“The Brown Bunny” es y no es el filme de 119 minutos que se anuncia y que despertó esa indignación que lo aupó a ser la peor película proyectada en la historia de Cannes, según gran parte de la crítica.

Hubo cortes para su estreno “comercial” reduciendo considerablemente su metraje, entre los cuales destaca el de una secuencia de “carretera y manta” que duraba inicialmente veinte minutos. También existió cambió de chaqueta por parte de la crítica: lo que antes era aborrecible se convirtió en interesante para muchos.
Y el polémico filme de Vincent Gallo creo que se recordará más por esas anécdotas y la mamada de Chloë Sevigny que por el buen cine (que lo hay).

Algunos hablan de evolución del lenguaje cinematográfico y yo les remitiría a los inicios del mismo. ¿Qué fue lo primero que rodaron los hermanos Lumière? ¿Dónde dirigieron esa “primera mirada”? ¿A una obra de teatro? No, se fijaron en la realidad. En filmar la vida en pequeños fragmentos a modo de documental, sin historia desvinculando el “invento” de toda narración o una contando algo simple: como un breve sketch con una manguera, la salida de unos trabajadores de una fábrica o la llegada de un tren a una estación.

¿Qué historia existe entonces en “The Brown Bunny”? Una muy importante y aterradora que se esconde entre esos viajes donde las canciones dan información, en esos tristes encuentros de corazones solitarios, en ese seguimiento humano de su protagonista: come, conduce, mea, habla poco con el resto de mortales y consigo mismo (no hay voz en off), se aburre y nos aburre.

¿Dónde está entonces su buen cine? Al final, en forma de cumshot físico y espiritual donde se libera la carga de espermatozoides y emociones que permanecían a la espera.
Es en ese momento donde todo cobra sentido y donde aparece el buen cine y la tristeza en forma de desenfoque de un imborrable recuerdo.

Llega demasiado tarde el orgasmo, y puestos a cortar y adelantar el memorable blowjob fílmico de “The Brown Bunny”, se podría haber quedado en un magnífico corto o una joya de mediometraje.
También si la cosa era buscar polémica gratuita, dudo que fuesen las intenciones del director de “Buffalo '66”, la elegida para la felación debería haber sido Paris Hilton.

Maldito Bastardo

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Pues eso, la primera estrella la regala esta página. Un fuerte e interminable aplauso (boing, boing) para aquellos hombres y mujeres que colaboran en esta gran página (boing, boing, boing) y que han decidido gracias a su infinito "savoir faire" (boing, boing, boing, boing) que toda producción cinematográfica se merece como mínimo una estrellita (largos planes de trabajo por parte de producción, construcción de un guión – imprimirlo y hacer copias le cuesta sudor a alguien, digo yo –, los labores del equipo técnico – esa pobre script intentando poner orden –, etc.) y los creadores y el gran "crew" de filmaffinity diez (boing, boing, boing, boing, boing).

Ahora pienso en cómo endosar la segunda estrella a “Bajo aguas tranquilas”…

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¿Dirección? No, Brian Yuzna ha perdido el encanto y credibilidad de sus primeras obras. Algunos se preguntaran si alguna vez la tuvo. “Society” (1989) en mi opinión era más que interesante y “La novia de Re-Animator” (1990) y “El dentista” (1996) eran cafres, sanguinolentas y con encanto.

¿Guión? Tampoco. Los momentos bochornosos vía diálogos idiotas y trascendentes provocan una infinita vergüenza ajena.

¿Actores? ¿David Meca, Raquel Meroño y el resto?

[Pausa para irme al baño a destrozarme el páncreas e higadillos riéndome durante diez minutos sin parar]

¿Efectos especiales?

[Nueva pausa para irme al baño a destrozarme lo que queda de entrañas riéndome durante veinte minutos sin parar]

¿Desnudos femeninos? Hasta las tetas son falsas y para eso están otro "tipo" de películas más directas vía gratificante erección.

[Nueva pausa para irme al baño………… a destrozarme………mmmm … ¿a destrozarme?]

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Pues eso, la primera estrella la regala la esta gran página (boing, boing, boing, boing, boing, boing…………………… y boing).

Maldito Bastardo

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Afirmar que Todd Solondz es un director que despierta odio o admiración resulta ya anacrónico. Desde que se diese a conocer con la sorprendente y brillante "Bienvenidos a la casa de muñecas" y se confirmase con esa genialidad de la perversión, crueldad y morbo resueltos por la vía cómica-irónica llamada "Happiness" su legión de fans crece al mismo tiempo que se le veta, se atrasan sus estrenos, las distribuidoras se lo piensan dos, tres, cuatro.... veces y la salida de sus películas en dvd o estreno minoritario en salas españolas se cuenta por años de retraso.
¿Podemos decir que es ya, hoy por hoy, un cineasta maldito? Aunque, ¿no lo era ya? ¿Acabará vendiendo sus órganos para producir su próxima película?

