Tenía miedo a la nueva película de Meirelles. Tras las buenas (y merecidas) críticas a Ciudad de Dios, pensé que haría más o menos lo mismo, pero más friki y más flipao, como Tarantino o Peter Jackson, vamos, pero parece que el hombre tiene la cabeza bien amueblada. Por eso para su segundo largo ha elegido una historia sencillita y la ha narrado de la misma manera, a pesar de no renunciar a su estilo.

La historia de amor es preciosa. Primero la química entre Rachel Weisz y Ralph Fiennes, que está genial, como siempre, es muy buena, a pesar de que el principio es muy elíptico, sin perder mucho tiempo, alternando pasado y presente. Tras la pérdida de la esposa, la historia es más triste todavía. Ese jardinero atrapado por su pasado y al mismo tiempo incapaz de recuperarlo, sabiendo que todo pudo haber sido de otra forma, recorre el mismo camino que antaño hizo su esposa, como magnífica declaración de amor. Hay mucho romanticismo en esta película, más allá de musiquitas con violines, besitos y todas esas chorradas que hoy en día se identifican con la palabra romántico. Por tanto, no puedo entender esas críticas que hablan de una intriga fantástica (todo lo contrario, la intriga se sostiene gracias a la historia de amor)o de un alegato magnífico sobre el problema africano. Nada de eso, ante todo es una gran historia de amor, que ocurre en un tiempo y en un espacio, y los protagonistas están influenciados por ese ambiente, pero no es lo que da peso a la historia.

Gracias a esto, podemos pasar por alto que a veces el Meirelles flipe un poco de más con algún montaje excesivo. Solo ocurre en momentos muy puntuales, ya que normalmente la trama se desenvuelve de forma muy sencilla. También molesta mucho la música, con sus coros africanos y sobre todo en la única escena mala de la película, aquella en la que Fiennes vuelve a su casa de Chelsea. Vale, es una película con fallos, pero muy atractiva y bastante sincera. Merece la pena y es una muestra de lo que debería ser normalmente el cine comercial.

Janusz

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En un principio parece que Cronenberg ha cambiado de estilo, que se ha
vuelto más convencional. Nada de eso, solo ha renunciado a vísceras, líquidos viscosos y demás en favor de un crudo realismo todavía más impactante si cabe. Pero es el Cronenberg de Spider, de ExistenZ, de Inseparables, de ritmo cadencioso, donde los acciones de los personajes parece que ocurren sin querer, porque el director nunca pone mucho énfasis en ello. Es así como la violencia se introduce en la vida diaria casi sin que nos demos cuenta, como nos atrae y nos absorve y como a veces se justifica, o incluso se celebra y otras se condena tajantemente.

Pero como he dicho antes es ante todo una película de Cronenberg, donde entran en conflicto los puntos de vista objetivos y subjetivos. Así nos encontramos con un nuevo héroe que intenta negar su pasado, como Spider, pero mientras este lo hacía desde la inacción, desde el aislamiento del mundo, el Tom Stall de Una historia de violencia toma parte de esa realidad para modificarla a sus intereses. Creo que así refleja Cronenberg lo que ha cambiado el mundo en estos 3 años.

En fin, una gran película, a los que disfrutaron con Mystic River, creo que esta también les gustará, ya que se parecen mucho.

Janusz

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La película que más y mejor habla sobre la España de antes y de ahora, sobre la guerra de Irak, los conflictos políticos, la inmigración y muchísimas cosas más. También es la más bella de cuantas ha hecho el cine español en mucho tiempo, con sus paisajes y sus personajes perdidos en el tiempo. Es también una de las películas más personales, más íntimas que recuerdo, es un documental, si, pero también una historia, un drama, de una mujer en busca de su pasado, de su identidad. Una obra maestra que dignifica al cine español, nadie la va a ir a ver porque es "un documental aburrido". Mejor que mejor, toda para mi.

Janusz

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Cuando The brown bunny fue visionada en el Festival de Cannes de 2004 (¿o era 2003?), se le colocó el título de peor película de la historia del festival, ¿por qué? Porque decían que no contaba nada y encima era pornográfica. ¿No cuenta nada este The brown bunny? ¿Importa realmente? Se trata simplemente de un viaje, como el de Matt Damon y Casey Affleck en Gerry o el de John Wayne en Centauros del desierto. Vincent Gallo, al igual que Gus Van Sant, es lo suficientemente inteligente para saber que el cine evoluciona y que los esquenas que servían hace 20, 30 o 50 años hoy ya no son válidos. Al año vemos pasar cientos de películas que intentan ser (sin conseguirlo) iguales a las que había hace 50 años, solo que mejorando los aspectos técnicos.

Entonces aparece The brown bunny. Una película en la que apenas se habla. Una película en la que la mayoría de las escenas se ven a través del parabrisas de una camioneta. No se cuenta nada. ¿Qué se puede contar? ¿Qué tiene que contar el ser humano del mundo actual? Cada vez hay más depresiones y suicidios en todo el mundo. La gente se comunica menos, se cierra sobre sí misma. Es el reverso tenebroso de la era tecnológica. En este sentido, el hecho de que un hombre (o mujer) desconocido se acerque en una solitaria de área de servicio a besar a un extraño es uno de los momentos más bellos y sentimentales del cine americano actual. Es más bien un deseo que una realidad.

Gallo ha apreciado esta situación. Como entiende que el hombre actual poco sabe de anillos, de galaxias lejanas, de superhéroes, se ha dedicado a filmar esa nada en la que nos encontramos suspendidos, ese vacío moral y sentimental que persigue a la sociedad contempóranea. Muchos le han crucificado por ello, ved en esto la validez de su propuesta.

Janusz

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Amos Gitai es uno de esos directores en extinción que han sabido crear una estética completamente nueva, atendiendo a su tradición cultural (en este caso, Israel) y que se inscribe con perfección en su contexto.

Sin embargo, a pesar de que Free Zone me parece una muy buena película, falla, como muchos otros films de Gitai, en detalles pequeños que hacen que no salga del todo contento del cine. En este caso, molesta el excesivo subrayado que en ocasiones hace Gitai, como por ejemplo la escena en la que Natalie Portman (maravillosa!! uno de sus mejores papeles!) recuerda su pasado, que Gitai muestra con escenas sobrepuestas sobre la imagen real. He visto como muchos críticos celebraban este recurso, a mi me parece tonto y feo, además de innecesario porque ya se entiende perfectamente lo que hace la Portman en Israel y porqué ha venido aquí, especialmente gracias a ese primer plano espectacular que abre la película.


Pero el gran Gitai llega cuando entramos en Palestina y la llamada zona libre. Antes atendemos a un Gitai menos comatoso de lo habitual, pero pronto nos encontramos nuevamente con esos personajes perdidos en la Historia, especialmente con otro espectacular plano secuencia de la Portman en el que camina por un bosque cercano a un poblado palestino. El estilo Gitai sigue funcionando: metáforas simplistas se incrustan a la perfección en una puesta en escena hiperrealista. En esta ocasión, una americana, una judía y una palestina protagonizan una road movie en la zona libre. La idea está clara, podría parecernos algo ingenuo, pero Gitai consigue que no lo sea. Gitai es un demiurgo, pero mucho más sincero de lo normal. En su cine se aprecian sus limitaciones, nunca alza la voz por encima de sus personajes y cuando filma algo quiere que quede bien filmado y que se entienda porqué lo filma. En una situación como la que vive actualmente Israel, me parece indispensable que esto sea así.

Janusz

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