Film independiente, producido y realizado por Sidney Lumet. Se basa en la novela "Call For The Death" (1961), de John Le Carré. Se rodó en exteriores de Londres y en plató. Obtuvo 5 nominaciones a los BAFTA (actor, fotografía, película, guión y actriz extranjera).

La acción tiene lugar en Londres, Surrey y Zurich, en torno a 1960. Narra la historia de Charles Dobbs (James Mason), agente del servicio secreto británico, prejubilado a petición propia cuando ve obstruida su labor por conveniencias políticas, tenaz, obstinado, perspicaz e indolente, está casado con Ann (Harriet Andersson), más joven que él, apasionada, infiel y ninfómana. Con la ayuda del antiguo inspector Mandel (Harry Adrews) lleva adelante la investigación sobre la muerte de Samuel Fennon (Robert Flemyng), funcionario del Foreing Office, de la que su viuda, Elsa (Simone Signoret), es la principal sospechsa.

La película tiene como telón de fondo la Guerra Fría, en cuyo marco se desarrolla y justifica la acción. Los escasos recursos de Dobbs y el ambiente sucio en el que trabaja (tabernas sórdidas, barrios enfangados, aguas contaminadas), contrastan con la opulencia, los derroches y el confort en el que se desenvuelve el agente secreto británico James Bond, según reflejan películas como "Sólo se vive dos veces" (1967). El film está impregnado de realismo y credibilidad en la definición de los personajes y el desarrollo de la acción. El autor de la novela tenía larga experiencia en el ejercicio de su condición de miembro del espionaje británico y conocía con precisión las características del submundo de los servicios de inteligencia. Incluye algunas referencias cultas, como la cita de las obras de Goethe y la inclusión de fragmentos de dos obras de teatro de Shakespeare: el monólogo de las brujas alrededor del caldero ("Macbeth") y el asesinato del rey ("Eduardo II"). Las brujas condimentan su pócima mortal como planean sus acciones los agentes soviéticos. La muerte de Samuel Fennon y de su viuda, al igual que la de Eduardo II, se debe a la intervención de una mano criminal. El arco dramático, bien construido y acertadamente dosificado, se apoyua en la soledad de Dobbs y Mandel y en su empeño sobrehumano de descubrir la verdad por encima de los intereses de una organización poderosa y desalmada.

La música, de Quency Jones, ofrece percusiones, lamentos de sopranos y melodías rítmicas, que se integran en la acción. La fotografía, de Freddie Young ("La hija de Ryan", 1970), mueve la cámara con diligencia y precisión, añade rodajes cámara en mano, usa luces tamizadas y dispersas y bellos contrastes de color. El guión construye un relato rico en misterio y suspense, coherente y convincente. La interpretación de James Mason es brillante. La dirección crea una obra interesante y absorbente, que funde dos relatos paralelos, el doméstico de Dobbs y el de su investigación.

La película presenta paralelismos y puntos de coincidencia con "El espía que surgió del frío" (1965).

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Shakespeare muestra su actitud de discriminación por razones de raza (antisemitismo) en la relación de los ingredientes de la pócima mortal de las brujas.

Miquel

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Escrita y dirigida por Bresson, se inspira en "Crimen y castigo", de Dostoyesvki. Rodada en París con un presupuesto modesto, fue finalista al Oso de Oro de Berlín.

La acción tiene lugar en París a finales de los 50. Narra la historia de Michel (Martin La Salle), un joven que se dedica a robar carteras, bolsos, relojes y pañuelos. No lo hace por necesidad (tiene aptitudes para otros menesteres), sino como medio de sentirse importante. Al visitar a su madre enferma, conoce a una muchacha, Jeanne (Marika Green), con la que entabla amistad. La película hace uso de una estética sobria, austera y depurada, con preferencias por los ambientes oscuros, marginales y sórdidos. El autor opta por actores no profesionales; diálogos dichos con notoria neutralidad de tono y timbre; un vestuario modesto y gastado por el uso; una expresión corporal contenida y fría; y por un discurso narrativo que somete a un proceso de depuración y abstracción admirable. Bresson dice lo que se propone con el menor número de palabras y gestos. Exalta las habilidades del protagonista, que eleva a algo parecido a un arte. Como Raskolnikov, el protagonista de "Crimen y castigo", Michel cree en el orden superior de su moral jansenista.

