Decimoséptimo largo de Truffaut, rodado tas "El amante del amor" (1977). Escrito por Truffaut y Jean Gruault, se basa en "El altar de los muertos" (1895) y otros relatos ("Los amigos de los amigos", "La bestia en la jungla") del novelista americano Henry James. Se rueda en exteriores e interiores reales de Francia (Caen, Calvados, Figuefleur-Equainville, Honfleur). Es nominado a un César (fotografía). Producida por Truffaut, se estrena el 5-VI-1978 (Francia).

La acción tiene lugar en Francia, a finales de los años 20 del s. XX. Julien Davenne (Truffaut) es un modesto periodista de un diario de provincias, especializado en notas necrológicas, viudo, con sentimientos de culpa y obsesión por la muerte. Guarda en la habitación verde de su casa objetos y recuerdos de su esposa, que falleció a los 22 años, unos 10 años antes.

La película es una obra profunda, seria y desolada. Sitúa la acción en una atmósfera densa, lúgubre y opresiva. Es la obra menos comercial del realizador (fracasó en taquilla y se retiró casi enseguida del circuito comercial). Es un film árido, pausado, de tintes góticos (paseo por el cementerio en plena noche, capilla iluminada por un bosque de velas, etc.), intimista y de difícil lectura para el gran público. Sobre él planea la sombra de Robert Bresson, el maestro de Truffaut. Posiblemente es la obra más romántica del realizador: en ella el protagonista se mueve entre el recuerdo del amor a la esposa y la historia de un amor imposible con una joven amiga a quien agrada, también, recordar a sus muertos. El autor muestra su afición por los personajes con obsesiones compulsivas y con problemas de vulnerabilidad emocional y equilibrio psicológico. Reitera su afecto por los niños, en especial por los que tienen problemas (Georges es sordomudo). La evocación de la muerte, una constante del autor, alcanza aquí su punto culminante. La piromanía de Truffaut se muestra con claridad, al igual que en otras dos obras anteriores ("Las dos inglesas y el amor" e "Historia de Adela H."), con las que forma su "trilogía de las llamas". Las fotografías que muestra de sus muertos corresponden a personajes por los que siente admiración, como Oscar Wilde, Jean Cocteau, Marcel Proust, Guillaume Apollinaire, Henry James, Maurice Jaubert y, también, Oskar Wermer (coprotagonista de "Jules y Jim"). La cinta deja constancia de la pasión del autor por el cine, la literatura, la música y la fotografía.

La música es de Maurice Jaubert, compositor fallecido en 1940. Se ofrecen fragmentos del "Prelude", "Chanson", "Choral varié" y "Ricercare", de su "Concert Flamand". La fotografía, de Néstor Almendros, sobresale por su corrección formal y belleza plástica. Es notable la interpretación de Truffaut, al que acompaña con sabia discreción Nathalie Baye en el papel de Cecilia Mandel. El film, no estrenado en España, es una obra clave del realizador.

Miquel

[ver vista para enlazar]

Realizada por Bergman tras su regreso a Suecia, después de la estancia en Alemania por acusación infundada de evasión de impuestos. Obtuvo 4 Oscar (decoración, fotografía, vestuario, película en lengua no inglesa), 1 BAFTA (fotografía), 1 César (película extranjera), 3 David di Donatello (película extranjera, director de película extranjera), el FIPRESCI de Venecia y otros premios y nominaciones.

La acción tiene lugar en una ciudad sueca de provincias, similar a Upsala, en la tercera década del XX. Narra los recuerdos infantiles de un año de la vida de Alexander, de 10 años, vistos con ojos infantiles, que se cruzan con la mirada serena y madura del mismo a los 60 años. Los protagonistas del relato son el muchacho; su hermana Fanny, de 8 años; la madre de ambos, Emily; la abula paterna, Helen; el padre, Oscar Ekdahl y el padastro, Edward Vergerus. La película recrea y exalta la vida alegre y festiva de una familia que se reúne para celebrar la Navidad con un almuerzo (a las 4,30 h.), seguido de una larga sobremesa para los mayores y juegos para los chicos. La espléndida decoración de la casa de Helen, su colorido cálido y su luz vibrante, refuerzan el ambiente de fiesta y diversión colectiva. La muerte del padre y las segundas nupcias de la madre llevan al muchacho a una casa gótica y fría, en la que el padastro somete al niño a humillaciones, abusos morales y castigos físicos, en una sugestiva evocación de que el arte (encarnado por el muchacho) es incompatible con la intolerancia, el dogmatismo y la crueldad. El comerciante judío Isak Jacobi, amante de Helen, lleva a los niños a una casa que parece una cueva inmensa de objetos multicolores, que incitan la imaginación de Alexander, con ayuda de algunos trucos a cargo de un sobrino de Isak. Allí un personaje ambíguo y mentalmente enfermo, Ismael, abusa del chico y lo humilla lacerantemente. Según la película, cabe en la persona humana la alegría, porque en ella el amor es posible, si bien nunca el ser humano podrá superar del todo sus amarguras y sus temores profundos.

