Último de los 7 films en los que colaboran el realizador Raoul Walsh y el actor Errol Flynn. El guión, de Stephen Longstreet y Harriet Frank Jr., adapta la novela de bolsillo “Mike McComb”, del propio S. Longstreet. Se rueda en escenarios reales de Bronson Canyon (L.A.), Inyo National Forest (Bishop, CA) y Warner Ranch (Calabazas, CA) y en platós de Warner Studios (Burbandk, CA). Producido por Owen Crump para la Warner, se proyecta en sesión de preestreno el 18-V-1948 (Denver, Colorado).

La acción dramática tiene lugar en Gettysburg, a 6 millas de la batalla (1-3/VII/1863), en Silver City y en localizaciones del territorio de Nevada, entre los años 1863 y 1878. Mike J. McComb (Flynn), antiguo capitán de caballería de la Unión, tras abandonar el ejército, decide emprender una carrera en busca de riqueza y poder. Progresa con rapidez en múltiples actividades (juego, banca, ganadería, minería de plata, madera, etc.). Sus oponentes son Georgia (Sheridan) y el envidioso “Buck” Chevigee (Blue). El villano es “Banjo” Sweeney (MacLane), su mano derecha es “Pistol” (D’Andrea) y el apoyo legal se lo proporciona el abogado John Plato Beck (Mitchell).

El film suma drama, romance y western. Compone un relato que compone un cuento moral sobre la ambición, la soberbia, el individualismo y la ausencia de escrúpulos. La acción tiene lugar en los años posteriores a la Guerra Civil (1861-65), mientras se da en el país una expansión económica intensa, se impone el liderazgo de los empresarios ambiciosos y emprendedores, se registra el desarrollo del sector de las finanzas (banca, bolsas de valores, financiación internacional...), el crecimiento del sistema económico de libre empresa, el avance industrial, la acumulación de grandes capitales privados y la expansión económica general de los estados del Sur y del Medio Oeste. Estas circunstancias quedan reflejadas en el film, aunque se sitúan en el trasfondo del mismo. Se explican a grandes rasgos, con un nivel de aproximación satisfactorio y, por demás, interesante. Reflejan con relativo acierto una realidad histórica del pasado del país, en la época vertiginosa en la que se enmarca el film. La suma de ambos elementos (relato directo y trasfondo histórico) ofrece explicaciones imprescindible para que el espectador pueda entender cabalmente algunas claves de la historia que se explica.

La riqueza de un país depende de la cantidad de bienes y servicios que produce, no del oro y plata que acumula. Es interesante ver cómo en el XIX se pensaba que existía una relación directa entre poder económico y financiero de un estado y el volumen de oro y plata del que disponía. En el marco del relato, la teoría indicada explica hechos importantes, como el impulso que la autoridad desea imprimir a la producción de plata y sus consecuencias.

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El consejero legal, John Plato Beck, hace las veces de la conciencia del protagonista, al que reprocha los excesos que perjudican la marcha de sus negocios, limitan su desarrollo potencial y llenan el ambiente de riesgos y amenazas. Plato se sirve al efecto de referencias del pasado, como la historia de David y Betsabé, la traición de Bruto a César y referencias a “La caída del Imperio Romano”. Sus intervenciones, llenas de sentido común, sensatez y prudencia, combinadas con episodios de embriaguez, contribuyen a dotar al relato de un tono trascendente y grandilocuente.

Es interesante la lucha de sexos que se plantea a lo largo del film. El realizador exalta la figura de la mujer batalladora, emprendedora y fuerte, que caracterizó a una parte importante de las pioneras y de las que con su iniciativa y esfuerzo contribuyeron a la grandeza del país, pese a la falta de reconocimiento y al olvido de que han sido objeto con frecuencia. La lucha de sexos es un recurso dramático y cómico de uso habitual en los trabajos de Walsh.

El film contiene escenas memorables, como la quema de un millón de dólares en efectivo, las secuencias iniciales y finales de acción, la casa de McComb, los interrogantes que plantea la escena final, etc. La cinta lleva un salpicado de humor festivo, irónico y burlesco (el sabio ebrio, el comportamiento exagerado del protagonista, la inversión de roles que acompaña algunas intervenciones de Georgia, etc.).