La música, tomada de Jean-Baptiste Lilly, compositor francés del XVII, aparece en momentos culminantes de la obra con fragmentos orquestales de gran solemnidad, que elevan el tono de la obra. La fotografía resalta los gestos, las miradas, los movimientos imperceptibles, de los personajes, extremando la atención por el detalle. Se centra en el interior de la pantalla y usa con frecuencia la juxtaposición de planos breves y rápidos para describir, con maestría, una secuencia de acción larga. Los actores, no son profesionales y no usan maquillaje. El director los somete a un trabajo agotador de repetición de tomas, hasta conseguir el resultado deseado. El guión elabora un relato sencillo, hecho de pequeños detalles, gestos y sonidos, narrado con brevedad y una economía de medios que sorprende y fascina. Los personajes, tomados de la calle y de la vida real, se acercan a los del neorrealismo italiano. La interpretación es correcta y se ajusta a los objetivos del autor. Martin La Salle triunfó en Méjico y Marika Green apareció en "Emmanuelle" y en unas 30 obras de cine y TV. La dirección consigue una película que sobresale por la sobriedad narrativa y por la magia de las elipsis.

Una de las películas más asequibles de Bresson y, a la vez, una de las más depuradas y más apreciadas de las 13 que dirigió. En ella descuella, de modo admirable, el poder de la sugerencia. Imprescindible para los amantes del gran cine de autor.

Miquel

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Dirigida por Bill Condon, se rodó en 34 días (julio/agosto 2003) en NY y Toronto. Se basa en la biografía del protagonista, de Jonathan Gathorne-Hardy; el documental "Sex And The Scientist", de Diane Ward; y entrevistas a colaboradores del científico. Obtuvo una nominación a los Oscar (mejor actriz secundaria). Ganó el LAFCA Award al mejor actor y el NBR Award a la mejor actriz secundaria. Fue nominada a 3 Globos de Oro (película, actor y actriz secundaria).

La acción tiene lugar entre los primeros años del XX y los 50. Kinsey, que nace en 1894 y fallece en 1956, estudia en New Jersey, Maine y Harvard. Ejerce el magisterio en la Universidad de Indiana. Especializado en entomología, realiza un estudio exhaustivo y modélico sobre la avispa de agalla. A partir de 1938 dirige una amplia investigación sobre la conducta sexual de los seres humanos. Estudios posteriores no han contradicho las tesis de Kinsey, aunque las han matizado y mejorado. La película muestra el error de Kinsey al establecer en la comunidad de investigadores la utopía de las relaciones sexuales libres, múltiples y cruzadas. Reconoció las limitaciones de su investigación, que no explica los arcanos del amor. Es reconocido, con elogios de unos y críticas de otros, como el desencadenante de la revolución sexual americana y europea de los 60.

La música incluye una partitura original que resalta el espíritu tranquilo y fuerte de Kinsey. Añade fragmentos de Chopin, Mozart, Sibelius, Cole Porter, etc. Superpone a los créditos finales la canción "Fever". La fotografía hace uso frecuencte de colores matizados, incluye escenas de juventud en b/n y exalta la luz sombría del bosque de "secuoias sempervivas". El guión glosa la figura de Kinsey con objetividad y sin apologías. Las escasas referencias temporales pretenden destacar la actualidad de la obra. Las interpretaciones de Neeson, como protagonista, y Laura Linney, como la esposa enamorada (Clara Bracken McMillen) son excelentes. La dirección construye una narración bien documentada, de gran interés.

Biopic de un personaje clave de la historia contemporánea. Controvertido y difamadado, ha contribuído a la liberación y normalización de la vida de muchos, especialmente personas reprimidas, marginadas y proscritas.

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A partir de unas 18.000 entrevistas personales, publica dos obras: "El comportamiento sexual en el hombre" (1948) y "El comportamiento sexual en la mujer" (1953). La primera dio lugar a reacciones de protesta y la segunda provocó escándalo y denuncias de corrupción de las costumbres. Las dos obras, entre otras muchas cosas, establecen los porcentajes de personas que practican relaciones extramatrimoniales, prematrimoniales, homosexuales, orales, etc. Afirmó que la masturbación no es causa de ceguera, que la homosexualidad no es una enfermedad, que la mastrubación no es una perversión. No habló de conductas normales/anormales, sino de conductas frecuentes/no frecuentes. Habló del imperativo de la sexualidad biológica, de la singularidad sexual de cada persona y de las consecuencias observadas de la represión sexual.

Miquel

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Película coescrita y dirigida por François Ozon, rodada en Francia e Italia en dos tandas separadas por un receso de cinco meses. Fue nominada al León de Oro de Vencia y al premio a la mejor actriz de los European Film Awards.

