Un mosquito antediluviano atiborrado de sangre de dinosaurio muere presa de la pegajosa resina del árbol donde se posa. Unos ciento cincuenta millones de años después, un viejo multimillonario encuentra al mosquito perfectamente conservado en una esfera de ámbar. Extrae la sangre, aísla una cadena incompleta de ADN y la combina con trozos de ADN batracio para clonar a todos los reptiles prehistóricos, con el fin de erigir un parque de atracciones. Y con la bola del mosquito se hace un bastón.

La atracción de la cinta es, al menos para el que esto suscribe, el tiranosaurio rex. Jurassic Park es una “monster movie” con uno de los monstruos más pavorosos y agresivos de la historia del cine, cuyas terroríficas apariciones dejan al espectador inmovilizado en la butaca. Lástima de que el filme esté saturado por numerosas disquisiciones científicas, filosóficas y religiosas de los personajes capaces de deprimir al espíritu más aventurero. Por cierto, el señor Spielberg nos cuela una trampa visual mastodóntica...

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...que se produce cuando los paleontólogos y los niños se ven rodeados por los velociraptores y, en el momento oportuno, el tiranosaurio introduce sus fauces en el plano y detiene el salto del velociraptor con una certera dentellada. Lo extraño es que uno de los recursos de la película para crear tensión es el de que el t. rex siempre anuncia su llegada.

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El gore es exceso, sangre a borbotones, afán por la náusea, una especie de manierismo del cine de terror. Y Zombie lo sabe. Pero también sabe que el humor y la ironía en el gore son indispensables, una suerte de red de funambulista contra el ridículo y el patetismo.

House of 1000 Corpses es un gore nostálgico, valga la expresión, que evoca mil títulos del cine de terror de todos los tiempos, en especial aquéllos que nunca fueron vistos con buenos ojos por parte de la sociedad biempensante, la contracultura del terror: desde las películas de monstruos inhumanos de los años 50 y 60 hasta los filmes de monstruos humanos de los años 70 y 80, sin pasar por alto la (deliciosa) inmundicia televisiva de humor negro (Los munsters).

Pero Zombie no se contenta con un gore “filmófago” sino que sabe imprimirle un estilo con la música como contrapunto a la crueldad y al sadismo, con el color adulterado y, sobre todo,...

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... con la saturación de elementos inquietantes y repugnantes (el porche lleno de cabezas de muñecas desojadas, la caseta trasera con cuerpos femeninos desnudos y ensangrentados, el cementerio repleto de cruces caseras...), todo con el fin de realzar la pesadilla de la historia.

La historia, guía de tópicos en este tipo de películas, se beneficia de un crescendo en la intensidad con que se muestra el horror. Pero sobre todo se beneficia de un sentido de la ironía que ya quisieran para sí muchas comedias americanas actuales:

- “Ahora os sirven la cena” dice la anfitriona sureña a los típicos incautos de ciudad y un inserto muestra los cuerpos de las animadoras que se desangran en el dormitorio de arriba.
- Una mano con la palma extendida rompe la tierra y emerge de las entrañas. No es un muerto viviente, es una superviviente de los torturadores que encuentra una salida a su encierro subterráneo.
- Suena una canción cuyo estribillo repite “I remember you” (Te recuerdo), mientras las imágenes mudas muestran a uno de los peligrosos hermanos Firefly, de leve parecido con el Tío Creepy de los tebeos, persiguiendo al horrorizado padre de una de las chicas secuestradas. Lo bueno del asunto es que el actor que interpreta al padre es Harrison Young, el que hace de soldado Ryan en su vejez, y hasta me da la sensación de que viste igual, así que el tiro por la espalda que le endiñan es todo un balazo trapero a un símbolo del patrioterismo yanqui. Después, termina la canción y el asesino coloca el cañón del arma sobre la frente del policía que implora piedad de rodillas. Se hace el silencio. La cámara se eleva hacia cotas que sorprenden por su inédito pudor, y no se oye ni tu propia respiración mientras esperas que ocurra...

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El veterano detective de la policía, Daniel Madigan, patrulla las calles con su inseparable compañero Rocco Bonaro. Ambos han de verse las caras con tipejos de dudosa calaña: un dandi enano y su "guardaespaldas", un asesino mujeriego, un soplón alcoholizado, un proxeneta melenudo... El comisario Russell es jefe de Madigan y no le aprecia demasiado. Recuerda que se servía de su placa para comer gratis. Sin embargo, es benevolente con su amigo y compañero, el inspector jefe Kane, aunque haya incurrido en un grave delito.

Estupendo filme de policías, lleno de acción y de pesadumbre. Siegel, muestra las escenas de Madigan de modo trepidante en contraste con las escenas de Russell, más pausadas. Mientras el policía Madigan debe capturar a un asesino en un fin de semana, corre por las calles, sube escaleras, salta de azotea en azotea, extorsiona a mujeres indefensas, asalta domicilios privados y se involucra en tiroteos, el comisario Russell se refugia en su despacho, tiene citas amorosas con una mujer casada, asiste a las fiestas del cuerpo y… ¡mañana será otro día!

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El personaje creado por el cómico Harold Lloyd (1893-1971), natural de Nebraska, era un joven simpático de perenne sonrisa, de clase trabajadora cuyas gafas redondas de carey resaltaban su ingenuidad, a veces traducida en timidez (aunque dudo que jamás se le subiesen los colores porque llevaba la cara más blanqueada que una geisha), y otras veces en respeto a las absurdas normas impuestas por la autoridad. Su candidez contrastaba con el dinamismo que le otorgaban sus capacidades atléticas. Desde que Lloyd creó su personaje, Hal Roach, productor de sus cortos, y la Pathé, su distribuidora, se dieron cuenta de que había nacido una estrella, y sus películas fueron aumentando el número de bobinas hasta que el metraje se hizo tan largo que abandonaría el corto para siempre.

Safety last fue el largometraje con el que Lloyd arrasó en las taquillas de las salas de cine. En él, Harold Lloyd y su equipo reflejan con elevado sentido del humor y de la ironía la sociedad capitalista, las diferencias de clase y hasta el machismo. Pero el valor del filme descansa en su frenético engarce de situaciones divertidas de admirable resolución visual, que transforman el quehacer cotidiano en una inagotable fuente de comicidad, y que culmina con una secuencia final de las que quitan el habla, pero no la risa.

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Los artistas neoyorquinos Hermanos Marx, Chico (1887-1961), Groucho (1890-1977), Harpo (1888-1964) y Zeppo (1901-1979), comenzaron en las revistas de variedades, espectáculos teatrales ambulantes que incluían números de música, baile y humor. Monkey business, con un exiguo argumento sobre cuatro polizones en un transatlántico rumbo a América, se sustenta precisamente en las habilidades humorísticas y musicales de sus protagonistas. Al prescindir de una trama elaborada, los Hermanos Marx disponen de mayor libertad para desplegar números basados en su personalidad irreverente y en su lógica incongruente. Así consiguen una de sus primeras grandes películas.

Estupendos sketches colman el filme, como el del armario del camarote del gángster o el del pasaporte de Maurice Chevalier. Entre las innumerables cuestiones que vapulean se recalca el tema del machismo y del maltrato doméstico. Así, la mujer del gángster advierte a Groucho cuando éste empieza el magreo: “No. Aquí no. Podría vernos mi marido y me daría una paliza”. Y el sádico Groucho: “Siempre pensando en su marido. ¿No podría dársela yo?”

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