La caracterización de los personajes se presenta bien definida y perfilada con trazos potentes. Destacan las caracterizaciones del malvado, el borrachín que desborda sabiduría, la heroína que asume las características de la mujer americana de posguerra (IIGM). El protagonista encarna una figura deliberada y exageradamente poco simpática, que no debe condicionar el juicio del espectador sobre el film. El personaje cumple sus funciones en el contexto del relato y aporta, en clave negativa, las sugerencias e indicaciones que se desea trasmitir al espectador.

La banda sonora, de Max Steiner, adopta como leitmotiv el tema de amor, que interpreta un conjunto de cuerdas con melodía de violines. La partitura ofrece compases rotundos y potentes, de resonancias vigorosas, ampulosas y épicas. La fotografía, de Sid Hickox (“Colorado Territory”, Walsh, 1949), en B/N, con pocos planos y gran economía de medios consigue explicar muchas cosas con ayuda de elipsis y sobreentendidos.


Bibliografía

José Mª. LATORRE, “Río de plata”, ‘Dirigido por’, nº 333, pág. 94-95, octubre 2009.

Miquel

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Primer largometraje del realizador Morton DaCosta (1914-89). El guión, de Betty Comden y Adolph Green (“Cantando bajo la lluvia”, Donen y Kelly, 1952), adaptan la novela “Auntie Mame” (1955), de Patrick Dennis, pseudónimo de Edward Everett Tanner III (1921-76), y la versión teatral de la misma de Jerome Lawrence y Robert E. Lee. Se rueda en los platós de Warner Studios (Burbank, CA) con algunas tomas exteriores de L.A. (CA). El film es nominado a 6 Oscar (película, actriz principal, fotografía, dir. artística...) y gana un Globo de oro (mejor película: comedia). Producido por Morton DaCosta para la Warner, se estrena el 27-XII-1958 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en Chicago (residencia del padre de Patrick), NYC (casa de Mame en Beekman Place, nº 3) y Connecticut (residencia de verano de la familia Upson), a lo largo de unos 10 años, entre 1928 y 1938 c., con un epílogo en 1950 c. Patrick Dennis, de unos 10 años, queda huérfano al morir su padre, que ha dispuesto en su testamento que el chico viva con su tía, Mame Dennis (Russell), y administre sus bienes en calidad de albacea, el banquero Dwight Babcock (Clark). La tía es aficionada a las fiestas, las relaciones sociales, la diversión, los espectáculos, etc. Siente pasión por vivir, improvisar, organizar, emprender, conversar ... Es excéntrica, o al menos lo parece, algo alocada, extrovertida y partidaria de posiciones liberales, abiertas, vanguardistas e innovadoras. El Sr. Babcock es taciturno, reservado, conservador y partidario del orden, la disciplina, la severidad y la represión de las posiciones abiertas, confiadas y dadas a gozar de la vida.

El film suma drama, comedia y crítica social. Básicamente es una comedia alocada, que reproduce muchas de las características de la “screwball comedy” americana clásica, de los años 30 y 40 del siglo pasado. El ritmo de la acción es vertiginoso, la sucesión de lances es fluida y muy rápida, ocurren muchas cosas en poco tiempo y se plantean contradicciones e incompatibilidades que sirven de base a un humor cálido y directo, basado en la ironía, la burla, la ridiculización y la exageración. El resultado es un trabajo meritorio, interesante, entretenido, divertido e hilarante, capaz de hacer las delicias de un público aficionado a la crítica de las extravagancias en general y de las de los ricos en especial, el inmovilismo de los más conservadores en una época de grandes cambios, la vanidad y la presunción, la indolencia de los hijos de las familias acomodadas, el egoísmo, la codicia, la mezcla espuria de la búsqueda simultánea del amor y el dinero, el clasismo, el oportunismo, la estupidez, etc. En el apartado positivo, defiende el protagonismo de la mujer, la capacidad de liderazgo de la misma, sus valores de inteligencia, sensibilidad, iniciativa, capacidad de discernimiento, espíritu crítico, ánimo batallador, etc.