La acción tiene lugar entre el verano de 1999 y febrero de 2003, en Francia e Italia. Cuenta la historia de la pareja formada por Marion (Valeria Bruni-Tedeschi) y Gilles (Stephan Freiss), distribuída en cinco episodios que se presentan en orden cronológico inverso (divorcio, debate sobre la fidelidad, nacimiento del hijo, boda y primer encuentro). La narración, bien trabajada, explora las relaciones amorosas, su evolución y su degradación en una pareja de treintañeros. El autor deliberadamente deja sombras, sugiere dudas y plantea preguntas sobre las causas y el significado de diversos acontecimientos básicos para la comprensión de la relación de pareja, sus dificultades, desavenencias y ruptura amistosa. Marion y Gilles no forman una pareja fuertemente unida y su convivencia se ve sacudida por algunas infidelidades, desencuentros (Gilles no asiste al parto de Marion), inseguridades del protagonista, inapetencia de Marion, carácter reservado de ambos y la distancia que progresivamente les separa. El único intento de Gilles para recomponer la intimidad y la ilusión perdida se resuelve en una triste escena de sodomización de Marion, que al no poder evitarla, la soporta envuelta en lágrimas silenciosas, resignadas y dolorosas. El autor deja interrogantes que invitan al espectador a interpretar la existencia o no de inclinaciones homosexuales de Gilles y de sus posibles tendencias sadomasoquistas, la frigidez de Marion y sus secretos voyerismo y exhibicionismo, la falta de satisfacción sexual mútua. La narración se desarrolla a ritmo pausado, elegante, lírico y sugerente, acorde con el estilo de Ozon.

La música, compuesta y dirigida por Philippe Bombi, ofrece acertados solos de guitarra y piano, y fragmentos orquestales, que se acompañan de canciones inolvidables de los años 60. "Una lacrima sul viso", de Bobby Solo, se superpone a las lágrimas de Marion. Es emocionante el recuerdo de The Platters y Nico Fidenco. La fotografía aporta un recital de composiciones de gran belleza, con combinaciones de luces variadas, claroscuros maravillosos (el móvil recortado sobre la oscuridad que usa Gilles para llamar a Marion horas después del parto), la espléndida escena de amor de Gilles y su antigua compañera en la habitación del hotel, la esplendorosa belleza física de Marion. El guión, bien elaborado y rico en matices, seduce enseñando y ocultando, jugando con el espectador e invitándole a completar la historia. La dirección profundiza en la personalidad de los protagonistas, pero acertadamente no cierra el análisis: lo deja abierto con sugerencias y ambigüedades llenas de sutilezas.

Película muy correcta, de narración excelente, bien interpretada, de gran belleza visual y sonora, sugestiva y sugerente.

Miquel

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La película cierra la primera etapa de la filmografía de Godard, en la que realizó un cine muy a la manera de la "nouvelle vague". Se centra en historias relacionadas con la vida diaria, se ocupa de personajes comunes, rueda a compo abierto en escenarios naturales apenas retocados, se sirve de la iluminación natural y construye las obras como una secuencia de historias juxtapuestas a la manera de un "collage". En estos términos, realiza "Weekend", en la que el nexo entre los diversos capítulos viene dado por la historia de un matrimonio, Roland y Corinne, que decide salir en coche de la ciudad para pasar un agradable fin de semana en el campo. Los episodios vienen marcados por la descortesía, el lenguaje grueso, la hipocresía y la violencia verbal y física, que usan en sus relaciones habituales los personajes de la película. A ello se añaden escalofriantes accidentes de coche, el asesinato a sangre fría y la presencia de unos extraños revolucionarios antropófagos. Los dos capítulos más sobresalientes son el titulado "Análisis", de una sensualidad pocas veces igualada en cine, y el que describe un larguísimo embotellamiento de coches en la carretera, inspirado en un cuento de Julio Cortázar, que se ha de ver con ojos de 1967, cuando el parque automovilístico era muchísimo menor que el actual. En el episodio "Lucha de clases" el discurso ideológico se hace deliberadamente largo, monótono y tedioso y se torna incomprensible cuando se mezcla con una disertación sobre las condiciones de vida de los hipopótamos.

El film se ve con placer, es entretenido e imaginativo, está muy bien construido, contiene algunas de las referencias constantes del director (Bardot, Mozart, Revolución francesa, etc.). La película se posiciona contra la violencia, el consumismo y la hipocresía. La concepción de la persona que asume es profundamente pesimista, de acuerdo con los postulados del "existencialismo" en boga en la Francia de los años 60.

Miquel

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