La música recoge fragmentos de tres autores: Benjamin Britten (cello), Robert Schumann (cuerda y piano) y Chopin (piano solo), que animan y explican el desarrollo de la acción. Forman parte de la música las canciones que interpreta la familia. La fotografía mueve con sabiduría la cámara, explora primeros planos de los rostros y ofrece composiciones magistrales en formas y color. El guión define bien a los protagonistas, desgrana la historia con parsimonia y aporta unos diálogos excelentes. La obra, pensada como 5 capítulos de TV, con un metraje de 300', se acorta a 180'. Es recomendable la versión larga. La dirección se sitúa a la altura de las mejores del autor.

Película intimista, dramática y evocadora, narrada con maestría, interpretada con brillantez y fotografiada con sabiduría cinematográfica. Exalta el cine, el teatro, la lectura, la magia, la fantasía y el amor. Imprescindible.

Miquel

[ver vista para enlazar]

Superproducción de gran presupuesto, dirigida por Spielberg. Se rodó en China y algunas escenas, en Trebujena (Andalucía). Se inspira en la novela autobiográfica (1984) de James Graham Ballard.

La acción comienza en Shanghai poco antes de la invasión japonesa del 8-XII-1941 y continúa en el campo de concentración de Shoo Chaw para civiles británicos. Narra la historia de Jim (Christian Bale), un muchacho de 11 años, separado de los padres, confinado durante casi 4 años en un campo de concentración, donde vive el tránsito de la infancia a la adolescencia, hasta que es acogido por la Cruz Roja.

La película muestra el dolor de los prisioneros, sus penalidades e incertidumbres, su incomunicación, el escaso espacio vital, la insuficiencia de alimentos y medicinas y el trato vejatorio que soportan. Jim, a lo largo de su reclusión, desarrolla una actividad febril: atiende a pequeños y mayores, toma clases, intercanvia objetos, cumple recados y sueña con aviones. Entabla amistad con un personaje singular, Basie (John Malkovich), líder de un grupo de pilotos norteamericanos, que estimula su curiosidad y su fantasía. La narración se presenta desde la mirada inocente de Jim. Hacia el final, cumplidos los 15 años, su capacidad de comprensión le vuelve más cauto y menos espontáneo. La obra hace un elogio apasionado de la infancia, puesta a prueba en situaciones extremas. Sus andanzas, correrías, peripecias y ocurrencias, aportan encanto y simpatía. Son escenas destacadas las de la multitud aterrada por la invasión japonesa, la separación de los padres, la marcha a través de una ciénaga a la captura de un faisán con peligro de la vida.

La música comienza con el tema "Suo Gan", cantado por un coro de voces blancas, y concluye con el "Exultate iusti", de Ludovico Grossi da Viadana. Añade temas originales, como "Cadillac of the Skies" y "Toy Planes, Home and Heart", que reiteran el motivo principal. La orquesta (viento, prcusión y cuerdas) se complementa con solos de piano y de flautas orientales. La fotografía hace gala de los recursos más gratos al director: contraluces, primerísimos planos, contrapicados, travellings espectaculares y movimiento de multitudes. Destaca los puntos de mayor atención del niño: el avión de juguete, la bicicleta, los aviones japoneses. El guión desarrolla la acción a un ritmo intenso, similar al de la vida de Jim. La interpretación de Christian Bale, en su debú en cine, es acertada, natural y desenvuelta. Le abrió las puertas de una nueva interpretación casi inmediata. Malkovich borda un papel singular y difícil. La dirección cnstruye una obra próxima a la perfección formal, que complace y deleita, aunque queda algo corta de emoción y fascinación.

La película no consiguió el éxito de púbico previsto y pasó al conjunto de obras olvidadas, pese a su indudable interés. Tratan el tema de la infancia y la guerra obras memorables como "Los ángeles perdidos" (1948) y "La vida es bella" (1998).