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Elogia valores nuevos, susceptibles entonces de provocar escándalo en muchos, como la dignidad y respetabilidad de las madres solteras, el amor libre, las parejas de hecho, el arte moderno (abstracción, informalismo, expresionismo abstracto americano...), las profesiones artísticas, consideradas inestables y poco remuneradoras, como la de pintor, poeta, novelista, compositor, actriz de teatro, etc.

Exalta la búsqueda de la alegría, la vida intensa, la diversión, el sentido de la aventura, el buen humor y la risa. Propone como modelo de vida el basado en el espíritu libre, sin prejuicios, sin miedos a la realidad, sin ataduras a las convenciones sociales, sin prestar atención a las falsas apariencias y sin remilgos anacrónicos. Defiende la importancia del espíritu abierto a todas las razas, creencias, nacionalidades, culturas, etc. En ocasiones hace uso de la caricatura para subrayar el sentido innovador/transgresor de algunas de sus propuestas.

El relato se presenta dividido en dos partes bien diferenciadas y un epílogo: en la primera parte Patrick tiene 10 años (poco antes del crack de 1929), en la segunda tiene 20 (antes de la IIGM) y en la tercera tiene unos 30 (después de la IIGM). La narración está hecha desde el punto de vista de los recuerdos de Patrick, diferentes en cada una de las etapas del film. A la sencilla ingenuidad infantil del principio, sigue la desconcertada joven madurez de la segunda parte, para terminar con la experimentada y segura madurez del epílogo. La interpretación de Rosalind Russell (1907-76), de 51 años, nominada al Oscar y a los Globos de oro, es convincente por esforzada, versátil, rápida y humorística. Ella sola llena la pantalla y lleva el peso de la representación. En ocasiones roza la sobreactuación, aunque lo hace respondiendo a exigencias del guión o a indicaciones del realizador. Rinde homenaje a la “screwball comedy”, Gary Cooper, Ernst Lubitsch y a los guionistas Billy Wilder y Charles Brackett, citando la película “La octava mujer de Barba Azul” (Lubitsch, 1938).

La banda sonora, de Bronislau Kaper (“Lilí, Walters, 1953), ofrece una partitura variada y ligera, acorde con las apariencias de excentricidad y superficialidad, exageraciones para ahuyentar a timoratos (canapés de serpiente de cascabel) y propuestas de fondo más serias y atinadas de lo que parece a primera vista. Son temas destacados “Prelude” y “Theme”, cortes descriptivos como “Patrick” (de gran belleza) y “Mame” y canciones tan notables como “Killer Queen”, “Utopia” o “Life’s What You Make It”. La fotografía, de Harry Stradling Sr. (“My Fair Lady”), en color (technicolor), introduce cambios frecuentes en la decoración del plató principal (hall de Beekman Place, NYC). Las imágenes son coloristas y de composición imaginativa. Visualizan excentricidades inusuales (bebidas en llamas...). Subraya con rotundidad el humor gestual (saludo al mono) y visual.

Miquel

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Western realizado por Michael Curtiz con gran parte del equipo de producción de “Dodge City” (Curtiz, 1939) con el objetivo de aprovechar el tirón del éxito del mismo. El guión, de Robert Bruckner (“Dodge City) con la colaboración de Norman R. Raine y Howard Koch (no acreditados), se inspira en hechos reales que combina con personajes de ficción. Se rueda en escenarios exteriores de Arizona (Sedona, Desierto Pintado...), California (Lake Sherwood, Vazquez Rocks Natural Park...), Warner Ranch (Calabazas, CA) y el mismo plató de la ciudad de “Dodge City”, de los Warner Studios. El rodaje se inicia a finales de octubre de 1939. Producido por Hal B. Wallis para la Warner, se proyecta en sesión de preestreno el 16-III-1940 (Virginia City, Nevada).

