Film nº 20 de Alfred Hitchcock. Escribe el guión Charles Bennett ("39 escalones", 1935), con la colaboración en los diálogos de Ian Hay, Alma Reville, Helen Simpson y E.V. Emmett. Se inspira libremente en la novela "The Secret Agent" (1907), de Joseph Conrad. Se rueda en exteriores de Shepherd's Bush, barrio londinense, y en estudio. Producido por Michael Balcon ("39 escalones"), se estrena el 2-XII-1936 (RU).

La acción tiene lugar en Londres a lo largo de la mañana de un sábado de la primavera de 1936. El refugiado Karl Anton Verloc (Oskar Homolka), empresario de una sala de cine, casado con una muchacha americana (Sylvia Sidney), es agente de un país enemigo. Se relaciona con un extraño personaje apodado "el profesor" (William Dewhurst). Con ellos vive Steve (Desmond Tester), hermano adolescente de la chica.

El film es un "thriller" con elementos relevantes de drama, crimen, espionaje y romance. Hace uso de una grata y sugerente ambigüedad, que deja muchas cuestiones sin cerrar y esboza numerosas indicaciones susceptibles de interpretaciones diversas. El espectador deja la sala con el ánimo dispuesto a completar mentalmente el relato y con deseos de debatir las alternativas posibles. El realizador, de 38 años, hace un uso hábil y preciso de los resortes generadores de suspense: paquete explosivo de relojería, espectador que sabe más cosas que algunos personajes, actores ajenos a lo que ocurre, distracciones de un niño, vendedores callejeros que captan la atención de los peatones y dificultan el paso, tráfico rodado muy intenso, corte de la circulación por un desfile de gala del alcalde, etc. Se crean secuencias de suspense intenso y absorbente. A ello se añade una atmósfera bien construida de extrañeza, misterio y temor. Se hace uso, además, de un tema que se repite con frecuencia en la filmografía del autor: el desamor de la pareja y la decepción conyugal. Se suscitan otras cuestiones, como las consecuencias de la violencia que afectan a los inocentes, la irracionalidad de los malvados, la identificación del mal y el odio ciego, la venganza que perjudica a los que la padecen y a los que la practican, la disfuncionalidad de la pareja sin amor, etc. Se dedica un guiño de simpatía a los dibujos animados en B/N de Walt Disney ("¿Quién mató a Cock Robin?", serie "Silly Simphonies", 1935). Con éstos y con la cinta "Bartolomé el destripador" se refuerza el sentido inquietante y trágico de la obra.

La música, de Hubert Bath, Jack Beaver y Louis Levy, se basa en una partitura original para orquesta que crea composiciones de agudos vibrantes de gran efectismo. Añade un fragmento de la bonita canción "Love's Old Sweet Song". La fotografía, de Bernard Knowles ("39 escalones"), en B/N, desarrolla una narración sencilla, exenta de artificios y particularmente eficiente. Ofrece negros sólidos, blancos limpios y una amplia gama de grises. Es uno de los mejores "thrillers" de la etapa inglesa del realizador.

Miquel

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Film realizado por 20 directores de renombre, que aportan 18 cortos. Ideado por Tristan Carné, las historias se ajustan a parámetros predefinidos: la acción y el rodaje tienen lugar en Paris, reflejan la ciudad actual, prescinden de imágenes de postal, hablan del amor y de su diversidad, tienen una duración media de 5 minutos, se ruedan en 2 días o 2 noches, se refieren a personas comunes, se presentan en francés o inglés (13 en francés, 3 en inglés y 2 combinan los dos idiomas) y srelacionan con diferentes distritos de la ciudad.

Se realiza un esfuerzo especial en favor del equilibrio del film y de su coherencia y fluidez narrativa, con resultados algo superiores a la media de este tipo de películas. A tal efecto se intercalan secuencias de transición, a cargo de Frédéric Auburtin. Se añaden dos secuencias de encaje, una inicial y otra final, no del todo convincentes. Por diferencias se rechazan 2 cortos de los 20 contratados (uno para cada distrito): de Christoffer Boe, Raphael Nadjari y Agnés Varda. La ordenación de los relatos en el film se ajusta a una secuencia de 3 días y 3 noches.

