En Estados unidos se ha estrenado La boda de Rachel con críticas en general muy buenas, y con la vista puesta en los Oscar. Aquí en cambio está pasando bastante desapercibida.
La boda de Rachel supone el regreso al cine de ficción del director Jonathan Demme. Un director que desde que hiciera Philadelphia, hace ya quince años, no ha tenido demasiada repercusión con ninguna de las tres películas que ha hecho desde entonces. Solo los documentales han contribuido a darle alguna satisfacción.
Es por eso que para su regreso se ha decidido por una película pequeña, que le permitiera tener la libertad creativa de la que seguramente no disfruto en sus anteriores películas.
La boda de Rachel es una película vista muchas veces antes. Nos sitúa en plena celebración familiar, en este caso una boda. Y como siempre, la oveja descarriada de la familia vuelve a casa para no perderse la reunión. Y a partir de ahí comienzan a salir trapos sucios y reproches, transformando lo que prometía ser un momento de felicidad en casi un campo de batalla. Pero al final, así es la familia, la aguas vuelven a su cauce, y todos son un poco más tolerantes con los demás y tal vez también algo más felices.
Janathan Demme se echa la cámara al hombro y se enfrenta a la historia en plan Dogma danés, o eso dicen. La verdad es que comparada con algunas películas Dogma danesas, esta me parece el colmo del clasicismo, así que salvo por algún detalle, la comparación me parece traída por los pelos.
Partiendo de la base de que la historia no sorprende, la película consigue enganchar gracias al buen retrato que se hace de todos los personajes. Desde la conflictiva y protagonista Kim, hasta su muy secundaria madre, todos resultan personajes complejos y bien elaborados. A veces incluso una mirada puede situar a un personaje dentro del complejo, pero previsible, drama familiar que cuenta la película. Para conseguir esto son decisivas las interpretaciones de todo el reparto. Anna Hathaway da el salto definitivo que venía buscando, y se convierte en una actriz llena de fuerza, capaz de transmitir sentimientos complejos y contradictorios. Además brilla con luz propia Rosemarie Dewitt como la Rachel del título, que se enfrenta a un personaje mucho más racional, pero que está a punto de perder su equilibrio. Y pese a su breve papel también merece destacarse a la gran Debra Winger, que con un par de miradas y una escena excelente hace que su presencia no se olvide con facilidad.
Tal vez la secuencia de la cena anterior a la boda, en la que todo el mundo dedica su particular discurso a los novios, resulte especialmente cansina. Por contra los momentos musicales sirven de brillantes paréntesis dentro del drama que se vive.
No por previsible y tópica, La boda de Rachel resulta una película menos viva y disfrutable.

ernesto

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Cuando se estrenó Monstruoso a principios de año la dejé pasar pensando que no merecía la pena. Ahora que la he visto en casa me arrepiento de no haber disfrutado de ella en el cine.
Lo que vemos en Monstruoso no es una película. Es una cinta grabada con una cámara de vídeo encontrada después de que un monstruo asolara la ciudad de Nueva York.
Una pareja de enamorados, una fiesta de despedida llena de amigos, mensajes de despedida, la pareja que discute, la luz que se va, el suelo que tiembla, explosiones a lo lejos y todos a la calle, y ahí comienza el caos. Todo el mundo huye sin saber por qué. La destrucción y la muerte se hacen con Manhattan.
Monstruoso recurre al truco narrativo de la cinta de vídeo, que ya se ha visto en alguna película, siendo El proyecto de la Bruja de Blair la más conocida. Y lo hace de forma notable. Después de conocer de forma superficial a los que serán los protagonistas, el director Matt Reeves nos sumerge en una brutal huida, en la que todo el mundo escapa, pero sin saber de que. Hasta que por fin vemos el motivo de tanta destrucción. Y lo que en otra película podía haber sido motivo de cachondeo aquí está tratado con seriedad y rigor. Bueno, quizás de lo segundo vaya un poco escasa la historia, pero en cualquier caso transmite la angustia y la tensión a la que se ven sometidos los personajes. A partir de la media hora de película y durante los siguientes cuarenta y cinco minutos la historia se convierte en una montaña rusa donde el caos, la destrucción y el miedo se apoderan de la pantalla con una energía más que notable.
Para meternos en situación, eso sí, tenemos que pasar por veinte minutos sin demasiado interés en los que conocemos a los protagonistas, y durante el resto de la película asistimos a algunas situaciones que rozan lo disparatado incluso en una película de estas características. Por contra hay momentos llenos de tensión muy bien resueltos (la bajada a los túneles del metro), todo ello además con unos efectos especiales absolutamente ajustados y realistas. Mención especial para el tema musical que cierra la película, y que es el único que se escucha. Una pieza excelente compuesta por Michael Giacchino.
Monstruoso acaba resultando una experiencia sorprendente y muy disfrutable que se impone a todos lo fallos que se le puedan encontrar.

