“The mist” es de notable alto porque, monstruitos aparte, la peli de Darabont transmite con extraordinaria convicción la tensión y el pánico que padecen un heterogéneo conjunto de personas refugiadas en un supermercado de Maine ante el asedio de una enigmática amenaza exterior camuflada entre la niebla.

Ese pavor y las diferentes reacciones que irán adoptando todos y cada uno de los afectados constituyen, a mi entender, la mejor de las virtudes de este film. Partimos de la base que una buena peli de terror requiere de la consecución de un clima de angustia verosímil y eso, lamentablemente, es algo de lo que adolecen la mayoría de productos asociados a dicho género en los últimos veinte años. Por eso mismo celebro que Darabont no haya sustentado su peli en la infografía o en el gore y que haya preferido incidir con eficacia en el aspecto psicológico y social. Desesperación, desfallecimiento, instinto de supervivencia, canguelo, serenidad, fanatismo, valor... constituyen algunos de los atributos psicológicos de los personajes del film que, convenientemente zarandeados en esa perversa coctelera humana en la que se hallan, desatarán imprevisibles conflictos y fatídicos desenlaces.

Una peli bien resuelta, en suma, que hará las delicias de los adeptos a Stephen King y que repateará el hígado a todos aquellos recalcitrantes gafapastillas empeñados en negarle el pan y la sal al de Portland. Pese a todo, estoy convencido que algún día la historia lo resarcirá de todos estos agravios y el bueno de Stephen compartirá laureles junto a Poe, Eliot, Lovecraft y demás iconos de la literatura de terror. Y si no, tiempo al tiempo.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Mientras tanto, King seguirá partiéndose la caja en su mansión de Bangor, hinchando su cuenta corriente y recibiendo en audiencia a toda esa caterva de productores de jolibú que cada día le besan impúdicamente el culo para adquirir los derechos de sus defenestradas novelas.

Taylor

(ver vista para enlazar)

Insobornablemente fiel a su libreto de estilo, Leone emprende con “Once upon a time in America” su segundo proyecto de despedida u homenaje al cine genuinamente americano. Esta vez situando el marco de acción en la Nueva York de los convulsos años 20 y 30. Quizás, en esta ocasión, el gran Sergio no alcanza por muy poquito la inigualable apoteosis conceptual y artística que había conseguido previamente con “Once upon a time in west”. Tal vez pedirle a Leone tocar el cielo por segunda vez y conseguir que todos los ángeles del firmamento ondeen nuevamente banderas celestiales resulte abusivo. Cuestión de matices. En cualquier caso eso no significa que la peli en cuestión sea floja. Ni mucho menos. Es sublime.

Leone imprime a su trabajo el habitual tono operístico que le caracteriza y que brota de una serie de puntales que siempre le han proporcionado excelentes resultados. El italiano intuye como pocos el efecto estético y emocional de sus movimientos de cámara en el propio espectador y exprime al máximo su rendimiento. No contento con ello, el meticuloso cineasta concede a la puesta en escena la valía que se merece, obteniendo con ello ese empaque lírico que ha forjado su prestigio. Pero eso no es todo. El gran Sergio sabe que esto del cine es un trabajo en equipo y que tanto la música de Ennio Morricone como la fotografía de Tonino Delli Colli son casi siempre garantía de éxito. Por si fuera poco el elenco de estrellas que configuran el reparto es espectacular: Robert de Niro, James Woods, Danny Aiello, Joe Pesci, Elizabeth McGovern, Treat Wiliams, una jovencísima Jennifer Connelly… La obsesión, la efervescencia, la avidez de Sergio no tiene límites. El entusiasmo le empuja a desarrollar, a su ritmo, una hermosísima y melancólica historia de cuatro adolescentes de los suburbios de Manhattan (Noodles, Max, Patsy y Cockeye) que, al abrigo del hampa neoyorquina, llegarán a lo más alto. Sin límite de metraje, por supuesto. Tres horas y media de duración dan fé de ello. No obstante, la peli no aburre en ningún momento. El pulso narrativo es brillante y la trama no decae. Cierto es que las elipsis enriquecen el conjunto y que las contundentes dosis de violencia y sexo que nos suministra Leone nos mantienen enchufados a esta soberbia epopeya de gángsters como perritos falderos pero, insisto, sujetar al espectador inmovilizado en su asiento durante cerca de cuatro horas tiene su mérito. Pocos directores son capaces de manejar semejantes metrajes esquivando el sopor como lo hace el italiano.

(sigue en spoiler)

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Un único pero. Pequeñito.

“Once upon a time in America” tropieza superficialmente por sus irrefrenables excesos, por el lastre de una ambición desmesurada. El postrer epílogo leoniano, a mi entender, carece de la mística, de la magia, del pálpito que infundió su director a “Once upon a time in west” y con el que nos hizo levitar al resto de los mortales. Sólo eso la separa del diez, de la perfección. Aún así, el segundo testamento de Leone sigue siendo una incontestable obra maestra.

Un nueve.

