Adaptación libre de la obra teatral de Jordi Galcerán, dirigida por Marcelo Piñeyro ("Kamchatka", 2002). Se rodó en plató en San Sebastián de los Reyes (Madrid), entre el 8-XI-2004 y el 27-I-2005. Nominada a 5 Goya, obtuvo 2 (guión adaptado y actor reparto). Se estrenó el 23-IX-2005.

La acción tiene lugar en la sede en Madrid de la empresa multinacional Dekia, ubicada en un edificio del complejo Azca. Narra el desarrollo de la última prueba de selección de un alto ejecutivo, a la que se presentan 7 candidatos preseleccionados. La prueba, basada en el método Gronhölm, consiste en un debate entre los aspirantes, que deben demostrar sus habilidades para imponerse a los demás. La sesión tiene lugar en una sala de reuniones, en la que tal vez son espiados a través de microcámaras. Entre ellos, además, puede ocultarse un psicólogo de la empresa.

Los 7 candiatos son 5 hombres y 2 mujeres. Tienen personalidades muy diferentes: pijo, turbio, presuntusoso/agresivo, frágil, acomplejado/indeciso, falso y honesto. El debate pronto deriva en lucha sin cuartel, en la que se impone la mezquindad del "todo vale": mentiras, engaños, deslealtades, manipulaciones, traiciones y felonías. El primero en caer es Julio (Carmelo Gómez), cuya honestidad le coloca de entrada en situación de clara inferioridad. La acción se desarrolla en un epacio cerrado, aséptico, frío y desolador, en el que las 7 personas permanecen aisladas, enfrentadas y agazapadas tras sus disfraces de conveniencia, mientras la atmósfera cada vez más tensa les lleva a pérdidas de control que revelan destellos de su auténtica personalidad. Son escenas destacadas la de la doble masturbación (masculina y femenina) en el lavabo, el servicio de una comida fría que huele y sabe raro, el juego de la pelota, la coquetería de la secretaria Montse (Natalia Verbeke) durante el corte para comer y la memorable despedida de Fernando (Eduardo Noriega) y Nieves (Najwa Nimri).

La música hace funciones de fondo tenue y suave, casi imperceptible, que estalla al final en una potente versión instrumental de la festiva "Din, don, don". La fotografía muestra preferencia por los planos cortos y los juegos de planos y contraplanos próximos, con los que explora la intimidad de los candidatos. Usa una paleta de colores fríos y pálidos, a tono con el clima emocional del relato. El guión amplía el número de protagonistas de Galcerán y convierte la comedia original en una tragedia kafkiana angustiosa, símbolo de los juegos de poder de las corporaciones industriales contemporáneas. En la interpretación sobresalen Carmelo Gómez (Goya al mejor secundario), Eduard Fernández y, sobre todo, Adriana Ozores y Najwa Nimri. La dirección opta por la discreción al servicio del protagonismo de los actores y la acción.

La película, ambiciosa y de buena factura, critica la falta de principios de la globalización y la desolación que deja en el espíritu de las personas, los grupos y las colectividades.

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La obra presenta semejanzas formales y de fondo con "Smoking Room" (2002) y sólo formales con "Doce hombres sin piedad" (1957), crítica del sistema judicial americano. El final, desolador y apocalíptico, eleva y exagera el tono de la crítica. La música festiva que se superpone a los créditos finales es una clara y poco afortunada concesión al espectador.

Miquel

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Escrita y dirigida por el veterano Yoji Yamada ("The Hidden Blade", 2004), de 71 años en 2002 y autor de un centenar de películas. Se basa en 3 novelas de Shuuhei Fujisawa ("Tasagoro Seibei", "Chikkou Shiatsu" y "Iwaibito Sukehaehi"). Filmada en exteriores de Japón y en estudio, fue nominada al Oscar. Obtuvo 12 premios de la Academia Japonesa de Cine. Se estrenó el 2-XI-2002.

