En los años 90, Helen Fielding publicaba una novela que iba revolucionar al público femenino: "El diario de Bridget Jones", retratando a partir de una joven inglesa, todos los traumas, miedos e inseguridades de las mujeres modernas que rondan la treintena. Naturalmente el éxito editorial no iba a pasar desapercibido para los productores cinematográficos y poco tiempo después Renée Zellweger aparecía en las pantallas asumiendo la personalidad de Bridget Jones,componiendo un personaje obsesionado con el peso, el tabaco y una relación más estable. A pesar del culto que vivimos en nuestros días, lo cierto es que solo unos cuantos, y unas cuantas, están contentos con el cuerpo que tienen, y ya no hablemos de las relaciones, por lo que es inevitable que un buen sector de la población femenina se sienta identificada con el personaje creado por Hellen Fielding. Lógicamente la segunda parte tanto de la novela como de su adaptación cinematográfica estaba cantada. Si en la primera parte dejamos a Jones con Darcy (interpretado por Collin Firth), en esta segunda parte parece que las cosas le van bien, sin embargo, las inseguridades vuelven a aflorar personificadas en la atractiva ayudante de Darcy, y en la sombra de Daniel Cleaver (Hugh Grant) siempre acechante. La directora del film Beeban Kidron, envuelve toda esta trama en un intento de mezcla entre la típica comedia americana de la época muda (la de los pasteles en la cara, resbalones, etc, también llamada "slapstick") con la conocida "screwball" de la comedia clásica americana, consiguiendo que el personaje de Bridget Jones pase a ser considerado con una neurótica cretina que por sus miedos echa a perder lo que tanto le había costado conseguir, y de paso nos ofrezcan una galería de resbalones, caídas y demás que la hacen parecer torpe, con lo que en esta ocasión hay una mayor distancia con el (torpe) personaje de Bridget Jones y su público femenino. En esta segunda parte es quizás el personaje de Hugh Grant el que más sale ganando, sobretodo porque Grant, demasiado etiquetado en comedias facilonas, mejora muchos enteros componiendo un personaje antipático, macarra, chulo y mujeriego (en las antípodas de lo que nos tiene acostumbrados). El film por lo menos hace pasar un rato agradable que en el fondo es de lo que se trata.

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El guionista Tony Gilroy debuta tras las cámaras con un relato crítico y con demasiadas buenas intenciones.

Michael Clayton (interpretado por un George Clooney desaliñado para la ocasión) es un abogado de éxito pero que lleva varios años sin pisar un juzgado. Su especialidad son los acuerdos precisamente para evitar los juicios. Sin embargo, un buen día, su mejor amigo, el también abogado Arthur (Tom Wilkinson) parece perder la cabeza justamente cuando tiene entre manos un caso muy importante y delicado. Esto generará una convulsión en el modo de ver las cosas del cínico Clayton, y se decidirá a actuar.
El film viene a denunciar la actividad, no solo de determinadas empresas (en este caso una compañía química, pero podría haber sido cualquier otra), sino de los buffetes de abogados que las protegen de todo mal. El film tiene sobretodo implicaciones éticas, ya que esta contado desde el punto de vista de estos abogados que han perdido sus valores (y sus escrúpulos) en favor de una vida acomodada, hasta que finalmente despiertan del adormecimiento en que estaban sumidos.

En este sentido, el film no ofrece nada nuevo, ya que no es la primera película en la que alguien que ha basado toda su vida en una mentira o en un fraude reacciona y ayuda a socavar a la organización que antes había formado parte. En definitiva, un relato plagado de buenas intenciones, que arroja una mirada crítica sobre determinados males de la sociedad, protagonizada por un George Clooney que parece haber emprendido una cruzada en ese sentido (teniendo en cuenta su participación en films como "Buenas noches y buena suerte" y "Syriana").

Al igual que el protagonista está detrás de una mirada crítica desde su posición de estrella cinematográfica. De todas formas Tony Gilroy compone un buen film, bien amarrado a un guión efectivo, y contado a buen ritmo, contando además con buenas actuaciones, además del propio Cloony, destacar a un eficaz Tom Wilkinson y la aparición del propio director Sidney Pollack, en un papel que parece la continuación de la interpretación que ofreciera en "Eyes wide shot", personificando y justificadno el pensamiento de estas empresas y corporaciones que pretende denunciar el film.

Quizás el principal problema del film es que transita por un camino por el que ya han pasado otros cineastas, aunque intenta revestirlo como si fuera algo nuevo. De todas formas es un film interesante.

manulynk

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Billy Wilder volvía a sus orígenes para contarnos una historia en clave de comedía ácida como sólo él sabía hacerlo. Ya el título es una declaración de principios. "Uno, dos, tres", representaba la forma enérgica que tienen los jefes de dirigir las empresas (uno esto, dos, aquello, tres lo otro....), y el film es el reflejo enérgico de ese tipo de órdenes. El film empieza en Berlin, prácticamente después de la II Guerra Mundial, donde James Cagney interpreta a un ambicioso directivo de la famosa empresa Coca-Cola, que ve su destino como un castigo, y que como cualquier tipo ambicioso que se precie aspira a un puesto mejor. Sin embargo, la díscola hija del jefe de la compañía lo puede hechar todo a rodar cuando se enamora de un joven e idealista comunista.

Como en todas las películas de Wilder, el sólido guión es la base sobre la cual se articula toda la película, manteniendo un ritmo frenético durante todo el metraje que va "in crescendo" hasta un final de vértigo que empieza cuando el joven deja embarazada a la hija del mandamás el cual está a punto de llegar a Berlín.