La acción dramática tiene lugar en Virginia City, Richmond (Virginia), Morgantown (Kentucky), y en el recorrido de Virginia City a Richmond pasando por Texas. El espectador ha de evitar la confusión de Virginia City (Nevada) y el estado de Virginia. El relato comienza el 7-IX-1864 y finaliza el 8-IV-1865. Como indica el prólogo, se narra la proeza de 73 personas (mayores y niños) que en XII/1864 inician un viaje épico, digno de ser recordado.

El film suma western, drama, acción, guerra, romance e historia. Es un western clásico que incorpora los tópicos del género, como el héroe inteligente, valiente, audaz y generoso, que se sacrifica en beneficio de los intereses generales. No falta la heroína que enamora, las persecuciones a caballo, la diligencia, asaltos, la cantina (“saloon”), los forajidos, el malvado, el banquero, los sombreros vaqueros, la caravana de carretas y su disposición ocasional en círculo de defensa, la Caballería de la Unión, pistolas, rifles, huidas y persecuciones, etc. La acción se enmarca en el contexto de las postrimerías de la Guerra Civil, que aporta profundidad a la acción, exalta el heroísmo anónimo, denuncia los sufrimientos de la guerra y desvela las penalidades de militares y civiles de ambos bandos, etc. El viaje por una ruta que prima la seguridad sobre la rapidez se desarrolla entre amenazas naturales (sequía, deshidratación...), metereológicas (tormenta de arena), sobreesfuerzos humanos (agotamiento), traiciones y asaltos (bandidos), etc.

Es interesante el duelo de actores que se establece entre un veterano del género (Scott) y un intérprete más joven, en plenitud de facultades (30 años), que goza de una alta popularidad y que participa en su segundo western. Mientras Scott entrega un papel contenido, serio, eficaz y muy gestual (expresiones del rostro), Flynn compone una interpretación pletórica de actividad, riesgos, jovialidad y arrojo, que para mi queda por debajo de la de Scott.

La narración se caracteriza por la acumulación de secuencias largas, de interior (cantina) y de exterior (viaje). No restan dinamismo al relato ya que incorporan escenas de acción trepidante, rápidas y variadas. Aportan, por el contrario, prestancia, solemnidad y aires épicos.

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El guión, elaborado con cierta precipitación, contiene algunos errores de gran apariencia, aunque de escasa o nula relevancia. Es anacrónica la participación de John Murrell (Bogart), fallecido en torno a 1845, en hechos ocurridos 20 años después. La película atesora méritos importantes como la denuncia fundada del trato inhumano de los presos unionistas en la prisión de Libby, la agobiante situación de los ciudadanos pro-confederados en una localidad unionista tan exaltada como Virginia City, la presencia de adolescentes y la atención que se les presta, el papel activo y digno que se atribuye a la heroína (canta, baila, observa y aporta iniciativas). El film se inspira en el clasicismo de John Ford y su estilo de trabajo. La secuencia de la conversación en el interior de la diligencia muestra paralelismos y coincidencias con “La diligencia” (Ford, 1939). La secuencia de exterior que recoge la tarea de recuperar el control del tiro del vehículo también luce similitudes parecidas.

El tema de la reconciliación y la llamada de todos los ciudadanos a la tarea común de construir un país libre y próspero halaga el ánimo del espectador, pero no se corresponde con una realidad que fue menos amable. Jeff Davis (1808-1889), presidente de los Estados Confederados, cumple 2 años de prisión y 2 de destierro, hasta que puede regresar a su Virginia natal para dedicarse exclusivamente a tareas privadas. Esto no lo dice el film, claro. Lo dice la historia.

La película es entretenida, emocionante y divertida, pese a algunos toques demagógicos. No alcanza los niveles de calidad de su precedente “Dodge City”, pero no queda muy a la zaga. Su éxito es inferior, pero más que aceptable. El rodaje en B/N es debido a las restricciones presupuestarias que se imponen a raíz del inicio en Europa de la IIGM (1-IX-1939). La comicidad que salpica la cinta corre a cargo, sobre todo, de la pareja formada por “Marblehead” (Williams) y “Moose” (Hale).

