Segundo largo de Martin Scorsese, que inició su filmografía con "¿Quién golpea mi puerta?" (1967). Se basa en "Sister Of The Road", autobiografía de Bertha Thompson, escrita por Ben L. Reitman, según relato oral de la misma. Se rodó en exteriores de Reader (Arkansas) con un presupuesto inferior a 1 M dólares. El productor fue Roger Corman y el estreno se celebró el 14-VI-1972 (EEUU).

La acción trascurre en Arkansas (EEUU) durante la Depresión (años 30). Narra la historia de "Boxcar" Bertha Thompson (Barbara Hershey), huérfana a causa de un accidente laboral del padre, de espíritu libre e independiente, de amores efímeros, forma pareja con "Big" Bill Shelly (David Carradine), peón de la compañía ferroviaria local, sindicalista de izquierdas, que la arrastra a una vida de asaltos y robos a la empresa y a sus dirigentes, al objeto de mejorar las condiciones de los trabajadores. A los dos se unen un dandy neoyorquino desarraigado, Rake Brown (Barry Primus), y el mecánico afroamericano Von Morton (Bernie Cassey).

La película desarrolla un relato de robos y asaltos con intimidación a personas relacionadas con la empresa y a las instalaciones de ésta. El fruto se destina a los trabajadores necesitados, parados, enfermos, etc. El cuadro de miseria, paro y deseperación, de la Depresión queda esbozado con trazos amargos. La preocupación social del film, reflejo de las preferencias de Corman, incluye referencias a las malas condiciones trabajo asalariado, su precariedad, su dependencia del capricho de los ejecutivos y la insuficiencia de los salarios, en contraste con la opulencia y lujo de los grandes propietarios. Ante las acciones de la banda, la compañía solicita la intervención policial y contrata matones a sueldo, sanguinarios y sádicos. La espiral de violencia se eleva gradualmente hasta alcanzar su zénit en una escena desagarradora. Se incluyen referias a aspectos religiosos, como citas bíblicas, paralelismo ente Jesús y Magdalena con Bill y Bertha y la crucifixión. El relato acusa altibajos, irregularidades de ritmo y rigideces, acompañadas de ráfagas imaginativas (mano crispada de dolor). El film evoca películas recientes de Corman, como "La matanza del día de San Valentín" (1967) y "Mamá sangrienta" (1970), preanuncia "La última tentación de Cristo" (1988) y se inspira en "Bonnie y Clyde" (1967). Destacan los desnudos tempranos del film, la crítica de los fanatismos y la comprensión de la prostitución como medio de supervivencia.

La música aporta una partitura, adecuada y variada, de armónica, cuerdas, melodías country (tren en marcha) y una romántica pieza para piano de Chopin. La fotografía ofrece algunas secuencias brillantes, aunque las manchas de sangre y otros elementos son propios de aficionados. El guión suma preocupaciones religiosas y sociales y exalta el amor libre. La interpretación de Hershey es correcta y la de David Carradine, inexpresiva y fría. Obra de aprendizaje, de interés para los seguidores de Scorsese.

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El amor libre de los años 30 se presenta visto a través de clichés anacrónicos de los 70. Durante el roaje Barbara Hershey regaló a Scorsese un ejemplar de la novela "La última tentación de Cristo", de Nikos Kazantzakis, que llevaría al cine años más tarde. La secuencia final, memorable, es de un salvajismo escalofriante,

Miquel

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Debú americano del sueco Mikael Hafstrom ("Evil", 2003). Adapta la novela "Desrailed", de James Siegel. Se rodó en Chicago, Londres y Elstree Film Studios (Londres), con un presupuesto de 22 M dólares. Se estrenó el 11-XI-2005.

La acción principal tiene lugar en una urbanización próxima a Chicago y en Chicago (Illinois), en octubre y noviembre de 2004. Narra la historia de Charles Schine (Clive Owen), casado, padre de una niña enferma. Cada mañana va en tren a Chicago, donde trabaja como ejecutivo de ventas de una compañía de publicidad. Un día pierde el tren y toma el siguiente, en el que conoce a Lucinda Harris (Jennifer Aniston), asesora financiera, con la que entabla amistad, que pronto deriva en un romance que le conduce a un infierno de chantaje, violencia, misterio y crimen.

