Andrei Tarkosvsky es el cineasta ruso más conocido y reconocido en el mundo junto a los pioneros Pudovkin o Einsestein.
Su cine es contemplativo, lento, detallista, documental, quizá grandilocuente. Está emparentado con el cine de Kubrick o Werner Herzog (la construcción de la campana y el barco de Fitzcarraldo tienen mucho en común).
Pero es un cine difícil. Sin duda (nunca vayas con tu madre a ver una película de Tarkovsky). Presenta los escenarios, los hechos, los objetos, los protagonistas, los diálogos, las acciones...pero no explica nada. Exige concentración y sobre todo, cierto pre-conocimiento del contexto (o algo más). Y siempre queda casi todo abierto. Los finales y los principios. Hay que aceptarlo así y disfrutarlo así.
"Andrei Rublev", "Solaris" y "Stalker" son tres de sus películas fundamentales. Con temáticas radicalmente distintas, tienen mucho en común (la forma de entender el cine de Tarkovsky): la medición al detalle de todos los planos y encuadres (como si de una obra pictórica se tratase), el control de los actores, la recreación en cada escena, en cada personaje, en cada objeto; y esa captación visual y sonora de los arroyos y cursos de agua cristalina. Todo despacio, muy despacio. No hay prisa. ¡Que agradable es la caida de la lluvia en las películas de Tarkovsky!
El propio Tarkovsky dijo en una ocasión que el secreto de un director está en narrar de una forma interesante. El lo hizo. Y lo hizo con medios. La industria del cine ruso le dió dinero.
Puede haber diferentes formas de hacer cine, pero sin duda el que más frutos artísticos ha dado a día de hoy es el cine de autor. El cine en el que el director domina (de una u otra forma) a los actores y a todos los técnicos de la producción (Kubrick, Allen, Almodovar, Buñuel, Lynch..)
La película es solo medianamente fiel a la historia de Rusia del siglo XV. Pero eso no importa. Se trata de disfrutar de la belleza. La belleza salvará al mundo ¿o no?

Rober

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Irregular película del siempre sorprendente David Lynch. Su cine nunca es corriente; podrá ser bueno o malo pero dificilmente generará indiferencia. Es el cineasta total. Controla todo: guión, filmación , montaje, música..
Tras momentos irregulares, confusos y difusos, la película se redime en la úlima media hora. El asalto al almacén (con detalles que recuerdan a David Cronenberg) y la escena final con los protagonistas de pie sobre los coches en el atasco, son brillantes. Tambien es intensa la escena en la que la pareja protagonista sale del coche en una carretera perdida y se pone a bailar frenéticamente.
Parece que David Lynch tiene una doble personalidad cinematográfica. Crea películas extrañas, difíciles (con momentos realmente incomprensibles), tales como Tween Peacks, Terciopelo azul o Muholand drive) y otras totalmente ortodoxas, como El hombre elefante o Una historia verdadera. Sería muy dificil decantarse por uno de los dos David Lynch. Mejor quedarse con los dos.
Corazón salvaje entronca más en su cine heterodoxo, libre. Es una historia (una novela) concreta y explicable, pero David Lynch la cuenta de una forma libre y personal. Se basa en la novela, pero crea lo que le da la gana, lo que le apetece; su formato es libre. No es esclavo de nada. Para bien o para mal.
La película narra la historia de amor puro de una pareja. Amor complejo pero casi perfecto ¿eterno?. Alrededor suyo existe un mundo corrupto y egoista. Ellos son inocentes, buenas personas (a pesar del salvajismo del personaje de Nicolas Cage); pero les persiguen los "malos", los intereses económicos, las decepciones personales, la madre de ella...
Willem Dafoe, insuperable actor secundario, está enorme en su corto papel. Es la mejor interpretación de la película. Nicolas Cage y Laura Dern están correctos. No mucho más.
Una mención y una debilidad: El encanto, sensación de libertad de esos hostales de carretera, en el medio de la nada.
El autor de la novela, Barry Giford, dice estar muy satisfecho con la película. No podía ser de otra forma. Si David Lynch elige una novela tuya para llevarla al cine.....todo estará bién. Faltaría más.