Aunque en diversa medida, todos los relatos son interesantes. En nuestra opinión hay 6 que merecen una calificación superior: Tullerias, Plaza de las Victorias, Quartier des Enfants Rouges, Le Marais, Quais de Seine y Quartier Latin. Son muy meritorios los de Alfonso Cuarón (Parc Monceau) e Isabel Coixet (Le Bastille). Es emocionante el de Walter Selles y Daniela Thomas (Loin de le 16éme.). Es estremecedor el de Oliver Schmitz (Place des Festes).

Los responsables principales de la obra como conjunto son los productores Emmanuel Barabihy y Claudie Ossard, la directora artística Bettine von den Steinen y el director de la mísica Christophe Monthieux. Cuenta con un presupuesto de 16 M dólares. Se estrena en "premiére" el 18-V-2006 (Festival Cannes).

La película traspira amor a la ciudad, sus monumentos, plazas, calles, parques, edificios (Notre Dame, Sacre Coeur, La Madeleine) y a las gentes que la pueblan y le dan vida. Glosa el amor de madre, padre, pareja, interracial, homosexual, adolescente, joven, de personas mayores, el que surge de improviso, el que se conserva durante años, el que aparece tras una discusión o un momento mágico de enamoramiento, el que se extingue para resurgir, el que trasciende la vida, etc.

La música que envuelve el film es romántica, rítmica y emotiva. Consta de 21 cortes. Se apoya en piano, acordeón, percusión y voz humana. Los temas más destacables son "Paris, je t'aime" y "We're All In The Dance", que canta Leslie Feist, "Le tourbillon" (canta Miranda Richardson) y otros. Las interpretaciones más destacadas son las de Steve Buscemi, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Bob Hoskins, Natalie Portman, Nick Nolte, Fanny Ardant y otras a las que cabe añadir las de Leonor Watling y Catalina Sendino. La cinta está salpicada de humor (negro, surrealista, etc.).

Miquel

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Realizado por Milos Forman, el film se basa en un guión original del realizador y de Jean-Claude Carrière. Se rueda en Boadilla del Monte y Parque del Retiro (Madrid), Segovia, Salamanca y Aranjuez. Producido por Saul Zaentz, se estrena el 10-XI-2006 (España).

La acción tiene lugar en Madrid en dos épocas: 1792/93 y 1808/14. La obra suma géneros diversos: drama, melodrama, historia, biografía, crítica político-social, etc. El relato se focaliza en 3 personajes: el hermano Lorenzo (Javier Bardem), Inés Bilbatúa (Natalie Portman) y Goya (Stellan Skarsgärd). No ofrece un biopic de Goya, al que se reserva el papel de quien observa los acontecimientos.

Es interesante la descripción que se ofrece de la vida de lujo e indolencia de Palacio y de las estrecheces, miserias, pobreza y desesperanza que ahogan a la población, sometida a la opresión religiosa de la Inquisición y civil de Gobiernos absolutistas. El retrato de una España negra, aunque sólo esbozado, resulta estremecedor. Las monjas del asilo de niñas huérfanas, a los 11/12 años, las venden a celestinas que las prostituyen. Los poderosos toman decisiones interesadas sin atender a razones de proporción, justicia y humanidad. Una sospecha puede condenar a un inocente a reclusión de por vida sin juicio. Los tormentos físicos aplicados a sospechosos por la Inquisición son salvajes. Abundan los crímenes sanguinarios, el odio entre conciudadanos, venganzas a traición, engaños, explotación, violencia y crueldad. Tanto en el bando de los absolutistas como en el de los ocupantes franceses.

