Pienso que la crítica de Lyncheano establece a la perfección porque esta es una excelente película, por lo que no habría mucho que añadir al respecto, si no fuera porque la suma de críticas de la misma se decantan muy excesivamente hacia el lado negativo y eso, en el caso de Crash, es una grave injusticia.

'Crash' ha de ser defendida como una de las obras capitales de Cronenberg, del buen y maduro Cronenberg, aunque sabemos que por sus contenidos ha de ser rechazada por el espectador. Un espectador que tiende a confundir el erotismo con la pornografía, la asociación artística de conceptos independientes (sexo y accidentes) como una enfermedad en lugar de como una forma de arte... Si somos capaces de separar todo eso, veremos como Crash es un juego de simbolismos a los que se dota de una estructura narrativa racional, por antiintuitiva que esta sea. El cine no es la recreación de la realidad, es jugar con la realidad de la forma que uno quiera y si ese uno es un artista, perfectamente puede reinventarla.

Y es que no estamos ante un producto de masas, ante un ejemplo de cine comercial, es decir, con códigos compartidos por todos. Estamos ante una mirada hacia el lado oscuro de nosotros mismos. El rechazo a esta película tiene que ver con el temor a nuestra propia sexualidad , a perder la vida y con la conciencia de lo vulnerables que realmente somos. Estamos, en definitiva, ante un ensayo, un juego de conceptos que no rehuye el generar respuestas en su espectador , sino que lo persigue abiertamente.

Consejo: Gran película, miradla con la mente abierta y os dará que pensar.

branhunter

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Carlos Saura, uno de los más brillantes directores europeos de los últimos cuarenta años, tiene en 'Ana y los lobos' uno de sus grandes trabajos. En este austero y oscurísimo trabajo, lleno de metáforas y evocaciones, construye un perturbador crisol de de situaciones, lideradas todas ellas por una brillantísima Geraldine Chaplin, que aparece perfectamente acompañada por los actores masculinos Fernando Fernán-Gómez, Juan María prada y Juan Vivó, así como por una siempre correcta Rafaela Aparicio.

Se trata, pues, de un trabajo muy representativo de la carrera y la mirada de Saura, así como de los nuevo climas que atravesaba el cine español en los años setenta, bien influenciado por las corrientes europeas que rompieron los viejos esquemas y ensalzaron la condición de arte del cine. En los tiempos del cine español vulgar o facilón, del que muy pocos directores se salvan y donde los incomprensiblemente nuevos heroes tienen nombre de fauno, volver la mirada hacia lo mejor de Saura nos hace preguntarnos: ¿Cómo hemos llegado a esto?

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La trama se reduce a las vivencias de una educadora en un mansión rural, donde reside una familia. Si quereis saber lo que sucederá allí, mirad la película, porque explicarlo no tiene mucho sentido.

branhunter

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Aun reconociendo que una valoración de 'interesante' puede ser exagerada para mis parámetros habituales, la idea en este caso es simple: si quieres ver alguna película de Star Trek para ver que tal están, que sea ésta. No porque sea la mejor de la saga, honor que le corresponde con muchísima diferencia a la primera por el genial trabajo de Robert Wise, sino porque ésta es la más completa desde la perspectiva de la ciencia ficción no de autor (o sea, de orientación comercial).

Nos hallamos, en este caso, en una película poco startrekiana, puesto que la película se sitúa un buen rato fuera de la lógica y estructuras de los personajes habituales, para deslizarse hacia dos buenos actores traidos para la ocasión: James Cromwell y Alfre Woodard, que le dan una dimensión inesperada a una historia concebida básicamente como película de acción. YEllo sucede en buena medida, gracias por un lado al buen nivel de Patrick Stewart, capaz de sacar algo de un personaje tan gris como el capitan Picard -no sólo aquí, también en la serie- y que da una buena réplica a Woodard; y por el otro, por la disposición del actor y director Jonathan Frakes a dar entidad al personaje de Cromwell y a interactuar con él. Si además consideramos el acierto de hacer recaer parte de la tensión dramática en otro de los personajes bien trabajados y bien interpretados, el androide Data, se consigue por fin una película de una cierta altura y verdaderamente el mayor logro galáctico de la saga.