La acción tiene lugar a mediados del XIX, en una provincia del norte de Japón. Narrada por boca de la hija menor, explica la historia de Seibei Iguchi (Hiroyuki Sanada), un samurai de condición humilde, que para atender a su esposa enferma de tisis contrajo deudas, que ha de pagar trabajando denodadamente como contable de una empresa, cuidando su tierra a la salida del trabajo y confeccionando jaulas para insectos y pájaros por la noche. Cuida de sus dos hijas, Kayama (Miki Ito) e Ito (Erina Hashiguchi) y de su madre enferma. Su amiga de la infancia, Tomoe (Rie Miyazawa), se divorcia del marido Tayotaro Iinuma (Ren Osugi), violento y alcohólico, al que Seibei se ha de enfrentar en sustitución del hermano de Tomoe, poco hábil en los duelos.

La película muestra el enfrentamiento de los valores familiares y los deberes de los viejos guerreros. Seibei opta por la familia, el carinño de las hijas y el cuidado de la madre, a costa de su prestigio como gerrero y su ascenso social. Sólo entra en combate para salvar a un amigo (el hermano de Tomoe) o cuando es requerido por su señor. Lo hace siempre a disgusto, pese a su superioridad en el combate. Aspira a ser granjero y renuncia a la mujer amada por considerar que sus escasos medios económicos no la harán feliz. Rechaza la violencia y la venganza. Estima la vida por encima de otros valores, como los de los viejos códigos de honor, que obligan al duelo y al suicidio. No es una obra de luchas épicas y heroicas, sino una sencilla historia de amor, lírica y fascinante. Son escenas destacables la de la lucha de Sabei y Toyotaro a orillas del río, la confesión de Sabei y de su contrincante antes de la lucha final y las secuencias del duelo entre ambos.

La música aparece ocasionalmente. La partitura original es sobria, elegante y embriagadora. Aporta una bonita canción, "Kimerareta Rizumi", que suena extensamente sobre los créditos de cierre. La fotografía se apoya en una mirada reposada y complaciente, que se detiene con frecuencia en encuadres fijos. El intimismo se realza mediante escenas de interior, de escasa luz. El guión elabora unos diálogos breves y estilizados y construye una historia de devoción paternal, afectos filiales y de amor entre Seibei y Tomoe, que estalla cuando se han agotado los plazos de renuncias y disimulos. La interpretación de los dos protagonistas, H. Sonada y R. Miyazawa, es sobria y convincente. La dirección impone a la acción un ritmo pausado y melancólico.

Película sobre el fin de una época, el ocaso de los viejos guerreros y la decadencia de los antiguos códigos de honor.

Miquel

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Film independiente. Tercer lago del actor Kiefer Sutherland, rodado en Winnipeg (Manitoba, Canadá). Producido por Damian Lee, se basa en la novela homónima de Joanna McClelland Glass, guionista del film. Ganó 2 premios.

La acción tiene lugar en una localidad de Nueva Inglaterra (EEUU) en 1998/99 a lo largo de casi un año y medio. Narra la historia de Emma Riley (Holly Hunter), separada de un actor de teatro, que lee en los anuncios por palabras de un diario una oferta de trabajo como ama de casa de una familia formada por Richard Goddard (Michael Moriarty), profesor universitario, de unos 45 años, viudo, y por su hijo Wendell (Kiefer Sutherland), turbulento y de trato difícil.

Emma llega a la casa con la fustración de no haber tenido un hijo con su pareja, de la que se acaba de separar. La inseguridad del trabajo de ambos (actor y auxiliar de teatro) la llevó a aplazar la decisión, cosa que ahora lamenta. En la casa encuentra que el padre y el hijo no se comunican, no se entienden, no se llevan bien y viven enclaustrados en sendas habitaciones de una gran mansión. Richard no consiguió desarrollar con la esposa una relación afectiva regular y plena, a causa de la enfermedad mental que desarrolló tras el parto del hijo único de ambos. Wendell, el hijo, de unos 20 años, vive angustiado por la pérdida de la madre y la falta de atenciones que recibe del padre. Emma, afectuosa, inteligente y con notables habilidades sociales, se convierte en el apoyo, la confidente y la amante de ambos y en el nexo de unión de la familia. Tras las represiones y fustraciones de los tres personajes se oculta la pulsación de una moral religiosa (la católica) que ha condicionado, de modo diverso, y sigue condicionando la vida de los tres. Todo puede cambiar cuando Emma concibe y da a luz un niño.

