Largometraje nº 3 de Chaplin. El guión, escrito por Chaplin, se inspira en documentación gráfica de los buscadores de oro, de la fiebre del oro de Klondyke (1896-98), y en el libro sobre el desastre del grupo Donner (1846). Se rueda en escenarios naturales de CA (L.A., San Fernando Valley, Sierra Nevada, Inverson Ranch) y Colorado y en los Chaplin Studios (Hollywood), durante 16 meses (entre enero-1924 y mayo-1925), con un presupuesto de 2 M dólares. Es nominado a 2 Oscar (sonido y música). Producido por Chaplin para la UA, se estrena el 26-VI-1925 (EEUU).

La acción tiene lugar en Alaska, en 1896. Charlot (Chaplin) llega a Alaska como buscador solitario de oro. A lo largo de su recorrido conoce a Georgia (Hale), al bandido Big Jim McKay (Swain) y a Black Larsen (Murray). Durante su estancia se ha de enfrentar a frío, hambre, soledad, tormentas de viento polar y enventuales ataques de osos.

El film es una comedia muda, que constituye una obra clásica del cine. El realizador con frecuencia dijo que deseaba ser recordado por este film, uno de los mejores de su filmografía. Describe los horrores del hambre y el frío, retrata con precisión la soledad, extrae expresividad de la pantomima y establece que la felicidad se encuentra en los caminos del amor y la solidaridad, no en los del dinero. Desarrolla una narración concisa, estilizada y sobria, en el marco de una magnífica economía de medios. Combina con maestría humor, ironía y sátira, con drama de gran calado. Extrae comicidad de las sorpresas, los contrastes, los traspiés, lo absurdo y lo grotesco, hasta el punto de convertir el film en un admirable compendio de chistes visuales. Tras la obra se ocultan largas horas de trabajo y esfuerzo, puestas al servicio del perfeccionismo que inspiró siempre a Chaplin. La obra se reestrena en 1942 con banda de música, efectos sonoros y la voz en off de un narrador, que evita los carteles originales. Es entonces cuando el film obtiene 2 nominaciones a los Oscar (sonido y música).

Son escenas memorables la tormenta de viento que impide a Charlot salir de la cabaña, la pelea de Larsen y Big Jim por una escopeta, la cabaña arrastrada por el viento hasta balancearse sobre el borde del precipicio, la invitación de unas muchachas para la cena de Nochevieja, el baile de los panecillos y tenedores y la comida de la bota cocida. El film es citado en "Banda aparte" (Godard, 1964) y "Repulsión" (Polanski, 1965).

La música, de Max Terr (versión 1942), subraya la comicidad de la acción y los lances dramáticos y románticos, con una partitura original rítmica, rápida y colorista. La fotografía, de Roland Totheroh y Jack Wilson, en B/N, trata de minimizar el estatismo y la posición frontal de la cámara, combinando posiciones diversas dentro y fuera del escenario principal. Añade simpáticos efectos visuales (visión alucinada de un pollo). Gran interpretación de Chaplin. Película magistral.

Miquel

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Primera película en color de Jean Renoir, se basa en la novela homónima de Rumer Godden (1947), de carácter semiautobiográfico. Se rodó en una localidad próxima a Calcuta, entre enero y mayo de 1950, si bien Renoir empezó a trabajar en el proyecto en 1947. Ganó el Premio de la Crítica Internacional de Venecia y fue nominada al León de oro. En los BAFTA consiguió 2 nominaciones (mejor película británica y mejor película). Fue producida por Kenneth McEldowney, próspero florista y agente de la propiedad de LA.

La acción tiene lugar en Calcuta, capital de Bengala occidental, junto al Ganges, en 1947/48, tras la independencia del país (15-VIII-1947). Narra la historia de Harriet (Patricia Walters), de 14 años, que vive con sus padres, su hermano Bogey (Richard Forster) y sus tres hermanas menores. El padre (Esmond Night) es director de una fábrica de tejidos de yute, propiedad del Sr. John (Arthur Shields), y su madre (Nora Swinburne) se ocupa de la casa, mientras espera el sexto hijo. La vida de Enriqueta se ve alterada cuando un joven americano, el capitán John (Thomas E. Breen), que ha perdido una pierna en la guerra, llega para pasar en la casa del Sr. John una temporada de convalescencia. Melania, Valeria y Harriet rivalizan en la tarea de atraer la atención del nuevo vecino.

