La dirección exhibe sobriedad y solidez narrativa.

Película de animación patriótica, que no minusvalora los sacrificios de la guerra. La narración, interesante y de valor documental, se apoya en una banda sonora excelente y en una fotografía magnífica.

Miquel

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Dirigida por Edward Dmytryk, es un remake en clave de western de "Odio entre hermanso" (1949), de Mankiewicz, inspirada en "El rey Lear", de Shakespeare. Obtuvo al Oscar al mejor argumento (Philip Yordan) y una nominación al Oscar a la mejor actriz secundaria (Katy Jurado). La productora fue Sol C. Siegel ("La novia era él").

La acción se desarrolla en tierras ganaderas del Oeste de Chicago entre 1880 y 1888. Narra la historia de Mattew Deveraux (Spencer Tracy), emigrante irlandés, que se estableció en el lugar hacia 1860, donde levantó un rancho de 50.000 reses. Su mujer, Helen, madre de tres hijos, murió en el empeño. Contrajo segundo matrimonio con la hija de un jefe indio (Jurado), con la que tuvo un hijo, Joe (Robert Wagner), el preferido. Matt gobierna el rancho con mano de hierro, de modo absoluto y tiránico, lo que le granjea el resentimiento de los hijos, especialmente del mayor, Ben (Richard Widmark). A través de Matt se exalta la valentía y el coraje de los primeros colonizadores, que enriquecieron la tierra con una ganadería próspera. También se exalta el talante tolerante y comprensivo con los indios, a quienes conocieron y trataron durante años. Los hijos no aprecian la tierra como los padres y ven con recelo una ganadería de futuro incierto. La venta de tierras les ha de brindar la oportunidad de invertir en actividades más lucrativas. De ahí que entre padre e hijos se abra una brecha de enfrentamientos y odios. La inadaptación de Matt a la nueva realidad le lleva a cometer errores, que le acarrean problemas y le debilitan. Las grandes compañías petrolíferas e industriales se han convertido en los protagonistas de la nueva era, no apta para el primitivismo de los pioneros. Las pasiones humanas emergen, sobre todo, en épocas de inquietud y cambios. Los hijos de Deveraux, avejentado y enfermo, le arrebatan el gobierno del rancho, desoyen sus consejos y súplicas y desean su muerte. Cuando Joe sale de prisión, donde purgó las culpas del padre, sus hermanos le hacen una oferta razonable, que rechaza poseído por deseos de venganza. Ben y Joe se necesitan mutuamente, son dos almas atormentadas por igual, pero no se entienden porque la envidia y el resentimiento les nublan la razón.

La música acompaña con orquesta de viento y percusión el relato, al que trasmite solemnidad, grandeza y trascendencia. La fotografía muestra paisajes espléndidos y desarrolla un discurso visual cautivador, en el que brilla la figura vestida de blanco de Bárbara (Jean Peters). La interpretación de Spencer Tracy y las de Wagner, Widmark y Jurado son convincentes. El guión ofrece una discutible narración en flashback. La dirección de Dmytryk, conocedor en carne propia de la intolerancia y el fanatismo, da a la obra un toque personal de gran emoción.

Con la última intervención en el cine de Jean Peters, la película ofrece una historia de valor universal, más inteligible que la de Mankiewicz, aunque de menor solidez dramática.

Miquel

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Ambientada en Roma a principios del XX, se basa en un relato de Pirandello. Es coautor del guión y director Marco Bellocchio.

La historia se centra en el nacimiento del hijo primogénito del matrimonio formado por el médico Mori, psiquiatra, que dirige un centro de internamiento de mujeres con problemas mentales, y su esposa Vittoria. El niño rechaza la leche materna y el padre busca una nodriza. Entre ésta, sana y campechana, y la madre, con problemas de equilibrio emocional y de neurosis, se establece un progresivo enfrentamiento, hecho de silencios y disimulos, que provoca el abandono del hogar por parte de Vittoria.

La narración el algunos puntos utiliza la ambigüedad como medio de expresión y comunicación. No se sabe si el bebé rechaza la leche de la madre o es ésta la que no quiere dar el pecho al pequeño. Las escenas del parto también plantean interrogantes sobre los deseos de la madre de tener o perder al hijo. En varias ocasiones, el director se sirve del llamado efecto "fuera de campo", también llamado "efecto Lubitch". Las caricias de la nodriza al bebé no se constatan visualmente, sino a través del enfoque del rostro contrariado de la madre. La descripción de la acción se hace con parsimonia y abundante uso de la imagen (que predomina sobre la palabra en numerosas ocasiones). La fotografía ofrece secuencias de gran belleza visual y de gran dinamisno, como en el enfrentamiento de los guardias a caballo y los manifestantes. La música ajustada a la acción y comedida, presenta algunos solos de flauta que acompañan magistralmente situaciones de silencio y soledad. Excelente interpretación de los tres protagonistas.

En conjunto, se trata de una obra interesante, técnicamente correcta, basada en una historia vigorosa y dramática a causa de dolorosas e incurables enfermedades interiores, que el protagonista ha de vivir en el trabajo y en la familia.

Miquel

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