Aunque el film tiene un claro tono de comedia, subyace por debajo esa acidez y ese humor corrosivo que caracterizaron a Wilder. El trasfondo es una visión de los dos mundos contrapuestos que iban a dividir el planeta en aquello que se llamó "el telón de acero". No hay nada que represente al capitalismo que la Coca-Cola. Tanto la hija del jefe es como el joven comunista, son dos símbolos del capitalimo y del socialismo, ambos jóvenes e inocentes que se dejan seducir por las aparentes bondades de ambos sistemas económicos. Y al mismo tiempo manipular. Aquí es donde entra el ambicioso personaje de James Cagney el cual no duda en hacer lo que sea por evitar el escandalo que su jefe se entere que su hija se ha enamorado de un comunista (aunque explicado en clave de comedia), para posteriormente arreglarlo y maquillarlo todo para quedar bien y conseguir ese ansiado traslado.

Tras las risas y carcajadas de las situaciones, se esconde un análisis preciso de ambos sistemas económicos, y el hecho que al final el joven comunista acabe en el lado capitalista no es más que lógica conclusión del enfrentamiento entre capitalismo y comunismo. Algo que ya Wilder nos mostró varías décadas antes de que sucediera. Evidentemente, la sociedad de consumo ofrece muchas más posibilidades que la restrictiva (e idealista) sociedad comunista. Y conste que Wilder no hace apología del capitalismo, ya que esto es asumido con una cierta amargura por el cineasta. El último fotograma (que no voy desvelar) lo deja bien claro.

Excelentes interpretaciones (impresionante Cagney en un registro alejado de los arquetipos que había interpretado), excelente guión y excelente dirección. Wilder nos ofrece otra de sus grandes comedias, no tan famosa como otras a la misma altura.

Una película que se podría mostrar en los colegios cuando tocase explicar el capitalismo y el socialismo.

manulynk

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En los últimos años, la capacidad de una película de sorprender al espectador se ha reducido considerablemente. Mirando el reparto y el despligue de medios para conseguir que se hable del film antes de su estreno, ya se puede intuir un éxito de taquilla. A pesar de ello, cada año aparecen películas de factura más o menos modestas, las cuales, sólo gracias a su propio valor y a la transmisión “boca-oreja” consiguen arrastrar al público a las salas.

Este film es uno de estos ejemplos de cómo una película modesta consigue que prácticamente todo el mundo hable de ella (y naturalmente la vea). Dirigida por el prácticamente desconocido Peter Cattaneo, el film nos introduce (a través de un irónico NO-DO en el que nos narran sus excelencias industriales) en la ciudad de Sheffield, de la era post-Thatcher (aunque las referencias políticas están totalmente ausentes en este film), una ciudad deprimida tras una época de esplendor y en el que el paro parece ser el segundo apellido de muchos de sus habitantes.

Para salir de la situación tan precaria en la que se encuentran, un grupo de parados, liderados por Robert Carlyle decide ofrecer un show de “strip-tease” masculino. Con este planteamiento tan sencillo, el director Peter Cattaneo nos habla en clave de humor de cosas muy serias, sin perder por ello un ápice de profundidad. Aquí, el puñado de desempleados no van a hacer ni paros laborales, ni huelgas de hambre, ni proclamas incendiarias contra los políticos o la situación social en la que se encuentran.

El mecanismo para recuperar su dignidad perdida (junto con su empleo) será paradójicamente quitarse la ropa. Con un tono que recuerda mucho a la tradicional comedia británica, aprovechando al máximo las situaciones, y con un conjunto de “gags” muy bien estudiados, y apoyados sobretodo en un reparto creíble y muy humano que consiguen transmitir al mismo tiempo la desesperación y las risas, aunque el director consigue que el film se encauce claremente por el terreno de la comedia. Desde la modestia de sus planteamientos, Cattaneo dio una sonora campanada con esta película tremendamente divertida.

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Tras el éxito de la adaptación de Batman, el mismo equipo acometió la tarea de continuar las andanzas del hombre murciélago. La aceptación de la propuesta de Burton, le dio amplio margen para profundizar en la línea marcada en la anterior película.

En esta ocasión los enemigos de Batman son el Pinguino (interpretado por Danny De Vito) y CatWoman (Michelle Pffeiffer), aunque como en la primera parte, Burton realiza un tratamiento ambigüo de las relaciones entre el héroe y los villanos, identificándose con ellos. El oscuro y atormentado Batman, entiende a estos marginados, ya que él mismo lo es. Aunque en realidad el verdadero "malo" del film no tiene poderes ni va disfrazado.

En realidad es un hombre, Max Shreck (interpretado por Christopher Walken) el verdadero villano, idea que subyace en el film y que de alguna forma entronca con el universo burtoniano. Por lo demás el film sigue, a grandes trazos la misma composición que el anterior, con una trama "para todos los públicos", bastante plana, con la banda sonora, una vez más del genial Danny Elfmann, y que desde luego no está exento de momentos espectaculares (aunque lo cierto es que lo más espectacular es contemplar las curvas de la Pffeiffer embutida en el cuero negro de CatWoman).

Sin embargo, al profundizar aún más en esa línea oscura (muy en la línea del creador del comic de hecho), el film se alejó un tanto de los gustos del gran público, motivo por el cual la aceptación de la obra ya no fue tan mayoritaria como la primera. Eso explica que la relación entre Burton y Batman acabara aquí, dejando eso si, el pabellón bien alto. Al menos para la legión de seguidores de Burton.

manulynk

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