La estética de la obra se basa en la construcción de composiciones visualmente similares a cuadros impresionistas, que evocan a August Renoir, padre del realizador. Une a un magnífico dibujo un cromatismo moderado y equilibrado. El autor presta gran atención a los niños, los de la casa y los de los alrededores; incluye numerosos personajes y muestra fervor por el agua, símbolo de la vida y del tiempo que pasa. Sin sacar la cámara de la casa y del jardin que la rodea, construye una atmósfera intensamente hindú, que traspira lirismo y autenticidad. Las disgresiones habituales en el autor muestran la fábrica de yute (homenaje al trabajo sacrificado de los peones), las escaleras que unen el río con templos, mansiones y monumentos; la fiesta de Diwili, dedicada a la luz, con abundantes fuegos artificiales; y el sueño de Harriet sobre el matrimonio de Melania, con danzas tradicionales. La placidez del río contrasta con la tensión que se establece entre las tres adolescentes y con momentos drmáticos.

La música recoge melodías populares indígenas, a las que se añade fragmentos de Schumann y Mozart. La fotografía ofrece una narración visual bellísima, en la que se enmarca un discurso coherente y muy fluído. El guión, escrito por el director en la India, refleja con autenticidad el espíritu del país. La interpretación de profesionales, noveles y personas del lugar, es sólida y convincente. La dirección ensaya nuevos recursos técnicos e innovadoras puestas en escena, con resultados excelentes.

La película trasmite la fascinación que siente Renoir por un país complejo, rico en tradiciones y costumbres ancestrales, festivo, multicolor y joven.

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En la lucha por conquistar el corazón del capitán John, Valeria, mayor que Harriet, fracasa al desplegar un exagerado juego de seducciones que desagradan al interesado. Melania, en tensión entre su espíritu británico y sus ancestros hindús, opta por éstos y se retira de la contienda. Harriet, decepcionada, decide lanzarse al río como hace el protagonista de "Boudu, salvado de las aguas" (1932), con resultado parecido.

Miquel

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Quinto largometraje de Robert Bresson y segunda entrega de su trilogía de la soledad. El guión, del mismo Bresson, se basa en el relato autobiográfico "Un condamné à mort s'est échappé" (1956), de André Devigny. Se rueda en exteriores del Fuerte Montluc (Lyon) y en los platós del Studio Saint-Maurice (Joinville-le-Pont, Francia). Gana un premio de Cannes (director) y uno del Sindicato Francés de Críticos de Cine (película). Producido por Alain Poiré y Jean Thuillier para Gaumont, se estrena el 11-XI-1956 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en Lyon a lo largo de 4 meses, en 1943. El teniente Fontaine (Leterrier), incorporado a la Resistencia francesa tras la ocupación alemana de Francia en la IIGM, dedicado a tareas de información y espionaje, es detenido por la Gestapo (17-IV-1943), recluido en la prisión del Fuerte de Montluc y condenado a muerte (20-VIII-1943) para ser ejecutado una semana después (28-VIII-1943). Huye de la prisión la noche del 24 al 25 de agosto. Fontanie tiene 27 años, es inteligente, observador, perspicaz, hábil y paciente (como corresponde a un buen espía), cree en la vida, el futuro, la victoria y la paz, aborrece la inactividad y siente unas ganas inmensas de tomar parte activa en la lucha de su país por la libertad.

El film suma drama, thriller, aventura, suspense y guerra. Desarrolla una explicación detallada, precisa y minuciosa de la concepción, preparación y realización de la fuga de una prisión de alta seguridad en tiempos de guerra. Muestra cómo el protagonista recoge mentalmente los datos que llegan a su celda (pasos del guardián, campanadas del reloj, fusilamientos...), los que recibe a través de las paredes que separan su celda de las dos vecinas, los que observa durante los interludios colectivos dedicados al aseo personal y los que le facilitan sus compañeros mediante gestos, palabras breves bisbiseadas o escritas en fragmentos de papel. La capacidad que tiene de observación, percepción y procesamiento de la información, le permite planear una fuga casi de diseño. Su entrenamiento en el uso de recursos de supervivencia, le permite disponer de una presencia de ánimo elevada, una moral alta y un nivel inusual de autocontrol y lucidez. Su habilidad le proporciona los medios materiales necesarios para la empresa (cordeles, ganchos, lianas...), que construye él mismo a partir de objetos de uso común (marcos, sábanas, somier...).

