Dirigida por Howard Hawks en colaboración con Richard Rosson, es la adaptación al cine de la novela "Scarface" (1930) de Armitage Trail (pseudónimo de Maurice Coons). Se rodó en los United Artists Studios (Hollywood). Producida por Howard Hughes y Howard Hawks, se estrenó el 9-IV-1932.

La acción tiene lugar en Chicago entre 1928 y 1930. Narra la historia del ascenso y caída del gángster Tony Camonte (Paul Muni), inmigrante italiano, llegado a EEUU en 1920 con sus padres y su hermana menor. Pasa a formar parte de la banda criminal de Luigi Costillo, que le convierte en su guardaespaldas. Tras asesinarlo friamente, su nuevo jefe, Johnny Lovo (Osgood Perkins) levanta en él enorme envidia por el lujo de su casa y la belleza de su amante, la rubia Poppy (Karen Moley). Después del asesinato de éste y de otros jefes mafiosos, se convierte en el amo de Chicago, hasta que las ansias de dominar a su hermana Francesca (Ann Dvorak) provocan su declive y su perdición.

Paradigma del género de gángsters, se sitúa entre las 3 mejores producciones de la época dorada del género (primeros años 30), junto a "Hampa dorada" (1931) y "El enemigo público" (1931). Posiblemente es la mejor de las 3. Contiene numerosos hechos relacionados con la figura de Al Capone, como el sobrenombre "Scarface", la masacre del día de san Valentín (14-II-1929), el asesinato de Big Jim Colosino y otros, pero no es su biopic. Tony dirige una terrible carrera de asesinatos, movido por la ambición de conseguir dinero y poder en la ciudad del crimen y la corrupción, en la que marca un salto cualitativo consistente en el uso de fusiles ametralladores, con capacidad de 300 disparos por minuto. Los antiguos incidentes selectivos se convierten en masacres colectivas, que se ejecutan, con impunidad, desde coches en marcha a la carrera. La obra, de violencia extrema, incluye entre 26 y 28 asesinatos, al amparo de una censura más tolerante que la aplicada a partir de 1934 (Código Hayes). Tony, despreciable y fascinante a la vez, sediento de poder y riqueza y ávido de dominación, guarda similitudes con Macbeth. El compulsivo control que ejerce sobre la hermana contiene atisbos de un amor incestuoso. Fue objeto de un "remake", "El precio del poder" (1983).

La música combina jazz, melodías bailables y ambientales de salas de fiesta, con una bonita canción interpretada por una solista. La fotografía, eminentemente expresionista, crea imágenes de gran belleza por composicón y dibujo. Hace uso de soberbios planos secuencia, frecuentes elipsis y escenas fuera de campo, que refuerzan la dimensión trágica del relato. El guión añade a la violencia trazos de humor, negro a veces y macrabro ocasionalmente, soportado en gran parte por la figura del secretario Angelo. La interpretación de Paul Muni es posiblemente la mejor de su carrera. La dirección crea con los recursos precarios de 1931/32 una película culminante.

Obra emblemática del cine de gángsters y del cine negro de todos los tiempos.

Miquel

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Segunda película americana de Lang, rodada en Hollywood. Fue producida por Walter Wanger, productor independiente ("La diligencia").

La acción tiene lugar en una gran ciudad norteamericana y alrededores en 1936. Narra la historia de Eddie Taylor (Henry Fonda), condenado tres veces por robo, y de su novia Joan Graham (Sylvia Sidney), que trabaja como secretaria del Defensor del pueblo y desde hace 3 años espera la libertad de Eddie para contraer matrimonio con él, convencida de sus buenos sentimientos. Lang construye un drama psicológico que contiene una ácida crítica social. La sociedad en la que se mueve Eddie no confía en él, no cree en la posibilidad de su reinserción, lo estigmatiza, lo excluye del trabajo y le expulsa en plena noche de una pensión en la se había alojado con su mujer. Acusado de un crimen que no ha cometido, es arrestado, juzgado y condenado a muerte por indicios (su sombrero) situados en el lugar del crimen por su antiguo compañero de celda. Lang habla, además, de la imposibilidad de la redención. Pese a los buenos propósitos de Eddie y de su matrimonio con Joan, una muchacha inocente, trabajadora y honesta, el destino le cierra los caminos de la integración. Un tercer tema que aborda Lang es el de la fatalidad que se cierne sobre la vida de personas inocentes, las conduce al fracaso y a la destrucción. Otro tema central de la película es el amor sincero, generoso, incondicional y profundo que une a la pareja, a pesar de la mala suerte, la acumulación de contrariedades y las dificultades que han de afrontar. Lang describe este amor con convicción, ternura y lirismo. La película narra, en suma, una historia de amor que deviene imposible a causa de la fatalidad y de una sociedad cegada por los prejuicios, egoista e injusta.