La múscia aporta una partitura de Jude Cole con solos de piano, composiciones de piano y cuerdas y una canción añadida "Everything I Have Is Yours", cantada sobre los créditos finales por Billy Ecskstine. La fotografía hace uso preferente de los colores crema y marrones, con toques de verde y manchas dispersas de rojo, granate, blanco y negro. La composición de las imágenes es acertada, equilibrada y sobria. El guión corre a cargo de la autora de la novela en la que se basa el film. Desarrolla la historia de un triángulo amoroso singular, enfrentado a problemas familiares, de odio padre/hijo y de incomunicación, que se resuelve con habilidad, aunque con algunos toques innecesarios de sensiblería. La interpretación de Holly Hunter sobresale por la naturalidad y la eficacia de la que hace gala. Son correctas las intervenciones de Moriarty y Sutherland. La dirección da muestras loables de empeño, pero no consigue trasmitir a la obra la emoción que requería. Sutherland quiso retirar su nombre como responsable de la misma, pero el productor no lo aceptó.

Película entretenida, de ritmo pausado, excelente música, buena fotografía, desarrollo algo irregular y final adecuado.

Miquel

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Producida por Alexander Korda y dirigida por Zoltan Korda, se rodó en escenarios decorados por Vincent Korda. Intervino como director de la 2a unidad André de Toth. Se basa en la obra homónima de Rudyard Kipling. Fue nominada a 4 Oscar (decorados color, fotografía color, efectos especiales y música). Se estrenó el 3-IV-1942, con gran éxito de público. Walt Disney realizó un "remake" en 1967.

La acción tiene lugar en la India en los primeros años del XX. Narra la historia de Mowgli (Sabú), un adolescente, criado por lobos en la selva, que llega a una pequeña aldea, donde es adoptado como hijo por Messna (Rosemary De Camp). Aprende con facilidad el lenguaje de los humanos y se adapta a sus scostumbres y modos de vida. Entabla amistad con Mahala (Patricia O'Rourke), una muchacha de su edad, hija de Baldeo (Joseph Calleia), con la que se interna en la seva, donde descubren los restos de una antigua y rica ciudad y el tesoro de un rey.

La película pone en contraste la generosidad y la sencillez de Mowgli con las ambiciones, la codicia y la crueldad que dominan el comportamiento de los aldeanos. Cuando llega la noticia de que Mowgli y Mahala han encontrado un tesoro oculto, se desatan en la aldea las pasiones en una espiral de violencia autodestructiva, que culmina en un incendio que arrasa la aldea y los alrededores. La construcción en estudio de una jungla esplendorosa, de vegetación viva y tupida, con lagos de aguas cristalinas, constituyó, en su momento, una proeza de imaginación y de técnica. La selva da cobijo a una nutrida colonia de animales temibles, como lobos, cocodrilos, panteras, chacales, cobras y el tigre Shen Kann, único enemigo de Mowgli. Ninguno de ellos mata por placer, odio o crueldad. Sólo los seres humanos matan por estos motivos.

La música aporta una espléndida y vibrante partitura orquestal. La fotografía recrea con delectación las imágenes de una selva frondosa, llena de fantasía. Trata el color con especial atención, al objeto de conseguir un cromatismo superior al habitual. Los efectos especiales, centrados en algunos animales y en el gran incendio de la jungla, conservan su emoción gracias a la grandeza y a la evidente factura artresanal de los mismos. El guión explica la historia en flashback, con vuelta al punto de origen, en el que el narrador Baldeo confiesa haber sido el villano vencido de la historia. La interpretación de Sabú rebosa naturalidad y espontaneidad. Años después, al regresar del frente, sólo obtuvo papeles secundarios de escaso brillo. La dirección combina el esplendor de la selva con la sencilla ingenuidad de un cuento de raíces milenarias.