La narración visual y sonora, elaborada con singular maestría, hace que el espectador se sienta invadido por sensaciones de encierro, tensión, inquietud, angustia y horror. El discurso es sobrio, austero y se presenta exento de grandilocuencia y sentimentalismos. Los protagonistas realizan una interpretación desdramatizada en aras de la sobriedad y contención expresiva.

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Prodiga primeros planos, planos de aproximación, planos partidos, planos de detalle (manos, esposas, pies...). Hace uso frecuente de la elipsis, el fuera de campo y los insertos. Construye un lenguaje de gran eficacia cinematográfica. Manteniendo la cámara en el interior de una celda, consigue crear un relato intenso, emocionante, vibrante y absorbente.

La cinta se erige, más allá de la acción, en una exaltación de la libertad, la vida, la inteligencia y el ingenio humano. Sirve, a la vez, como alegato contra la guerra, la crueldad, la barbarie, la pena de muerte, el atropello de los derechos humanos. Aporta una descripción poderosa de la soledad y del sufrimiento. Glosa la importancia de lo inesperado, lo impensado, lo imponderable y lo imprevisible, en relación a lo que cabe gestionar recursos, reservas y precauciones.

El realizador pasa por alto, deliberadamente, factores tan importantes como el hecho de que Montluc era un centro de torturas y muerte (allí murieron durante la guerra más de 7 mil personas), que Fontaine/Devigny fue torturado y que el centro estaba dirigido por Klaus Barbie, el carnicero de Lyon.

La música aporta 7 fragmentos del movimiento del "Kyrie Eleison" (Señor, ten piedad), de la Gran Misa, K. 427, de Mozart. Bresson siempre mostró preferencia por la música religiosa, que en este caso aporta unos cortes que se combinan de modo magnífico con el tono y el fondo del relato. La fotografía, de Lance Henry Burel ("Boudu salvado de las aguas", Renoir, 1932), no sólo describe cómo es la prisión vista por un recluso, sino que trasporta al espectador a su interior. Junto con "Diario de un cura de campaña" (1950) y "Pickpocket" (1959), el film conforma la trilogía que Bresson dedica a la soledad.

Miquel

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La película es de gran interés por referirse a unos hechos poco conocidos (invasión y ocupación de Libia por Italia), emblemáticos del expasionismo colonialista en África de las potencias europeas en el XIX y XX, que afectan también a España (Protectorado Español del Norte de Marruecos, 1912-1956).

La historia se narra desde el punto de vista de los beduinos libios, cuyo sacrificio, opresión, resistencia y heroismo, el film glosa con admiración y profusión de detalles. Condena el fascismo, la megalomanía de Mussolini y, sobre todo, los métodos crueles e inhumanos, contrarios a los convenios de Ginebra, que utiliza el general Rodolfo Graziani, como el desplazamiento masivo de población civil, su confinamiento en campos de concentración, el aislasmiento del territorio con una gran cerca metálica de espino, que impide el aprovisionamiento de víveres y munición, construída a la manera del antiguo muro de Adriano que levantaron en Inglaterra las legiones del Imperio Romano. Entre algunos soldados y mandos italianos se advierten reacciones de desaprobación y compasión, que sirven al realizador para evitar, en buena medida, el maniqueismo de identificar a todos los italianos con el mal. Los propios militares italianos son víctimas, en algunas ocasiones de la crueldad del mando.

La mayor parte de la historia se desarrolla en forma de batallas, que lucen una acertada puesta en escena y un desarrollo absorbente. Pese a algunas reiteraciones y a la aparente monotonía de las escenas de lucha armada, el film es variado y entretenido. Los trazos de humor se concentran en la figura de Mussolini, su gesticulación, su histrionismo y su modo de desplazarse por el interior de su residencia oficial. En relación a la producción cabe destacar la reproducción de los vehículos de transporte de la época (coches, motos, caminones) y de los tanques, que añade interés a la obra. Fueron los italianos los primeros en hacer uso de blindados en el desierto. El vestuario y la escenografía están cuidados con esmero. Son destacables las escenas de interior del Palazzo Venezia (Roma).