Indirectamente, la obra pone de manifiesto que la tensión entre los ideales liberales de la Revolución Francesa, que anidan en el ánimo de personajes ilustrados, como Goya, y la opresión dominante, se ve frustrada por la invasión francesa y la ocupación del país. Estos hechos dejan abierto un largo período de enfrentamientos fratricidas y luchas encarnizadas. Hielan el alma los gritos de "Vivan las caenas" que se oyen en la plaza pública ante la presencia del Rey. La exclamación equivale a "Viva la opresión", que presidió la cerrazón ideológica y la atmósfera asfixiante del país durante decenios. Se sobrevalora el papel de los ingleses en la victoria española contra los franceses. El relato básico es folletinesco y en buena medida inverosímil.

La música aporta frgmentos ocasionales que subrayan las escenas dramáticas y resaltan el tono irónico de algunas secuencias. Incorporan palmas, panderetas y castañuelas. Añade la canción infantil "El pelele". La fotografía, de Javier Aguirresarobe ("Los otros", 2001), crea composiciones de excelente dibujo y hace un uso contenido del movimiento de cámara. Se beneficia de una ambientación correcta, algo recargada, y de un elegante vestuario goyesco. Destaca la presentación de "El jardín de las delicias" (El Bosco), "Venus, Adonís y Cupido" (Anibal Carracci), lienzos de Velázquez y Goya y grabados y estampas de Goya que explican los fantasmas que turban su mente.

Miquel

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Película realizada por Anne Fontaine. Se basa en un guión original de Philippe Blasband. Se rueda en estudio con un presupuesto modesto. Obtiene 2 nominaciones a los Premios Europeos de Cine, ambas a la mejor interpretación femenina, una para cada actriz (Ardant y Béart).

La acción tiene lugar en París (2002/03). Catherine (Fanny Ardant), ginecóloga, de unos 45 años, está casada desde hace unos 25 años. Su matrimonio con Bernard (Gérard Depardieu), de unos 50 años, ha caído en la monotonía, el desinterés y la ausencia de contacto físico. El marido busca la compensación de encuentros esporádicos con mujeres jóvenes.

La película explora los elementos que definen el fenómeno, las causas y las consecuencias de la frigidez femenina. Para afrontarla hay muchos caminos a ensayar, muchos recursos disponibles, muchas maneras de proceder. Pero el método debe seguir al diagnóstico, el remedio ha de ser adecuado a la causa, la terapia se ha de ajustar a los condicionantes que están en la raíz de los hechos. La realidad es tan variada, tan compleja y tan contradictoria, que se deben desechar los prejuicios, los cánones convencionales, las fórmulas preestablecidas y, más aún, las recetas mágicas o milagrosas. El conocimiento empírico y el método del ensayo son las vías para orientar correcta y eficazmente el camino a seguir en cada caso. El objetivo último es el reencuentro con la propia sexualidad para extraerle toda la felicidad posible. Sin perder de vista el fin, los objetivos intermedios se han de situar en niveles más asequibles, tales como disipar las represiones, desmontar tabús, superar los prejuicios, afrontar la propia sexualidad y aceptarla tal como es. El film explora con ánimo sosegado y con contención, sin concesiones a lo escabroso y a lo excesivo, las relaciones entre frigidez, experiencias pasadas, incidentes traumáticos, apoyo del marido, estado de ánimo y orientación sexual. El punto de vista del realizador es intimista, reflexivo y realista. El relato se presenta inmerso en una atmósfera tranquila y sugestiva, de sensualidad, erotismo, aceptación de la racionalidad y adecuada valoración del conocimiento empírico. El recurso a la palabra como medio de aproximación al problema que focaliza el relato responde a una elección fundamentada en la propia manera de ser del interesado, en la utilidad subjetiva que le proporciona y en el hecho objetivo del inmenso poder de comunicación, indicación y sugerencia que contiene.

La música amplía la fascinación del relato con una partitura envolvente y vistosa. Añade temas tan evocadores como "Let Me Be Me", "Twomorrow", "Un di felice" (La Traviata), "Bella figlia del amor" (Rigoletto). La fotografía busca soluciones equilibradas en composición, dibujo y color. La interpretación es mesurada y convincente. Ardant traspira elegancia y Béart, sensualidad. El film cuenta una historia profundamente humana y, por ello, grata, entretenida e interesante.