Rober

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Se puede calificar de correcta, en lineas generales, esta adaptación a la pantalla de la novela corta homónima de Steven Millhauser.
Cine ortodoxo y convencional pero que atrapa bien al espectador gracias a la eficacia narrativa e interpretativa y la cuidada (aunque limitada) ambientación de época (Viena 1900).
A pesar de algunos altibajos en el ritmo, el guión está bien construído. Consigue atrapar al espectador.
Mezcla de realidad y magia, la película trata de integrar (en un ambiente de misterio) una historia de amor eterno con una trama de historia-ficción. Y es aquí donde resulta parcialmente fallida, no muy convincente.
Mejor al principio que al final (los años de la adolescencia son los mejores), mejor en el planteamiento que en el desenlace.
Edward Norton está (solo) correcto (su gran interpretación en "American history X" no ha sido superada). Bien Paul Gianetti y Rufus Sewell; y "justita" la bellísima Jessica Biel.
La música de Philip Glass cumple, aunque solo brilla en los títulos de crédito.
Estoy de acuerdo con "vicenquetorix" en que se trata de cine para no cinéfilos. Pero no todo puede ser Kubrick, Herzog, Rossellini, Ray, Lynch, Cronenberg o Kieslowski. Tiene que haber también Burger, aunque solo sea para comparar. Y yo confieso que no me he aburrido.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

La ultima escena, en la que el inspector de policia reconstruye, en la estación de tren, la historia a base de rápidos flashbacks, resulta demasiado fácil, demasiado vista, muy trillada.
Al final, la interpretación de los hechos queda abierta. Magia o capacidad sobrenatural. ¿Donde acaba la una y empieza la otra?

Rober

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Delicadísima y profundamente triste película (ültima película) de John huston.
Una reflexión sobre lo efímero de la vida y lo inexorable de la muerte. Sobre las grandes pasiones y la triste rutina cotidiana. "Es mejor morir cuando una gran pasión (ilusión) te llena por completo que marchitarse poco a poco con el paso de los años"
La película dura ochenta minutos, de los cuales los setenta primeros son una introducción coral a los inmensos últimos diez minutos. En este final John Huston consigue desbordar los sentimientos en un ejercicio de imágenes y palabras absolútamente antológico. Esa habitación de ese hotel de Dublín, y esa Irlanda nevada quedan en la retina y en el alma.
¿Porqué vivimos? ¿para qué? ¿merece la pena nuestro orden, nuestros matrimonios, nuestra responsabilidad, nuestros sacrificios?. ¡Es todo tán efímero! La vida entera es banal; un instante puede ser extraordinario. Un momento puede valer mucho más que toda una vida.
¿Cómo habría sido la vida de Gretta Conroy si Michael Fury hubiera vivido? ¿Habría sido mejor?
¡Que magistralmente expresa el anciano Huston estos sentimientos en esos diez minutos de gloria para el cine!
John Huston rodó en silla de ruedas y máscara de oxígeno este relato corto ("Los muertos") de James Joyce (el escritor dublinés por excelencia) incluído en su libro "Dublineses". Es el testamento fílmico de Huston. La fuerza moral y la conviccíon en lo que se hace crea obras maestras. A cualquier edad. En cierta medida recuerda a Saraband de Ingmar Bergman.
La película es técnicamente perfecta; delicadísima. Cine para disfrutar poco a poco, para deleitarse del momento y del detalle.
La música es una vez más (y siempre) evocadora de los más intensos sentimientos. ¡Que precioso es el plano fijo de Gretta escuchando la canción en la escalera!

Rober

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Película hispano italiana (también con capital alemán), rodada mayoritariamente en Almería. Y a pesar de todo es un buen western.
El "spaghetti western" nació para aprovechar en taquilla el éxito del western americano (y llenar las alforgas de algunos productores). Hubo muchas chapuzas inabordables, pero también hubo algunas buenas películas. Cuando se pusieron medios (económicos, claro), un digno director, una buena música y unos adecuados actores, salieron un "puñadito"de buenas películas. "La muerte tenía un precio" es uno de los mejores ejemplos.
Se ha discutido mucho acerca del "spaghetti western". ¿Creo algo? ¿O fue simplemente una mala réplica (regular a veces) del gran western que venía de Estados Unidos?
La argumento de la película es simplísimo, cartesiano; los personajes y la historia son muy poco creibles. Los personajes no están bien dibujados. Pero ¿importa algo eso?
Sergio Leone iba a lo que iba. A recrear el buen western en sus aspectos más esquemáticos y reconocibles: los duelos de pistolas, los salones con el juego y las prostitutas, el sonido de los caballos al trotar, los cazarrecompensas, los buenos y los malos, los robos de bancos, los códigos de conducta...
Y lo consigue. La película es esfozada, eficaz, muy bien rodada, bien fotografiada y musicada. Da gusto verla.
Pero es más un comic que vida real: personajes esteriotipados, historias irreales. Muere hasta el apuntador, pero parece que no pasa nada. Las personas son de cartón-piedra.
Solo la historia del reloj aporta un poco de humanidad a este comic-western.
Bien Clint Eastwood y Lee Van Cleef (quizá mejor este). personajes hieráticos de pistoleros imperturbables. En el caso de Clint Eastwood, no se sabe ni de donde viene ni a donde va.

Rober

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