La película sitúa a Charles en un laberinto de tensión, que se basa en el descubrimiento de la enfermedad de la hija, su difícil tratamiento, el enfriamiento de sus relaciones con la esposa, Deanna (Melissa George), sus problemas en el trabajo (pierde el mejor cliente de su cartera). Un día por unos segundos no alcanza el tren, olvida comprar el billete y no lleva efectivo para pagarlo a la revisora. Compensa su situación con la nueva amistad de Lucinda. Pero su infidelidad se convierte en fuente de una vorágine de adversidades, que le sumen en un mundo agobiante de misterio y violencia. La película incluye guiños de simpatía a "Atracción fatal" (1987) (las funestas consecuencias de la infidelidad) y a Hitchcock (las víctimas no pueden pedir ayuda a la policía). La obra no hace juicios de condena de la infidelidad: hacia el final Charles adopta una posición muy comprensiva ante la confesión de infidelidad de Deanna.

La música, de E. Shearmur, se basa en una vibrante partitura de percusión (cuero y madera) que acompaña con incrementos de volumen los momentos de mayor tensión, imitando los latidos del corazón. Incluye dos temas principales (Charles y Winston) y añade canciones ajenas como "Johnny", de Ruler Rah. La fotografía presta gran atención al tren, como "Breve encuentro" (1945). Se complace en describir el andén del apeadero y el movimiento de Union Station (Chicago), donde los trenes articulados, vistos desde lo alto, parecen culebras vivas de grandes dimensiones. Es correcta la creación de ambientes sórdidos, lúgubres y opresivos, en los que anidan los entresijos del crimen, la extrosión y la prostitución. El guión elabora un relato entretenido, con varios giros hacia el final, que renuevan e incrementan la tensión y tapan algunos agujeros narrativos. La interpretación se beneficia de la buena química de Charles y Lucinda, cuyas intervenciones son correctas. Destacan los papeles breves de los cantantes de rap RZA (Winston) y Xzibit. La dirección imprime a la acción un ritmo intenso y sostenido, que la hace absorbente.

Película de suspense y misterio, de ritmo bien dosificado, entretenida y absorbente, pese a deficiencias de guión.

Miquel

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Escrita y dirigida por James Mangold, se inspira en la vida real de John R. Cash (1932-2003). Se rodó en exteriores de Arkansas, Memphis, Mississippi, Nashville y Santa Clarita y en estudio, con un presupuesto estimado de 29 M dólares. Nominada a 5 Oscar, ganó uno (actriz). Obtuvo 3 Globos de oro (película musical, actriz y actor) y otros 23 premios. Se estrenó el 18-XI-2005.

La acción tiene lugar en Arkansas, Memphis y otras localidades de EEUU entre 1944 y 1968. Narra la historia de Johnny Cash (Joaquin Phoenix), cantante country, hijo de una familia de aparceros agrícolas de Arkansas, que trabajó de niño como recolector de algodón y, posteriormente, como vendedor a domicilio, antes de iniciar su carrera como cantante. Hizo giras junto a Jerry Lee Lewis, Elvis Presley, Roy Orbison y otros, hasta conseguir actuaciones individuales con su grupo ("Johnny Cash y los tres de Memphis"). Casado con Vivian (Ginnifer Goodwin) y padre de 2 hijas, tuvo problemas con la esposa y con el padre. Sufrió depresiones y cayó en la adicción a los barbitúricos y al alcohol. Dedicó su música a los marginados, convictos, indígenas, porque la música enriquece la vida y engrandece a las personas.