La banda sonora, de Max Steiner, es vibrante, potente, emotiva y de tonos solemnes, como es habitual en el compositor. Realza el sentido épico del viaje y la importancia de las propuestas finales. Adapta canciones patrióticas, como “The Battle Hymn of the Republic” y “I Wish I Wash in Dixie’s Land”, canciones de entretenimiento (“Oh Susana”) y composiciones rítmicas de baile (“Can Can Instrumental”). La fotografía, de Sol Polito, ofrece una narración visual de gran belleza plástica. Exalta los paisajes grandiosos y desérticos, que muestra desde diversas perspectivas y con diferentes intenciones. Las luces son contrastadas y proyectan sombras de excelente dibujo. Añade numerosos primeros planos descriptivos y barridos de cámara para evitar cortes y crear sensaciones de proximidad. Es francamente acertada la imagen de Lincoln proyectada en sombra sobre una hoja de papel.


Bibliografia

Gabriele LUCCI, “Oro, amor y sangre”, ‘Western’, págs. 176-177, Electa ed., Barcelona 2005.

Miquel

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Último film australiano de Peter Weir (Sidney, 1944), realizado antes de su traslado a Hollywood. El guión, de David Williamson, Peter Weir y Christopher J. Koch, adapta la novela “The Year of Living Dangerously” (1978), de Christopher J. Koch (1932-95). Se rueda en escenarios naturales de Filipinas y Australia y en los platós de Artransa Film Studios (Mobbs Lane Australia) y de Mort Bay Studios (Balmann, Australia). Gana un Oscar (actriz de reparto, L. Hunt). Producido por Peter Weir para McElroy and McElroy/MGM, se estrena el 17-XII-1982 (Australia).

La acción dramática tiene lugar en Yakarta (Java, Indonesia) entre finales de julio y primeros de octubre de 1965, durante la insurrección popular contra el presidente Achmed Sukarno, y el golpe de estado del general Mohammed Suharto del 30-IX-1965, por el que asume el control de las fuerzas Armadas e inicia una durísima represión (1965-67) contra los izquierdistas, con un balance estimado de un millón de muertos. Gillian “Jill” Bryant (Weaver), de 27 años, ayudante del agregado militar, coronel Henderson (Kerr), de la Embajada Británica, y Guy Hamilton (Gibson), enviado especial de la cadena australiana de radio ABS en Yakarta, en su primer trabajo profesional en el extranjero, se conocen gracias a Billy Kwan. Simpatizan y se enamoran. Los hechos ocurren durante unos meses tumultuosos, de manifestaciones multitudinarias, temores de guerra civil, escasez de alimentos de primera necesidad, rumores de golpes de estado y desórdenes públicos. Guy, de 29 años, desea ganarse el traslado a Saigón (para seguir la Guerra de Vietnam). Es ambicioso, valiente y apasionado. Jill es inteligente, reservada y de talante liberal.

El film suma drama, aventuras, romance, guerra y periodismo. El ambiente de incertidumbre y confusión que domina el clima general del país está bien construido y es convincente. Algunos comentaristas no distinguen adecuadamente, a nuestro entender, entre la confusión de los acontecimientos reales y la confusión del film. Éste traduce en imágenes, con eficacia y rigor, una situación general dominada por temores de enfrentamientos cruentos, que se dan asociados a la inminente caída de Sukarno, líder de la independencia del país (1945-49) y de su gobierno durante 20 años (1945-65). Indonesia declara la independencia de Holanda al término de la IIGM (1945), pero ésta no es reconocida oficialmente por la potencia colonial hasta 1949.

Destaca la labor esforzada y decidida del periodista Hamilton, que se enfrenta a las dificultades, trabas, restricciones y a la agitación general, con riesgo de la vida, a la búsqueda de la noticia. Se diferencia de sus compañeros de profesión, Pete Curtis (Murphy), Wally O’Sullivan (Ferrier) y Kevin Condon (Sonkkila), que esperan recibir las noticias oficiales en un ambiente acomodaticio, alejado de riesgos y crítico respecto de la manera de proceder de Guy.