ernesto

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Che: El argentino es la primera parte del megaproyecto de Steven Soderbergh sobre la vida del que seguramente sea uno de los personajes mas polémicos, cuestionados, admirados, y venerados del pasado siglo.
En este primera entrega (la mitad de las cuatro horas y media que tiene la película), asistimos a la implicación del Che en la lucha que Fidel Castro emprende contra la dictadura de Batista en Cuba. Vemos como el che se hace cada vez con mayor protagonismo en esta guerra, siempre de la mano de Castro, hasta convertirse en el artífice del éxito de la revolución que acabo con el gobierno del dictador cubano.
Se puede decir que la polémica que siempre rodea la figura de Ernesto Guevara, sus luces y sus sombras, están tratadas en esta película con una absoluta indiferencia. Steven Soderbergh se mantiene al margen de posicionamientos sobre el personaje. Nos cuenta los hechos de la manera más fiel posible, pero con una distancia que los hace absolutamente desapasionados. Resulta curioso que la biografía sobre un icono tan polémico como este resulte tan exhaustiva como fría.
Los ciento cuarenta minutos de película se reparten principalmente en dos escenarios. Por un lado la lucha armada a pie de suelo que emprendieron Fidel Castro y su gente contra el ejercito de Fulgencio Batista. Una lucha de guerrillas en la Sierra Maestra que tras avanzar por la isla culminó con la toma de la ciudad de Santa Clara ante la cual el dictador deja Cuba allanando el camino para que los revolucionarios llegaran a La Habana. El director rueda esta parte de la historia de forma tan entusiasta como confusa en ocasiones, y sobre todo, muy lejos de la brillantez que como director ha hecho gala en alguna otra ocasión. Los hechos acaban resultando repetitivos, y solo en la parte final, cuando se toma la ciudad de Santa Clara, la acción de la película alcanza cierta intensidad. Además no se puede decir que , a excepción del esforzado trabajo de Benicio Del Toro, el resto del reparto ayude especialmente.
En medio de tanta batalla se van intercalando secuencias y momentos de lo que fue la visita del Che a Nueva York en el año 1964, para hablar ante la Asamblea de las Naciones Unidas. Es aquí donde la película se implica más y donde se alcanzan los momentos más notables de la historia, tanto en el retrato que se hace del personaje, como en la complejidad del mensaje que pretende transmitir. También es aquí donde Benicio del toro de crece como actor consiguiendo transformarse en el auténtico Che.
Dicen que la segunda entrega es totalmente diferente a esta. De momento aquí han mostrado los hechos de forma tan completa como plana. Quizás esperaba una mayor implicación por parte de Soderbergh, sobre todo teniendo en cuenta que es un proyecto muy personal sobre el que lleva trabajando años. Dificilmente se podrá volver a hacer una película tan rigurosa como esta, pero dudo que sea tan buena como debiera.

ernesto

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El comienzo de El hombre que mató a Liberty Valance es precioso. El encuentro en la estación, la visita a la casa del desierto, la tristeza y el respeto ante el ataúd. Son momentos que hacen presagiar una película maravillosa. A partir de ahí la historia retrocede en el tiempo y vemos como transcurrieron los hechos que han llevado a sus protagonistas a esa situación.
El hombre que mató a Liberty Valance es una película donde las palabras honor, integridad, respeto y lealtad brillan con luz propia. La película cuenta la historia de un abogado lleno de ilusiones, que tras resultar herido en un atraco, recala en un pueblo donde se recupera de las heridas en la cantina del pueblo. Allí conoce a la hija de los dueños de la cantina, al hombre enamorado de ella y vuelve a encontrarse con el bandido que le asaltó. Estos cuatro personajes conforman el núcleo sobre el que gira la historia de la película. Una historia llena de sentimientos complejos que, en cambio, se desarrolla con una transparencia y una sencillez extraordinarias. Un hombre que atemoriza todo un pueblo, dos hombres enamorados de la misma mujer, una mujer con el corazón dividido, dos formas distintas de enfrentarse a la violencia, un único concepto de lo que es el amor, la lealtad y el honor. John Ford hace que todo esto parezca sencillo, nos lo cuenta con el estilo y la elegancia de los grandes maestros, y cuando llegamos al final todo adquiere una dimensión especial.
Los cuatro personajes principales son perfectos, pero creo que el corazón del espectador siempre estará con John Wayne, con su casa del desierto y con esa flor de cactus que regala a la mujer que ama. Su personaje representa la esencia de la película. Y su presencia en este caso resulta mas imponente y cercana que nunca. Espléndidos también los trabajos de los otros tres protagonistas. Posiblemente podría poner algunas pegas al retrato que se hace de algunos personajes secundarios como el comisario o el periodista, pero dadas las circunstancias no merece la pena.
El hombre que mató a Liberty Valance venía a cerrar una época legendaria para el western y lo hizo con la maestría de los grandes clásicos.

ernesto

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Afortunadamente Will Smith se olvida de momento de intentar ganar el Oscar con melodramas lacrimógenos, y vuelve a lo que mejor sabe hacer que son los superespectáculos veraniegos de acción. Y en ese sentido Hancock tiene todo lo que se puede esperar de una película de este tipo.
Hancock es la peculiar historia de un superhéroe que le va mal en la vida. Está solo, bebe sin control, y sus intervenciones para capturar criminales cada vez son menos populares. Y lo que es peor, no sabe de donde viene, ni si es un caso único en el mundo. Hasta que su encuentro con un publicista en horas bajas y su familia, le cambia en cierto modo la existencia.
Hancock es la típica película de acción con Will Smith. Hay acción, diversión, y ritmo, todo ello envuelto en secuencias realmente espectaculares. Desgraciadamente, en la última parte de la película, también se le quiere dar a la historia una dimensión trágica que no encaja demasiado bien con el tono de cómic divertido pero menor que se había utilizado hasta entonces. Y todo ello pese al esfuerzo más que notable del aquí estupendo Will Smith, y de la deslumbrante Charlize Theron, que componen una pareja de sorprendente química, y que son sin duda lo mejor de una película tan divertida en unos momentos como fallida en otros.
Al final queda la sensación de que en este tipo de películas siempre es más importante conseguir el más difícil todavía en las secuencias de acción, que darle cierta cohesión a una historia que hubiera merecido un tratamiento más complejo y elaborado, sobre todo viendo el excelente trabajo de sus dos interpretes principales.

ernesto

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