La película, tras un breve apaunte sobre la infancia de Johnny, se centra en su carrera profesional, sus problemas familiares, las pesadillas que revien en él traumas de la niñez (pérdida del hermano, desafecto del padre), la depresión por estrés, la caída en el abismo de la droga y sus violentos ataques de ira. La película glosa los peligros del éxito popular, entre los que destacan las adicciones y las crisis maníaco-depresivas. La imagen que se traza del personaje combina sus cualidades como cantante y sus debilidades personales. June Carter, la compañera de trabajo que rechaza reiteradamente casarse con él, aporta simpatía y la humanidad de ser consciente de sus limitaciones como estrella. Las actuaciones musicales culminan en el concierto de 1968 en la prisión de Folsom. Deja en el tintero la trayectoria del artista en los 35 años posteriores.

La música incluye una brillante selección de canciones propias ("Walk The Line" y "Folsom Prison Blues") y de otros autores ("Jackson", que cantan a dúo June y Johnny). La fotografía se apoya en una coreografía austera y muy cuidada, maneja una paleta con predominio de los dorados, verdes y azules y desarrolla una narración visual potente y briosa, apoyada en efectos digitales. El guión, trabajado con tiempo y labosiosidad, muestra una imagen humana y natural del artista. Los protagonistas, Joaquin Phoenix (hermano de malogrado River Phoenix) y R. Whiterspoon, destacan por su buena química, naturalidad y entrega al servicio de los personajes. Ponen su voz en las canciones que interpretan. La dirección construye una obra que suma, sin alardes, drama, romance y musical.

Sincera e interesante película para gozar de buena música y conocer aspectos poco divulgados de la vida de un artista de éxito y gran proyección.

Miquel

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Décimosegunda película de Theo Van Gogh, tataranieto del hermano del pintor. Se rodó en el Reformatorio Glen Mills, en Amsterdam y en estudio. Obtuvo el premio del Jurado de Filadelfia y una nominación al Becerro de oro (director). Se estrenó el 16-IX-2004.

La acción tiene lugar en Amsterdam, en 2003/2004, a lo largo de casi 2 años. Narra la historia de un grupo de 5 jóvenes holandeses (Abdel, Mohammed, Hamid, Jacky y Jeffrey), hijos de inmigrantes magrebíes, que dominan el idioma del país, conocen los secretos de la ciudad, practican el absentismo escolar y se entretienen cometiendo delitos menores de robo y atracos. El jefe de una banda mayor pide su colaboración para atracar una oficina bancaria, de acuerdo con un plan concebido por él. Acuerdan repartir el botín al 60-40 %. El atraco sale mal y los 5 amigos son llevados al Reformatorio Glen Mills.

La película plantea una aproximación a la realidad de la delincuencia juvenil, especialmente la de grupos de jóvenes hijos de inmigrantes marroquíes, con problemas de estructuración familiar e integración social. El absentismo escolar, consentido o aceptado por los padres, lleva a los jóvenes a situaciones de riesgo social, que con frecuencia desembocan en conductas violentas y delictivas. La película dibuja una imagen crítica de los modernos reformatorios experimentales del país, basada en referencias a métodos educativos que mueven a la perplejidad. Los chicos son sometidos a procesos de entrenamiento tendentes a desarrollar en ellos capacidades de resistencia a la presión exterior, a las agresiones de iguales y a la manipulación ajena, basados en reacciones reflejas y automáticas. Los principios y valores sociales, los aprenden de memoria. No se muestra ninguna intervención orientada a desarrollar las habilidades sociales de los educandos, sus capacidades de reflexión, análisis, crítica y debate. Tampoco se muestran actuaciones que incorporen la colaboración de las familias. Tres de los protagonistas son reclusos del cento, adscritos a un programa de reinserción laboral, que no se explica. La referencia a las tareas educativas del centro parece parcial y, por ello, es poco convincente.

La música aporta composiciones de hip-hop, que imponen una estética singular. La fotografía hace uso de videoclips y adopta formatos similares, mientras la cámara en mano crea apariencias de relato documental. El guión desarrolla una historia tomada de la calle y recoge en los diálogos el lenguaje de las bandas juveniles. Las interpretaciones son correctas, pero no brillantes. Katja Schuurman queda por debajo de sus posibilidades. La dirección simplifica la realidad y omite algunos aspectos esenciales, por lo que sus afanes críticos se ven limitados en objetividad.