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Catherine (Ardant) contrata los servicios de Marléne (Béart), esteticista y trabajadora del sexo, para que como supuesta estudiante y con el falso nombre de Nathalie, seduzca a Bernard, se relacione con él durante un tiempo y la informe con detalle de sus encuentros. Los relatos de Nathalie descubren a Catherine un universo nuevo, despiertan en ella la sensualidad, le hacen renacer el deseo y la acercan al reencuentro con su propia sexualidad.

Miquel

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Drama realizado por Douglas Sirk. Se basa en la novela "Pylon" (1935), de William Faulkner, adaptada libremente por Georg Zuckerman. Se rueda en San Diego (CA), entre XII/1956 y II/1957, con restricciones presupuestarias que imponen el B/N, pero mantienen el formato de cinemascope. Producida por Albert Zugsmith, se estrena el 6-I-1958 (NYC).

La acción tiene lugar en Nueva Orleans durante las fiestas del Carnaval, los días 8 y 9 de febrero de 1932, con un "flashback" en Portland (1923). De la mano del periodista local Burke Devlin (Rock Hudson) analiza la vida de dos veteranos de la IGM, el piloto Roger Shermann (Robert Stack) y su mecánico Jiggs (Jack Carson), que 14 años después del conflicto malviven realizando acrobacias y carreras aéreas en las fiestas y ferias de las ciudades del país. Les acompaña Laverne (Dorothy Malone), de 28 años, casada con Roger.

La película es la antepenúltima de Sirk, que en 1959 regresa a Europa. Es un film atípico dentro de su filmografía americana, pero está considerado como una de sus mejores obras. Describe con acierto y profundidad la angustia de unos personajes solitarios, marcados por el fracaso y la desesperanza. La acción traspira pesimismo, desilusión y fatalismo, que se presenta en el marco de una estética expresionista. La mayor parte de la acción se desarrolla en interiores, que dan cabida a ambientes oscuros y opresivos en los que se manifiesta la desolación de los personajes. Perfila con sutileza la frustración de los veteranos de guerra (uno de los temas preferidos de Sirk), recibidos como héroes y relegados luego a oficios marginales y de subsistencia. Trata con fervor el tema del fracaso prsonal, otra de sus constantes, que realza con referencias extraídas de la interacción de los personajes y del medio en el que viven, dominado por las secuelas de la Gran Depresión. Como es habitual, da a la mujer el protagonismo central (otra de sus constantes), lo que le permite tensar las situaciones de los personajes masculinos, movidos por el deseo, la seducción o el interés. Las tintas oscuras del relato se ven acompañadas por la simbología del Carnaval, las máscaras y los disfraces (destaca en primer término el del diablo). Las subraya con referencias al alcoholismo y con la presencia espléndida de cuadros expresionistas en las casas de Burke y Ord. El film recoge la octava y última colabración de Sirk y Rock Hudson.

La música, de Frank Skinner, se apoya en composiciones de orquesta plena ("Main Tittle", "End Tittle"), melodías románticas de cuerdas, de emociones intensas (violines agudos), dramáticas de percusión y bajos. Añade la música festiva del Carnaval, el pasacalles y los bailes de disfraces. La fotografía, de Irving Glassberg, crea imágenes excelentes de iluminación irreal, fuertes contrastes de luz, sombras expresionistas y encuadres oblicuos que provocan distorsiones aparentes de las figuras y rostros. La interpretación de Hudson es magnífica y son convincentes las de Malone y Stark.

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El film incluye dos escenas memorables: la de echar a suertes la decisión de cuál de los dos amantes de la chica embarazada se ha de casar con ella y la petición del marido a su mujer de que se prostituya una noche para afrontar unos imprevistos. El plano final es abierto, aunque esperanzado al trasladar la acción al campo (Iowa).

Miquel

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