Ciertamente este digno resultado resultaba del todo inesperado, tras el fracaso de la entrega anterior y la poca experiencia de Frakes tras las cámaras, pero esta vez quedamos sorprendidos, gracias también a la buena progresión de los efectos especiales.

branhunter

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Tarkovsky es uno de los grandes del cine y ásí lo demuestra en esta película, donde el director realiza un magistral y enorme trabajo fílmico, que nos conduce a través de una de las más sensacionales miradas que una cámara puede realizar. Es imposible no reconocer en este trabajo la grandeza de su arte y prueba de ello es el hecho que incluso los que se confiesan aburridos, reconocen que la película se encuentra dotada del toque del genio.

Ocurre, sin embargo, que el cine es un arte complejo. No es tan sólo un retrato, sino que es toda una composición de elementos que de muchas maneras nos acercan a multitud de cuestiones arraigadas a lo que se está viendo. Es, en definitiva, la capacidad de transmitir algo, de hacerte viajar a través de algo, con lenguajes tan variados como talentos tiene el cine. Ahora bien, hay casos, como este, en el que el viaje no parece posible. 'El espejo' es como un escenario despojado, una composición cinematográfica de gran altura que no se comunica con el espectador, un mensaje en el que el emisor no tiene en cuenta al receptor. No es esto algo que nos extrañe en nuestros días, cuando directores contemporáneos como Lynch ya parecen haber renunciado a comunicarse con el espectador y se limitan a mostrarnos su genial mirada, pero Tarkovsky lo hizo mucha antes.

En tal caso, ¿cómo situarse ante esta clase de obras? ¿Haciendo la vista gorda ante el caudal de grandeza cinematográfica desplegada o cuestionando los resultados y recordando que ambos el retrato no es incompatible con la comunicación con el que mira? Por mi parte esta claro lo segundo, y de ahí la puntuación moderada a este film, a pesar de las virtudes con que cuenta. Eso si, yo recomendaría su visionado, dejando en el aire las siguientes posibles preguntas: ¿Es posible reproducir un cine así a lo largo del tiempo, sin ahuyentar al espectador? ¿No es sólo este distanciamiento de autor posible, por que el cine se sostiene en las obras en que la comunicación es fluida?

branhunter

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Hay dos clases de cine bélico: aquel que escenifica y aquel que explica. Ésta es de las que explican, que son las que a mi me gustan. Así, 'Los cañones de Navarone' escenifica y 'La chaqueta metálica' o 'Stalingrado' explica. Hay incluso algún híbrido interesante, como 'El puente sobre el río Kwai".

Bueno, el caso es que 'Uno rojo' explica, lo que permite que me fije más en el fondo que en el envoltorio. Dicha explicación consiste en una mirada personalísima de la Segunda Guerra Mundial, firmada por el siempre complejo Samuel Fuller, que si bien no me parece un gran director, si que tuvo tiempo de hacer alguna interesante película como ésta. Y en ella lo que se nos presenta es la guerra por dentro, la guerra vivida por los soldados, la guerra vivida por los civiles, la longitud de una guerra que se prolonga años y años en diferentes espacios. Una guerra en la que la vida pierde todo el valor, para constituir tan sólo un engranaje más de esa máquina que es la guerra. Dicha explicación transcurre en un ambiente sobrio generado tanto por el bajo presupuesto dedicado como por la sobriedad del director.

Acabo destacando que al frente de la misma se sitúa un enorme Lee Marvin, que se acompaña de un reparto poco relevante. Si os animais a adentraros con él en la Segunda Guerra Mundial, estará encantado de llevaros, ¡pero yo no doy un duro por vosotros!

branhunter

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