"Palíndromos" es una nueva entrega muy buñueliana (“Ese oscuro objeto del deseo”) y freak (toda la retahíla del cine de Solondz). Un cuento malsano y surrealista con mucha y demasiada ración de crueles sketches y diálogos, que le confirma como uno de los directores americanos más destacados de cine I-N-D-E-P-E-N-D-I-E-N-T-E actual.
Una especie de híbrido indefinible entre John Waters, Woody Allen y Tod Browning.

No quiero desvelar absolutamente nada sobre las "múltiples" aventuras de Aviva ni sus encuentros en la tercera fase, ni de la crítica mordaz sobre la doble moral que encierran esas morbosas y divertidas situaciones.
Sus aventuras de cuento sin hadas (o Back freak boys en su defecto) son así, como un palíndromo, como un viaje de ida y vuelta, como un mundo aparte donde ocho actrices se relevan y vuelven a ser la misma, pero ningún espectador podrá volver al mismo punto (para bien o mal) cuando visione "Palíndromos".

Maldito Bastardo

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Se puede contar esta misma historia de mil y un maneras. Tantas, que cualquier telefilme de sobremesa puede dar más pistas evidentes, pero hacerlo con tanta sutileza e inteligencia como en el guión de Todd Field pocas.

“En la habitación” habla de la superación de una tragedia antinatural, prima hermana de la también recomendable “La habitación del hijo”. Ambas realizadas el mismo año y a miles de kilómetros de distancia, pero en la película de Field existe además otro interesante y añadido punto de vista más americano: la muerte es tan antinatural (un hijo fallece antes que los padres) como artificiosa (es un homicidio).
En el fondo pertenece a los cimientos de la naturaleza, como esas langostas que no pueden estar en la misma jaula: “Como dice el refrán: dos se llevan bien, tres se quieren matar”. Field así va a tratar a sus personajes como animales en un quirófano, diseccionando sus emociones y sentimientos con un bisturí tan afilado como inteligente: sus diálogos, silencios y acciones.

Sissy Spacek, Tom Wilkinson y Marisa Tomei están simplemente estupendos, aunque ninguno de ellos (incluido el propio Field) contaba con otra tragedia antinatural en forma de aviones controlados por terroristas; un hecho que hizo explotar otros resortes en la gala de los Oscars del 2002, donde la mediocridad aliada con Ron Howard salió victoriosa.

En la terna junto a otros dos filmes de esta década tan aparentemente simples, basados en formulas vistas y trilladas como maduros e inteligentes (“Una historia de violencia” y “Mystic River”).
Pero la gran pregunta que me viene a la cabeza es el porqué lavan todos estos personajes sus pecados en un baño tan cristiano como purificador.
Tal vez porque al final de todo ese viaje de culpabilidades y faltas queda el vacío, el silencio y la difícil decisión de tomarse un café. Aunque claro, así es América.

Maldito Bastardo

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El cine de animación siempre ha sido menospreciado y subvalorado por un amplísimo sector de la crítica. Ni siquiera un merecidísimo Oso de Oro para “El viaje de Chihiro” ha cambiado el panorama y ahora con “Azur y Asmar” resuenan los mismos comentarios: es una película de ‘dibujitos’ para los más pequeños o no tiene alicientes para los adultos.

Es cierto que la nueva obra y definitiva confirmación de Michel Ocelot no entra dentro de los terrenos que conocemos como ‘animación para adultos’, pero esto no debe suponer un rechazo por la utilización de adornar sus mensajes a través del envoltorio de un cuento infantil, de enmascarar lo explícito con lo implícito.
Y “Azur y Asmar” habla de temas candentes y actuales: La llamada “alianza de civilizaciones”, la inmigración, el racismo y la intolerancia, el odio que conlleva y genera el rechazo e incluso el sexo interracial o los intercambios de pareja.

A Ocelot le encanta mostrar pechos femeninos en sus películas y aquí el comienzo con esa nodriza amamantando a Azur y Asmar y enseñándoles para quién es madre o nodriza debe constar como una de las metáforas más tiernas del cuento infantil moderno. No es la única: en esa búsqueda del Hada de los Djins aparecen numerosas secuencias mágicas para el recuerdo salpicadas de una lluvia de colores y matices, de convertir por un momento a los adultos que las presenciemos en unos niños receptores de sus sabias moralejas y que podamos pensar por un momento que la historia de Azur y Asmar se podría repetir en un chalet de la Moraleja con una ‘sudamericana’ sin papeles amantando a dos niños de diferentes razas, país de origen y futuro.

Maldito Bastardo

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