(Sigue sin “spoilers”)

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Muestra brevemente, pero de modo elocuente y conmovedor, las masacres de civiles a cargo del ejército tras el golpe de estado y la toma del poder de hecho por parte de Suharto. Muestra la escasez de alimentos y el hambre en la ciudad con imágenes bien construidas y rápidas. Muestra la solidaridad de Kwan con un niño desamparado, que justifica con palabras de Tolstoi y Lucas de Antioquía (aka San Lucas). La narración se apoya en la voz en off de Billy Kwan (Hunt), fotógrafo, colaborador de Hamilton, que se sirve de un lenguaje artificioso, literario, largo y tedioso, que constituye uno de los puntos débiles de la película. Ésta, que obtuvo en su momento un gran éxito de taquilla, conserva el interés de una historia romántica apasionada y de intenso dramatismo, enmarcada en un trasfondo de hechos reales que no conviene olvidar. Las matanzas de Suharto han sido las segundas más monstruosas tras la IIGM, sólo superadas por el genocidio camboyano (1975-79) de Pol Pot.

La novela se inspira en la experiencia como periodista en Yakarta de Michael Koch, hermano del novelista, durante el período al que se refiere el relato. Son escenas notables la manifestación multitudinaria frente a la Embajada de EEUU, la llegada de Hamilton al aeropuerto de Yakarta donde le espera Kumar (Roco) en sustitución de su antecesor en el cargo, que ha abandonado precipitadamente el país, la cadena de autocares llenos de personas civiles trasladadas a las afueras de la capital para ser ejecutadas, la represión contra un ciudadano que ha colgado en la ventana de su apartamento una pancarta pidiendo alimentos, etc. Es lamentable por increíble la escena del salto de un control militar por Hamilton en un coche a la carrera, seguido de un múltiple ametrallamiento que no causa ni daños personales ni materiales.

La banda sonora, de Maurice Jarre, ofrece melodías indonesias y composiciones para instrumentos indígenas, combinadas con otras lideradas por el acordeón, el piano, sopranos o violines, que enmarcan la acción. Consigue cortes de gran belleza como “Enchantment at Tagui”, “The Death of a Child” y “Kwan’s Sacrifice”. Añade un fragmento de “L’enfant”, de “Opera Sauvage”, de Vangelis, y otro de “Las cuatro estaciones”, de Richard Strauss.


Bibliografía

Pedro CRESPO, “El año que vivimos peligrosamente”, ABC, 1-I-1983.

Miquel

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Film realizado por Luis Buñuel (1900-83) en Francia gracias a una colaboración internacional de Francia e Italia. El guión, de Luis Buñuel y Jean Ferry, con diálogos de Jean Ferry, adapta libremente la novela “Cela s’apelle l’aurore” (1952), del novelista argelino-francés de origen español, Emmanuel Roblès (1914-55). Se rueda en escenarios reales de Córcega y en los estudios Photosonor (Neuilly-sur-Seine, Francia), a partir del 18-VIII-1955. Producido por Claude Jaeger para Les Films Marceau y Laetitia Films, se estrena el 9-V-1956 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en Ajaccio (donde nació Napoleón) y otras localizaciones de Córcega a lo largo de algo más de 4 meses, entre la primavera y el verano de 1955. El doctor Valerio (Marchal), médico, trabaja en la isla desde hace 3 años, donde reside con su mujer Ángela (Borgeaud). Se hace amigo de los obreros y campesinos, les ayuda como médico y como persona altruista y generosa, movida por ideales de solidaridad agnóstica (laica y cívica), que nada tienen que ver con creencias religiosas, ya que éstas no forman parte de su vida. Su dedicación a la ayuda altruista le acarrea problemas con allegados y autoridades. El comportamiento del Dr. Valerio sobresale por su coraje, lealtad y generosidad.

El film suma drama, análisis social y romance. La historia que se desarrolla es sencilla, clara y fácilmente comprensible. La narración es transparente, fluida y cálida. Deja de lado complejidades argumentales y se centra en el análisis de las relaciones que el médico establece con personas humildes, el cacique del pueblo, la policía (que representa la autoridad) y una bella mujer joven, viuda desde hace poco, encarnada por una Lucía Bosé, de 24 años, de un belleza serena, seductora y espléndida. Los temas que más preocupan a Buñuel son la inutilidad e ineficacia de la generosidad y del heroísmo, los costes personales que implican, las tensiones y el rechazo que provocan y la ausencia de contrapartidas en términos de satisfacción personal.