Miquel

[ver vista para enlazar]

Ópera prima de Andrei Tarkovsky, que sustituyó al director titular poco después del inicio del rodaje. Se basa en el relato "Iván" (1958), de Vladimir Bogomolov. Rodada en blanco y negro, ganó el León de oro de Venecia, el Golden Gate Award (director) y otros premios. J. P. Sartre le dedicó un artículo muy elogioso.

La acción tiene lugar a orillas de Dnieper en los últimos meses de la II GM. Narra la historia de Iván, un muchacho huérfano, de unos 12 años, que perdió la madre y la hermana a manos de soldados nazis y cuyo padre, guardia fronterizo, se halla desaparecido. La acción se desarrolla en el tiempo que media entre el regreso de una misión de exploración tras las líneas enemigas y el inicio de otra misión similar.

La película muestra a un muchacho decidido, voluntarioso, listo y obstinado, que cumple misiones de espionaje en zonas ocupadas por tropas nazis. La información que reúne sobre emplazamientos militares y movimientos de tropas enemigas es de gran utilidad al mando superior. Su figura corresponde a la del héroe infantil, capaz de cumplir con éxito misiones de alto riesgo gracias a su agilidad, astucia y corta estatura. Encarna, además, la figura trágica del niño destrozado interiormente por la guerra, movido por deseos incontenibles de vengar la muerte de la madre y la hermana, incapaz de vivir sin participar en la lucha y de aceptar las indicaciones superiores para que se incorpore a la Academia militar. Iván, más que un héroe, es una víctima de la guerra, que lo ha convertido en una persona de comportamientos compulsivos y vengativos. La guerra no sólo mata a los caídos, también mata interiormente a muchos de los que quedan con vida. La obra se erige en un alegato convencido y convincente contra la barbarie de la guerra, contra todo tipo de violencia y contra la venganza. Son escenas destacadas las del regreso de Iván a las bases rusas, su sueño de la mariposa, la visión del centro de tortura que descubren las tropas rusas tras la toma de Berlín y el breve documento visual de los hijos de Goebbels.

La música, original de Sviacheslav Ovtchinnikov, fue dirigida por E. Khatchaturian. La fotografía hase uso de recursos expresionistas (proyección de sombras, encuadres inclinados, rostros desfigurados, edificaciones derruídas, etc.). Se apoya en secuencias largas y en primeros planos de gran expresividad. La narración visual es de gran belleza plástica. El guión desarrolla una historia trágica, que el director utiliza para combinar sucesos, sueños, imaginaciones y alucinaciones, que confieren al relato lirismo y ensoñación. La interpretación de Iván y de los militares a los que sirve son convincentes, pese a las críticas posteriores de Tarkovsky a Kolia Burliaiev (Iván). La dirección aporta algunas de las constantes de su obra posterior, como la afición al agua.

Película más compleja de lo que aparenta, de gran belleza visual, que emociona hasta el escalofrío.

Miquel

[ver vista para enlazar]

Segundo largometraje de Michael Cimino y el más relevante de su filmografía (7 films). El guión, de Deric Washburn (“Naves misteriosas”, 1972), desarrolla un argumento de M. Cimino, Deric Washburn, Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker, inspirado en la novela “Three Comrades” (1937), de José María Remarque. Se rueda en escenarios naturales de Tailandia (Bangkok, Río Kwai...) y EEUU (Cleveland, Pensilvania, Washington y West Virginia), con un presupuesto de 15 M USD. Nominado a 8 Oscar, gana 5 (película, director, actor reparto, sonido y montaje). Producido por Barry Spikings, Michael Deely, M. Cimino y John Peverall para Universal/EMI, se estrena el 8-XII-1978 (L.A.).

La acción dramática tiene lugar en Clayrton, pequeña localidad siderúrgica imaginaria de Pensilvania, y en Vietnam, en 1968-70, unos 2 años después (1972 c.) y 3 años después (1973 c.). Michael “Mike” Vronsky (Niro), Steven (Savage) y Nickanor “Nick” Chevotarevitch (Walken), obreros rusoamericanos de una planta siderúrgica, han sido llamados a filas y destinados a Vietnam. Poco antes de la partida, Steven se casa con Ángela (Alda) y Nick se promete con Linda (Streep). Los tres amigos, junto con Stan (Cazale) y Axel (Aspergren), forman un grupo de aficionados a la caza que salen de expedición a las montañas de los alrededores con regularidad. Mike es robusto, tiene gran puntería y es el líder natural del grupo. Nick es simpático, divertido e influenciable. Steve es comprensivo y tolerante. Stan es descuidado y olvidadizo. Axel es el más bullicioso y extrovertido. Mike, Nick y Steven tienen 20 años, Stan y Axel son algo mayores.