La música acompaña la acción acentuando los elementos trágicos y exaltando los momentos líricos. La fotografía desarrolla una narración visual brillante y conmovedora. En torno a los protagonistas crea un clima de opresión y ahogo, mediante la dosificación de la luz, la potenciación del claroscuro, la proyección de sombras claustrofóbicas y el encuadre desde abajo del muro de cierre y la caseta de vigilancia del recinto carcelario. El guión contiene expresiones conmovedoras ("Tenemos derecho a ser felices", en boca de Joan), una definición ajustada de los dos protagonistas y un giro gradual de Joan desde su optimismo inicial hasta la profunda tristeza que la embarga hacia el final. La interpretación de Fonda es excelente y la de Sidney sobresale por la fragilidad y el candor que la actriz trasmite al personaje. La dirección construye un melodrama de profundas resonancias trágicas.

Película de cine negro que, en muchos aspectos, anticipa las características del género de sus años de esplendor en los 40. Una obra clásica, que se sitúa entre las más logradas del autor.

Miquel

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Obra escrita, producida y dirigida por los hermanos Luc y Jean-Pierre Dardenne. Obtuvo la Palma de Oro y el premio a la mejor actriz del Festival de Cannes. Obtuvo otros premios y nominaciones.

La acción tiene lugar en la periferia de una ciudad belga en el invierno de 1999. Narra la historia de unas semanas de la vida de Rosetta (Emile Dequenne), una chica de 17/18 años, que vive en una caravana alquilada, en compañía de su madre alcohólica. Con la obsesión de evitar caer en el mismo hoyo que la madre, hecho de alchol y abusos, busca con ahínco un trabajo remunerado que le permita vivir dignamente y evitar la marginación. La película, filmada al modo de un relato documental, sigue las andanzas de la chica, con el propósito de ofrecer una descripción realista, directa y descarnada de la marginación, la desestructuración familiar y la exclusión social que se dan cita, sobre todo, en las zonas periféricas de las grandes ciudades europeas. No explica las causas del fenómeno, no hace indicaciones sobre sus dimensiones, no hace valoraciones explícitas. Expone una realidad sangrante, que no queda atendida por las políticas sociales de las instituciones públicas. El enorme afán de Rosetta para superar la situación en la que vive, la lleva a buscar una salida en el trabajo. Los fracasos sucesivos le hacen concebir planes desleales, deshonestos y violentos que la llenan de amargura y desaliento, pero la firmeza de su decisión le da la fuerza necesaria para continuar luchando limpiamente. Son escenas destacadas de la obra la que muestra la persecución y violenta reducción de Rosetta por dos guardias jurados cuando la echan a la calle al haber finalizado un contrato temporal; la caída en el río de la chica, que ha de afrontar grandes dificultades para alcanzar la orilla; la caída al río de Riquet (Fabrizio Rongione) y la ayuda que le presta Rosetta; la conversación de ella con si misma en la cama diciéndose y aceptando que no ha de caer en el hoyo.

La película no incluye música: la banda sonora, de sonido directo, sólo incorpora voz, sonidos asociados a la acción y sonido ambiental, al objeto de acenturar el sentido documental del film. La fotografía, que presenta la inestabilidad propia de la filmación con cámara en mano, realiza acertadas aproximaciones al rostro, manos, zapatos, etc. de la protagonista. El guión es sencillo y breve: la narración visual predomina ampliamente sobre la verbal. Los dos protagonistas debutan en el cine con trabajos convincentes, especialmente Emile Duquenne. La dirección propone una acción trepidante, sin tregua y sin descanso, como es la vida misma de Rosetta.

Película de denuncia social, de narración documentalista, de marginación y deseperanza, de tozuda búsqueda de la salvación y de ayudas públicas no visibles a los ojos de las personas en situación de exclusión social.

Miquel

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Segunda película de la "trilogía de oro" de Leone, Morricone y Eastwood, rodada en Almería.

La acción se sitúa en El Paso (Méjico), junto a Rio Bravo, en torno a 1875. Relata la historia de dos pistoleros, "El Manco" (Eastwood) y "El Coronel" (Lee Van Cleef) y un bandido psicópata, "El Indio" (Gian Maria Volonté), jefe de una banda de forajidos sanguinarios. Los dos pistoleros persiguen el mismo objetivo: capturar o dar muerte al bandido. Mientras uno actúa por venganza, el otro lo hace por la recompensa. Tras un enfrentamiento inicial, los dos deciden asociarse y actuar de común acuerdo, ya que son dos contra catorce. Los personajes de la obra son violentos, inmorales, sanguinarios y egoistas. Son anti-héroes que actúan por interés en un lugar en el que no hay buenos y malos, porque todos son villanos. La presencia de la mujer es marginal, por lo que algunos acusaron a Leone de misogínia. El Oeste es para él una tierra ruda, árida, violenta, habitada por hombres solitarios, parcos en palabras, avariciosos y sin ideales. Los dos pistoleros, extrapolación de los samurais, se diferencian en muchas cosas: el coronel es frío, calculador, vengativo y entrado en años (cumplió los 50), mientras el otro es joven (tiene unos 25 años), rápido, inteligente y avaricioso. La película contiene diversas escenas destacables, como la del asalto al banco, el enfrentamiento de los dos pistoleros y la escena final, sin duda la mejor del film.