La película enfrenta la civilización con la vida en la selva, la hipocresía con la sinceridad, la codicia con la generosidad. La excelencia del colorido y la envergadura de los decorados reclaman la atención de los cinéfilos.

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La historia del niño criado en la selva, lejos de la civilización, recogida por Kipling en su novela de 1894, ha fascinado siempre a la humanidad. Rómulo, fundador de Roma, y su hermano gemelo Remo fueron amamantados por una loba. "El pequeño salvaje" (1969), de Truffaut, narra la historia real de un niño que creció fuera de la civilización, en la Francia del XVIII.

Miquel

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Dirigida por Wim Wenders, autor del argumento con Scott Derrickson y del guión con Michael Meredith. Rodada en LA, Trona (LA) y NYC, con una cámara de video digital, en 16 días, a partir del 26-IX-2003. Nominada al León de oro, ganó el premio UNESCO del Festival de Venecia. Obtuvo una nominación al German Film Award a la mejor fotografía. Se estrenó el 19-IV-2004.

La acción tiene lugar en LA, Trona (LA) y NYC, entre las 8 de la mañana del 12 y las últimas horas del 18-IX-2003. Narra la historia de Paul (John Diehl), veterano del Vietnam, herido a los 18 años, de algo más de 50, obsesivamente patriótico, vive un delirio de ansiedad ante el temor de un nuevo atentado. No tiene amigos y ha roto todos los vínculos familiares. Su sobrina Lana (Michelle Williams), nacida en Ohio, de 20 años, hija de su hermana misionera, casada con un misionero, ha regresado al país desde Tel Aviv, después de una larga estancia en África y Palestina. Quiere cumplir el encargo de entregar a Paul una carta que su madre le escribió poco antes de morir. Se propone trabajar en los servicios de atención a los "sin techo" de LA, sostenidos por una misión confesional cristiana. Es ingenua, idealista, abierta, comprensiva y pacífica.

El contraste entre los dos personajes permite al realizador explicar la realidad de los EEUU desde dos puntos de vista diferentes y complementarios. Paul personifica el belicismo, el fanatismo y los sentimientos de miedo. Lana encarna la juventud, la inexperiencia, la generosidad y, sobre todo, los deseos de ayudar al mundo a ser más justo y más humano. Situada entre los dos puntos de vista, la película muestra cómo el país más poderoso del mundo, tras el 11-IX-2001, se ha encerrado en sí mismo, no ha analizado las causas del hecho, ha apelado a sentimientos primarios y ha dejado de lado la autocrítica y los deseos de aprender. Paul es un hombre honrado, digno de respeto y comprensión. Lana, generosa e idealista, es encantadora y admirable.

La música original se complementa con la canción que da título a la obra, escrita e interpretada por Leonard Coen, y con "Looking For Water", de David Bowie. La fotografía subraya mediante contrastes la imagen de un país conmocionado. La estética visual es realista y documentalista, apoyada en el uso en mano de una cámara de vídeo. El guión, pensado y escirto en pocas semanas, elabora una excelente descripción de los personajes protagonistas. La acción constituye una invitación a la reflexión y la autocrítica. La interpretación de los protagonistas es excelente. La intervención de Lana se beneficia de que su papel fue escrito a su medida y pensando en ella. La dirección adopta una posición equilibrada y respetuosa. No formula reproches, no aporta descalificaciones y no imparte lecciones. Contiene sugerencias e invitaciones.

Película serena, de mirada comprensiva y afectuosa, refleja mejor el punto de vista europeo que el americano.

Miquel

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