Desde la descripción que se nos hace de Todos los Santos, hasta el emocionante final en el Cañón de la muerte, todo lo relacionado con lo fúnebre, con el fin de algo, con la muerte, impregna toda la película.
Prácticamente no existe un sólo plano de la acción que acontece en Todos los Santos, en la que Walsh no encuadre una ciudad en ruinas, muerta. Unos personajes espectrales en una película de marcado carácter fúnebre, como años más tarde haría Clint Eastwood en Sin perdón (1992).

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Breve diálogo entre Joel McCrea (Wes McQueen) y un personaje episódico, como mejor ejemplo del concepto espacial que Raoul Walsh desarrolla en la película:

«—Hola.
—Hola.
—¿Cómo se llama este lugar?
—Este es el Cañón de la muerte, amigo.
—¿Y aquello de allí?
—¿Eso? Es la Ciudad de la luna, al menos así la llaman los indios. Una ciudad muerta colgando en el vacío.
—¿Está lejos Todos los Santos?
—Está más hacia el norte, entre montañas, cruzando la cima de ese cerro. No pensará dirigirse allí ¿verdad?
—¿Por qué?
—Le diré lo que es Todos los Santos: donde desaparece todo el que llega. Los españoles fueron los primeros, los indios vinieron después y los mataron. Y una epidemia de viruela acabó con los indios. Sólo quedaron escorpiones y lagartos venenosos, y estos también desaparecieron con un terremoto. Ya nadie más ha vuelto allí amigo, a no ser tal vez, alguna serpiente que no sabe dónde se mete.
—Yo sí lo sé».

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En esa metáfora político-social en que los niños reproducen en sus vidas las actitudes aprendidas de los mayores se advierte una dosis de denuncia a la intransigencia talibán, al machismo o a la violencia de su régimen dictatorial. Pero también se critica el dominio americano posterior que les impide mantener su propia idiosincrasia y tradición, algo que se desprende de la secuencia final en la era en que unos agricultores trillan el grano: entonces una sombra deja evidencia de esa necesaria renuncia al propio ideal y cultura, como la niña a ir a la escuela, para poder sobrevivir y ser libres. Es el fracaso talibán y también americano, dos maneras de imponerse y sojuzgar la inocencia de unos niños que sólo quieren ir a la escuela y que les cuenten historias sencillas.
Abundan los primeros planos en busca de la expresividad de un rostro inocente que conmueva, que convenza al espectador. Convencerle, ¿de qué? Pues de que tras la guerra y la derrota de los talibanes, todo sigue igual y se hace necesaria una nueva explosión que les permita recuperar la fe y la libertad. La cámara oscila entre unos momentos en los que decide mirar y contemplar una realidad cotidiana e intrascendente, y entonces dota a las imágenes de una inocencia y poesía, y otros en los que opta por denunciar los estragos de la guerra y de la realidad de una infancia perdida, y entonces la sinceridad y pureza de la imagen se siente traicionada por el mensaje, y la película pierde intimismo y sutilidad.

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Torrente es una versión paródica en clave fascistade Taxi driver. Expresión desquiciada de la derrota y del olvido.

Vive en una guarida apestosa y sucia, viste como un desharrapado seboso y harapiento, carece de sentimientos, desprecia a la humanidad entera: a la vecina (a la que solo quiere para follarsela), a los negros (sueña que les ofrece una chuleta para que, peleándose por ella, se maten entre sí), a su padre invalido (al que coloca en la calle sobre su silla de ruedas para que pida limosna y al que alimenta con las sobras de un restaurante pasadas por la batidora), a sus antiguos compañeros de policía y a toda la vecindad. Es alcohólico, racista, un lobo solitario y marginal, machista, maltrata a su padre, forofo del Atletico de Madrid, amante de las pistolas.

La intriga es débil y primaria: una red de tráfico de drogas, una mafia china, policías corruptos, vecina tan deseable como tonta y tres jovencitos arrastrados por el protagonista. El final tremendo y pesimista de los tres jóvenes fascinados por las armas pone de manifiesto la irracionalidad de la violencia.

Segura busca la complicidad humorística del espectador para que se ría con las barbarides de Torrente, para que en lugar de contemplarlo como un producto social lo vea como un protagonista paródico de un cómic bárbaro y provocador. Torrentes hay muchos, pero falta el contrapeso de la distancia o de la mirada crítica.

Sin duda es un híbrido genérico: ecos del thriller americano, tradición negra esperpentica de la comedia española, cine de terror, subgénero gore, humor del absurdo, esquemas del tebeo (El jueves), Russ Meyer, Martin Scorsesse, Azcona, Landismo. Expresión fiel de la promiscuidad referencial y de la permeabilidad genérica de otros directores.

La puesta en escena y el estilo son zafios, toscos, obvios, redundantes, primarios. La estética es cutre, la ambientación casposa, de tipología barriobajera.

Muy destacables es la eecuperación de Tony Leblanc: su personaje aporta la integridad personal y energía moral de un viejo derrotado y abandonado, víctima de todo tipo de humillaciones, pero que es capaz de mostrar entereza y fuerza interior. Es el puente entre dos generaciones muy distintas del cine español.

La fórmula ha generado un éxito comercial que ha sucumbido a la tentación de la secuela a través del mimetismo.

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Solo hay malos malísimos y no hay ningún bueno ¿será porque no hay mujeres? Parece una película de aventuras, pero analizado más a fondo, entronca con la visionaria sociedad orwelliana de 1984: "War is peace, freedom is slavery, and ignorance is strength". Estos tres aforismos describen, en mi opinión, buena parte de la situación política en la que vivimos en nuestros días los habitantes de la aldea global y, en particular, los que pertenecemos a la civilización occidental: La paz es la guerra, la esclavitud es la libertad, el miedo es el poder. Las frases son el lema del partido único que gobierna el mundo que se describe en el libro. La novela habla del neolenguaje del Gran Hermano (empobrecer el lenguaje, hacer desaparecer las palabras tabú, manipular la historia y el pasado). Tal vez el ejercicio del poder por parte de los seres humanos desemboca siempre en los mismos mecanismos, en las mismas trampas, en los mismos abusos, con independencia de las épocas, los lugares o las ideologías. Muy interesante el conflicto interior del personaje interpretado por Ray Liotta si lo relacionamos con lo ocurrido un "9/11" de 2001.

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La primera parte de la película carece de autenticidad. El enfrentamiento entre policias y manifestantes es un poco largo, y no aporta nada a la historia. Un poco de color sepia, pantalones de campana y cuello de pico no bastan para darle veracidad a la época. La historia remonta, y para bien, en la segunda parte. La estancia en la cárcel, la agonía de la espera, el final sabido y no por eso menos emocionante consiguen alcanzar el objetivo deseado: la pena de muerte es un sinsentido y una tortura atroz. Echo en falta que no se insista en la narración en los fallos procesales del juicio.

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