La música, escrita y dirigida por Morricone, en la línea de la película anterior, añade instrumentos nuevos, como las castañuelas, y efectos innovadores (pulsación única de una sola tecla grave del piano, acordes secos de guitarra, carrillón musical del reloj de bolsillo, sonidos ásperos de látigo). El silbido humano adquiere mayor importancia y se combina con otros sonidos (flauta, altos de soprano). Su ejecución corre a cargo del cantante español Kurt Savoy. Las escenas de peleas se acompañan de una percusión muy rica, que crea un clima absorbente de tensión, dramatismo e inquietud. La fotografía se beneficia de la mayor importancia que en el film tiene la narración visual que la verbal. Presta especial atención a los gestos, la mirada, la manera de andar, con primeros planos que intensifican la emoción. Las escenas nocturnas se iluminan con focos potentes y centrados, de luz azulada (silencios), rojiza (violencia) o combinaciones de ambas. Se prescinde del efecto de "la noche americana", en beneficio de más verismo y naturalidad. Las interpretaciones de Eastwood y Cleef son excelentes y se complementan mutuamente, de lo que se deriva un conjunto equilibrado y potente. La réplica de Volonté está hecha con entrega y convicción.

Obra más elaborada que "Por un puñado de dólares", gracias a una mayor disposición de tiempo, mejor preparación, más experiencia y un presupuesto menos ajustado.

Miquel

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Dirigida por el prolífico Michael Curtiz, se basa en una historia original. Obtuvo tres nominaciones a los Oscar y el premio al mejor actor (James Cagney) del "New York Film Circle". Fue producida por Samuel Bischoff.

La acción se sitúa en el East Side, de Neva York, en los años 20. Tras quince años de ausencia del barrio, a causa de su reclusión en reformatorios y prisión, William Sullivan, alias Rocky, regresa para encontrarse con su mejor amigo de infancia, Jeremy Connolly, alias "Jerry" (Pat O'Brien), convertido en rector de la parroquia. Por diversas circustancias, Rocky se ve obligado a continuar su carrera criminal en colaboración, no exenta de graves tensiones, con su antiguo compañero James Frazier (H. Bogart), su jefe Mac Keefer (George Bancroft) y su banda. También se encuentra con Laury Martin, vecina de infancia, en la que halla el apoyo, la comprensión y la amistad, que tanto necesita. La influencia perturbadora de Rocky sobre los muchachos llega a ser tan grande en opinión del débil y meloso padre Jerry, que éste decide iniciar una campaña pública de denuncia del crimen en la ciudad y, consecuentemente, de su antiguo compañero.

La música de Max Steiner ("Lo que el viento se llevó") constituye una delicia para los oídos y una fuente de emociones. Es sobrecogedor el acompañamiento de la escena final: se inicia con un fragmento que sugiere un akelarre de brujas y diablos (presagio de la muerte), continúa con una breve secuencia del "Gloria" y finaliza con una magnífica melodía de salvación y triunfo. La fotografía ofrece un soberbio juego de contrastes de negros y grises diversos, que se transforman en opresivos hacia el final de la obra, de la mano de un inspirado Sol Polito ("La calle 42"). Es sobresaliente el travelling inicial, dividido en dos partes, que muestra al espectador la noticia del día, el ambiente del barrio, la imagen de las fachadas de las casas, un organillo de música y el balcón en el que están apostados Rocky y Jerry. El guión es rico en matices y se caracteriza por la brevedad de las intervenciones y la sinceridad de los contenidos. Los personajes están dibujados con profundidad y coherencia, sobretodo el del protagonista Rocky, víctima de un error de juventud que implicó su conversión en criminal durante su estancia en un reformatorio y en prisión. Ann Sheridan está deslumbrante de simpatía, feminidad y belleza (con un toque de exotismo) en el papel de Laury, amante de Rocky. El papel de Bogart, camino del estrellato, es tan breve como excelente.

Una de las mejores obras del cine de gángsters que tan buenos frutos dio en la década de los 30 en EEUU. Cagney ofrece una de las mejores interpretaciones de su carrera. Curtiz consigue la que, según algunos, es su mejor película tras "Casablanca". La escena final es de una fuerza extraordinaria.

Miquel

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