El film suma drama, thriller y guerra (Vietnam). Es una de la primeras películas comerciales que trata de la guerra del Vietnam, que afronta con propósitos de neutralidad y deseos de evitar manifestaciones explícitas a favor o en contra de la misma. Elude escenas de combate y muestra las consecuencias de la guerra sobre las personas y las relaciones interpersonales. También se refiere a las heridas que la guerra deja en el cuerpo y el espíritu de los combatientes. La narración está hecha desde el punto de vista de los soldados, sus familias y sus grupos de amigos. No se exponen visiones de carácter general, ni análisis de contextualización. Presta especial atención a la opinión que de la guerra tienen las personas comunes, las que pueblan las calles y los locales públicos de pueblos y ciudades del país. Destacan los niveles de desinformación, falta de información y mala información que las personas corrientes tienen sobre el curso de la guerra. El realizador muestra especial acierto en la construcción que hace del dolor colectivo como suma de la aflicción de los miembros del grupo.

El film es, sobre todo, una obra de escenas memorables. Como cuadros sucesivos dan forma a un relato singular, preocupado por el sentido épico de la historia, el virtuosismo visual y la emotividad de la banda sonora.

(Sigue en el “spoiler” sin desvelar partes del argumento)

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Entre las escenas inolvidables cabe citar la de la boda por el rito ruso ortodoxo, la fiesta de la boda, la caza del ciervo, el juego de la ruleta rusa, el juego de billar en el bar, la contemplación que hace Nick desde la ventana de los sacos mortuorios alineados en el patio, la evacuación de Saigón, el garito de apuestas de la ciudad, el duelo entre Mike y Nick, etc.

Hace uso de metáforas, símbolos, alegorías y parábolas, que elevan el dramatismo de la obra. La libre interpretación de las mismas deja amplios espacios a la imaginación que en el ser humano tiende a trasmitir ideas más duras y crueles que la observación de la realidad. La ruleta rusa en cuanto juego ciego sirve como alegoría de la ceguera del pueblo americano. La sordidez de los bajos fondos de Saigón evoca la mezquindad de la guerra. La crueldad de los combatientes del vietcong configura la de los combatientes de ambos bandos. La jaula sumergida en el río para personas humanas habla del atropello de los derechos humanos y las Convenciones de Ginebra. La caza del ciervo anticipa la guerra concebida como caza de seres humanos. La locura del americano dedicado a ganarse la vida como jugador de ruleta rusa expresa la locura de la guerra. El drama familiar simboliza al drama del país, etc. La escena en la que los amigos se hallan reunidos para comer y cantan el himno “God Bless America”, no es ni un recurso amable, ni una apelación patriotera. En nuestra opinión la cámara de Cimino muestra cómo los comensales elevan una súplica, una oración, desde la desolación y el desamparo.

La obra habla de amistad, compañerismo, pluralismo cultural, religioso y étnico, sentimiento de pertenencia a una comunidad y a un país, cumplimiento de las promesas y compromisos, etc. Añade oportunos toques de humor (resbalones de Linda, bromas de los amigos, incidente de Axel en la bolera...).

La música, de Stanley Myers (“El precio de amar”, Till, 1970), ofrece una partitura original que incorpora cortes tan emotivos como “Sarabande” (solo de guitarra). Añade arreglos de composiciones tradicionales (“Troika”, “Katiuska”...), canciones populares (“God Bless America”, “Can’t Take My Eyes of You”....) y un nocturno de Chopin. El tema de amor (“Cavatina”), que es el tema principal, está tomado de la banda sonora de ”El precio de amar”. Lo interpreta magistralmente a la guitarra John Williams. La fotografía, de Vilmos Zsigmond (“La puerta del cielo”, Cimino, 1980), en color (tehnicolor) y scope, compone imágenes panorámicas, planos generales y primeros planos intimistas, de excelente dibujo y gran belleza plástica. Tiende a saturar de color las composiciones, que adquieren aspecto de representaciones pictóricas. Buenas interpretaciones del trío protagonista y de Meryl Streep.

Film sólido, vigoroso, emotivo y absorbente.

Miquel

[ver vista para enlazar]