Taylor

(ver vista para enlazar)

Pasajeras o no, las nubes a las que alude Kaurismäki simbolizan a la perfección la peculiar reacción ante las penalidades de la vida que distingue la taciturna idiosincrasia escandinava. No son de extrañar, pues, las elevadas tasas de depresiones, suicidios y masacres estudiantiles en unas latitudes cuyos habitantes poseen tanto salero como el del Molt Honorable President Montilla contando un chiste verde. Coñas aparte, jamás había visto plasmar la tristeza en una gran pantalla con semejante frialdad y aspereza. El finlandés nos reseca el gaznate con ese cine suyo tan astringente, ese cine que prescinde premeditadamente de cualquier recurso melodramático, de cualquier tipo de aspaviento o patetismo superfluo, para estremecernos con un discurso contenido, amargo y extraordinariamente despiadado. Kaurismäki ejecuta con la precisión y la sangre fría de un médico forense una brillante tesis sobre la fatalidad humana, un irreprochable ejercicio sobre esa aterradora nube de la desdicha que fluctúa a su libre albedrío y que amenaza de ceñirse sobre nuestras cabezas todos y cada uno de los días de nuestra miserable existencia. Sí, ya sé que suena tremendamente pesimista. Disculpadme. He tenido un mal día y encima el muy cabrón de Kaurismäki me abofetea con este retrato urbano tan desolador… Por fortuna no soy finlandés… Uff!!!

Taylor

(ver vista para enlazar)

Bonita historia de amor adolescente cuya particularidad más relevante radica en que ésta se desarrolla entre dos monadas de catorce años en una pequeña población sueca. He de confesar que, tras la experiencia previa de “Lilja-4 ever”, esperaba encontrarme con una obra algo más bizarra y transgresora, pero aún así, “Fucking Ämäl” no decepciona en absoluto, puesto que trata con suma franqueza y sentido ético un tema tan morboso como inmemorial.

Supongo que a día de hoy dicha coyuntura no escandaliza tanto como antaño pero, en cualquier caso, estimo digno de mención su tratamiento realista. Un tratamiento que, afortunadamente, esquiva tanto el dramatismo exacerbado como el enfoque moralista y que refleja con naturalidad y verosimilitud el acontecer de esa problemática educacional que supone la elección y la aceptación de una orientación sexual distinta a la de la mayoría.

El inefable estilo docudramático de Moodyson consigue que el espectador empatice y se implique con mayor rapidez e intensidad en esta historia de conflicto interno y externo (no olvidemos que la etapa adolescente conlleva una doble carrera de obstáculos para cualquier homosexual: la personal y la social) y ése es, a mi juicio, su mejor logro. Tal vez por ello “Fucking Ämäl” manifieste, instintivamente, un talante pedagógico encomiable.

Personalmente creo que la peli de Moodyson podría haber dado algo más de sí haciendo mayor hincapié en el ámbito familiar o en el debate interno de Agnes, pero tratándose de una ‘opera prima’ el sueco no se hace el ‘sueco’ y ofrece suficientes destellos de calidad como para no reprocharle mayor atrevimiento.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Pelis como ésta deberían hacernos recapacitar para darnos cuenta de que referirnos a cualquier miembro del colectivo homosexual con apelativos tan ingeniosos como ‘maricón’ o ‘tortillera’ resulta tan deleznable y absurdo como si a cualquiera de nosotros nos trataran de ‘foca’, ‘retaco’, ‘paticorto’ o ‘calvorota’. Yo tengo poco pelo, pero a quien me llame ‘calvorota’, me lo ‘como’. Tranquil@s; es un decir...

Taylor

(ver vista para enlazar)

Me la vendieron como un ‘clásico de culto’, como ‘un hito en la carrera de Michael Mann’. Al menos eso mismo era lo que glosaba la contraportada de la carátula del DVD. Ni se os ocurra plantearos su veracidad. Monsergas. Probablemente pensaréis que soy un completo estúpido al creerme los enfáticos comentarios promocionales que suelen incluir las contraportadas de cualquier peli en VHS o DVD, por mala que sea. Pero no, no soy tan ingenuo como parece.

Me compré la peli porque solo valía 5 eurillos y porque quería comprobar cómo se había gestado la leyenda de Hannibal Lecter.

Y esto último es lo único interesante que puede aportar “Hunter” a cualquier incauto espectador que, como yo, se trague esta peli de principio a fin. Mann traslada a la gran pantalla la novela de Thomas Harris (“El dragón rojo”) para auspiciar, sin tan sólo sospecharlo, la concepción de una de los thrillers más extraordinarios de la historia del cine: “El silencio de los corderos”. Solo por eso le adjudico cinco estrellitas. Por nada más.

Por lo demás, la peli de Mann no deja de ser el típico thriller modesto de los ochenta, con un guión desaprovechado, aspecto inefablemente telefílmico y actores de segunda o tercera fila a los que no se les puede pedir milagros.

Si queréis seguir manteniéndole cierto respeto a Grissom (CSI), evitaros esta peli.

Taylor

(ver vista para enlazar)