La generosidad desinteresada del doctor le provoca soledad, abandono, insultos, desconfianza de la autoridad y el desprecio de los poderosos. Sobre todo la generosidad personal no resuelve los problemas que trata de abordar, sino que más bien los agrava fatalmente. Del discurso de Buñuel se desprende, sin palabras, la defensa de la acción conjunta que cambine las relaciones sociales, la estructura del poder y los sistemas de organización, de modo que el conjunto cree e imponga un orden social justo. El relato contiene elementos de tensión dramática suficientes para interesar al espectador, provocar en él tensión y conmover su ánimo. La figura del Dr. Valerio anticipa la del protagonista de “Nazarín” (1958), sobre el que con el tiempo (dos años) extiende y profundiza su exploración y reflexión.

(Sigue en el “spoiler” sin desvelar partes del argumento)

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Trata otros temas, como el amor transgresor o extramatrimonial, uno de sus focos de atención preferidos. Critica la religión que se pone de parte de los poderosos y en contra de los menesterosos (el capellán trata de echar a Sandro de la casa del cacique). Denuncia la connivencia habitual entre la autoridad, el poder económico y la religión. Muestra la doble moral de la burguesía (Garzone y la enfermera). Presenta al burgués como una persona caprichosa, egoísta, arbitraria, punitiva, vanidosa, desconsiderada, permanentemente malhumorada e impertinente. Ridiculiza y se burla de los ejecutivos al servicio de los poderosos, que define como serviles, aduladores y rastreros. Cita como ejemplo a Azzopardi (Mazzotti). Propone como virtudes cívicas esenciales el coraje, la lealtad y la generosidad.

Son escenas destacadas el descubrimiento de la condición de mutilado de guerra y héroe del 44 de Sandro, cuando ha quedado solo y desamparado ante la indiferencia de los poderosos; los juegos de guerra y ejecuciones de los niños; la llegada del sustituto y su familia a la casa de Sandro; la visita de Sandro a Garzone; los insultos del padre de Ángela (Nassiet) al doctor; la burla de los ricos por parte del cómico que evoluciona en bicicleta por la calle con sombrero de copa y puro, etc.

Las imágenes muestran las referencias fetichistas de Buñuel (pies, crucifijos, relojes, sotanas, campanas, cabellera rubia de la Sra. Garzone...); animales diversos que evocan la irracionalidad y el absurdo (gatos, gallinas, una tortuga, mulas, asnos, etc.); sonidos relacionados (péndulo, toque de los cuartos de hora, el toque de difuntos de las campanas de la Iglesia, maullidos de gato...); acciones inquietantes (maltrato de un asno, juegos infantiles de guerra, abandono del héroe local a su suerte...), etc. Incorpora referencias surrealistas, aunque en menor media que otras películas, como la imagen del Cristo enzarzado entre cables de electricidad, el sueño de despierto del médico que proyecta instalarse en Niza con Ángela y Clara...), etc.

Esta película y las tres posteriores: dos colaboraciones Méjico-Francia (“La muerte en el jardín” y “La fiebre sube al Pao”) y una colaboración Méjico-EEUU (“La joven”), junto con "Nazarín", tienen una buena acogida, lo que permite al realizador reunir unos ahorros suficientes para rodar en España “Viridiana” (1961).

La banda sonora, de Joseph Kosma (“Calle Mayor”, Bardem, 1956), aporta melodías sencillas, de aire popular y festivo, interpretadas al acordeón, violín e instrumentos folclóricos. La fotografía, de Robert Lefebvre (“París, bajos fondos”, Becker, 1952), en B/N, muestra con delectación los ambientes populares de la ciudad, las fisonomía urbana de las viejas calles, la panorámica idílica del puerto y los personajes arquetípicos que les dan vida. Ofrece bellas panorámicas diurnas y nocturnas de la isla y de la costa. Envuelve el drama en un contexto humano de gran interés documental.

Miquel

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