La película trata un tema de gran actualidad. Su importancia hace que, pese a las deficiencias del film, el espectador salga de la sala preocupado y abrumado.

Miquel

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Basada en la novela "Room at the Top" (1957), de John Braine, fue dirigida por Jack Clayton. Se rodó en Bradford y en los Shepperton Studios (Inglaterra). Producida por James y John Woolf ("La reina de África"), obtuvo 2 Oscar (actriz y guión adaptado), 3 BAFTA y otros 3 premios.

La acción tiene lugar en Warnley, localidad del norte de Inglaterra, a lo largo de 8/9 meses, en 1946/47. Narra la historia de Joe Lampton (Laurence Harvey), sargento de aviación, veterano de la II GM, retenido largo tiempo en un campo de prisioneros. Llega a Warnley para trabajar como administrativo en el Ayuntamiento. Impulsado por su ambición, se relaciona con Susan Brown (Heather Sears), hija del mayor empresario de la localidad. Al mismo tiempo traba amistad con Alice Aisgill (Simone Signoret), casada, 10 años mayor, que convierte en su amante. Al regreso de Susan, abandona a Alice para casarse con aquélla.

La película desarrolla una historia de la ambición de riqueza, poder y prestigio social de un joven que trata de compensar las heridas morales que le han inflijido la guerra y la indiferencia de los conciudadanos por sus sacrificios durante el conflicto. La guerra y el cautiverio han arruinado su confianza en los valores morales, por lo que se aferra a valores materiales, que le llevan a emprender la conquista de lo que para él es lo que la sociedad le debe. La personalidad de Joe corresponde a la de un joven airado, irritado, disconforme y rebelde. El desequilibrio emocional no le impide amar y sentirse amado, pero la valoración que hace de ello es inferior a la que le inspira la riqueza y la relevancia social. El film relata una historia turbulenta, de pasión, ira, resentimiento y egoismo. Se glosan las secuelas invisibles de la guerra, su alcance y su prolongación temporal. La obra obtuvo un gran éxito de público y de crítica.

La música, de Mario Nascimbene, alterna dos melodías centrales: una romántica, pausada y melancólica y la otra dramática e inquietante. Ambas evocan los sentimientos de la protagonista en los momentos de intimidad amorosa y en los de confrontación y ruptura. Las interpreta un conjunto de viento y cuerdas, del que sobresalen saxo y clarinete. La fotografía, de Freddie Francis, colaborador habitual de Lynch, muestra preferencia por los planos cortos y elabora imágenes muy ricas en negros, grises, blancos, luces y contraluces, de gran belleza visual. Hace uso de sombras expresionistas. El guión adapta una novela protagonizada por un joven airado, de moda en la segunda mitad de los 50, en los que se impuso el movimiento del "Angry Young Man". La interpretación de Signoret es soberbia y la de Harvey brilla a gran altura. La dirección realiza un excelente movimiento de actores.

Película sobre la ambición de riqueza, poder y relevancia social y las ansias de posesión, dominio y lujuria de un joven airado, herido por la frialdad de una sociedad que desea olvidar guerra, héroes, méritos, damnificados y supervivientes.

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El film narra la historia de un joven airado y rebelde, que tiene motivos en los que basar su descontento. No es un joven nacido durante la guerra, sino uno que ha participado directamente en ella como soldado y prisionero. El relato está contado con una perspectiva de algo más de 10 años: la novela que el film adapta se publicó en 1957, lo que le permite una serenidad y una amplitud de miras, de las que hubiera carecido en la inmediata Posguerra. Las causas de la ansiedad del protagonista son externas, que él identifica, e internas que no identifica. La suma de ambas explica el comportamiento del protagonista a lo largo del relato, las segundas dejan abierto un horizonte de insaciabilidad, que puede provocar problemas más allá del final del film.

Miquel

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