La música se basa en una partitura original de Maurice Jarre, dividida en 8 temas. Contrasta el lirismo de "Omar, el maestro" y el tono épico de "El león del desierto", con los aires trágicos de "El desplazamiento", fúnebres de "La muerte" y triunfales de la "Marcha de la libertad". Añade el himno fascista "Giovinezza". La fotografía, del veterano Jack Hildyard ("El puente sobre el río Kwai", 1957), ofrece excelentes composiciones de dibujo y color, notables contrastes de luz y una recreación admirable de la luz dorada/ocre del desierto.

El film narra hechos del período 1911-31, si bien la acción tiene lugar entre 1929 y mediados de 1931, el período de mayor crueldad de las fuerzas de ocupación. Realizado por Moustapha Akkad ("Mahoma, el mensajero de Dios", 1976), se estrena el 17-IV-1981 (NYC).

Miquel

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Escrita y realizada por Preston Sturges, se basa en un argumento de Monckton Hoffe. Se rodó en Los Angeles Arboretum and Botanic Garden y en los Paramount Studios (CA). Obtuvo una nominación a los Oscar (guión original). Producida por Paul Jones, se estrenó el 25-II-1941 (EEUU).

La acción tiene lugar a orillas del Amazonas (Brasil), a bordo del traslatlántico SS Southern Queen, en 1939/40, en NYC y Connecticut. El personaje principal es el de Jean Harrington (Barbara Stanwyck), ingeniosa, elegante y seductora, que ayuda a su padre (Charles Coburn) a estafar, con trampas, a personas acaudaladas. Charlie "Hopsie" Pike (Henry Fonda) es biológo, especializado en oficología (serpientes), cándido, ingenuo, inexperto, presumido y rico. Eve Sidwick (B. Stanwyck) es una joven inglesa, de familia aristocrática, sensual, enamoradiza y de poderoso sex-appeal, bajo cuya identidad se esconde Jean Harrington.

La película es una comedia de enredos, falsas identidades, engaños y venganzas, que culmina en una guerra de sexos subida de tono. Al amparo de la farsa, el autor crea una obra de fuerte carga erótica, que va más allá de lo habitual en el momento de su producción. Incluye dos escenas de seducción, que enmarcan un relato en el que abundan las referencias a la práctica del sexo. La obra incopora una crítica ácida de la sociedad americana adinerada, individualista y poblada de vividores, impostores, estafadores y arribistas. El autor diseña el film al servicio del lucimiento de Stanwyck, en la cima de la popularidad. Le supuso una ocasión de oro para demostrar su valía como actriz de comedias. La tensión dramática alcanza niveles memorables en la secuencia de la noche de bodas en el tren. Son escenas destacadas la de Jean observando el revuelo que provoca en el comedor del buque la presencia de Charlie, las dos escenas de seducción, el desayuno imposible del Sr. Pike (Eugene Pallette) y otras.

La música se basa en una partitura original de solos de violín, música ambiental del momento y apasionados fragmentos orquestales. Añade 8 temas de autores diversos, entre los que destacan "Thunderstorm Music" (variaciones sobre "El Barbero de Sevilla", Rossini), "Pilgrim Chorus" ("Tanhäuser", Wagner), "Landlord" (en boca de E. Pallette), "Blaydon Races" (silbado por Fonda). La fotografía, en b/n, construye una impecalbe narración, que hace uso de tomas largas, travellings generosos, reflejos en espejos que duplican la imagen, superposiciones de planos, aceleraciones de imágenes y planos verticales imponentes. El vestuario, a cargo de Edith Head, es imaginativo y espléndido. El guión, elaborado con precisión y maestría, incorpora unos diálogos rápidos y mordaces y frases contundentes ("Las mujeres malas no son tan malas y las buenas no son tan buenas"). La interpretación de Stanwyck es magnífica. La dirección crea una de las obras más destacadas y características de su filmografía.

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La secuencia final suspende el relato mediante una escena fuera de campo, que releva la atención del espectador con un anuncio que no significa lo que dice y que no interrumpe la acción, la tercera noche de Eva.

Miquel

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