Pensaba que Dark Angel iba a ser una serie más americana que parece hecha por y para adolescentes con las hormonas disparadas, protagonizada por chicas jóvenes y guapas (léase Buffy Cazavampiros, Embrujadas, Entre Fantasmas, etc.), pero no. Al menos el episiodio piloto me ha parecido realmente interesante. Su argumento está suficientemente elaborado para una serie de estas casracterísticas, y el guión y las interpretaciones no son malas, aunque tampoco son nada del otro mundo, pero cumplen a la perfección.
Dark Angel nos sitúa en unos EE.UU. en plena decadencia, ya como una ex-super potencia mundial, todo debido en parte a un ataque terrorista, y en parte también a una profunda crisis económica (un poco profético James Cameron ¿no creen?). Y la verdad es que con estos elementos y con el tema de los super-soldados... hay que reconocer que suena muy "manga". Y lo cierto es que recuerda bastante a Ghost In The Shell, Evangelion y similares, y si me dicen que Cameron copió la idea de un anime japonés, yo me lo creería.
Lo dicho, que al menos el episodio piloto pormete bastante. Ahora habrá que ver si el resto de los capítulos no lo estropean.

javi_neo

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Blade Runner trata sobre los temas que han venido atormentando al hombre desde el inicio de los tiempos: la memoria, la identidad, el tempus fugit y, sobre todo, la conciencia de la mortalidad, la conciencia humana de nuestra propia caducidad, el miedo a la muerte. Ése es el eterno sentimiento trágico de la vida en los hombres y en los pueblos, "la vida de la muerte" de Don Miguel de Unamuno.

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Precisamente uno de los aspectos más atractivos del film radica en la humanidad demasiado humana de los seres artificiales; esa paradoja fundamental que nos hace llegar a la conclusión de que «lo artificialmente producido –los replicantes Nexus 6– es precisamente nuestro vínculo más directo e irremediable con lo natural: la conciencia de la propia finitud» (Fernando Savater).
Ridley Scott, alejándose de la novela, consigue que el espectador simpatice con los replicantes, esos criminales carentes de identidad propia, dotados de falsos recuerdos, desprovistos de pasado y futuro ya que su fecha de caducidad es de tan solo 4 años. Pero no solo es el trasfondo dramático de la “existencia” del replicante lo que hace que nos sintamos claramente identificados con el modelo Nexus 6, además, la logradísima ambientación que impregna todo el metraje coadyuva a que ello sea así. Scott nos presenta un futuro opresivo, un 2019 muy próximo, caótico, en el que la ciudad de Los Ángeles es el reflejo de un inframundo cuyo sólo planteamiento como hipótesis resulta insoportable. Un futuro descrito así precisamente con la retorcida intención de destruir las utopías de nuestro presente. Blade Runner es una visión perversa del porvenir que, si bien no es nueva en el mundo de la literatura (“1984” de George Orwell, entre otros) sí es su manifestación más contundente vista hasta la fecha en celuloide (Alfonso Cuarón se marcó un tanto con su adaptación de la novela de P. D. James “Hijos de los hombres” volviendo a presentarnos otro futuro desalentador).
Los Ángeles caótica y nocturna, con su lluvia ácida, devastada por la superpoblación, su estética punk, las influencias orientales y las connotaciones filonazis de la Tyrell Corp. (el propio Tyrell parece un agente de la Gestapo, las proporciones ciclópeas de la pirámide Tyrell, la ropa de Rachael –bella e inquietante Sean Young–, etc), por no hablar de la estética cien por cien aria de Roy Batty (Rutger Hauer).
No hace falta apuntar algo obvio: la unanimidad por parte de crítica y público en situar la versión de 1982 muy por encima de la Director’s cut de 1992, principalmente por el final, pero también por la incomprensible eliminación de la voz en off.
Ya para acabar, no deja de ser anecdótico el hecho de que Blade Runner recibiera durísimas críticas en su día por parte de cinéfilos y frikis, ya que es innegable que la obra maestra de Ridley Scott es hoy un film de culto, referente inevitable en el género dela ciencia-ficción y, seguramente, la película que más tempranamente recibió el calificativo de «todo un clásico».

javi_neo

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Creo que cromosoma3 ha explicado muy bien el argumento de la película. De hecho, opino que Mulholland Drive no es de los films más difíciles de interpretar que ha hecho David Lynch. Cierto es que la primera vez que lo ves se te escapan bastantes detalles, no sabes cómo interpretar determinados "códigos", y eso hace que te pique la curiosidad (suponiendo que seas una persona curiosa)... hasta el punto de que decides verla de nuevo para descifrar todo aquéllo que no entendiste con el primer visionado de la cinta.
Cada uno es libre de opinar lo que quiera en esta web, pero, francamente, los que pensais que "Mulholland Drive" no tiene ni pies ni cabeza, estáis muy equivocados. No es que no tenga sentido, es que Lynch nos la muestra como un puzzle y es el espectador el que debe interpretarla para encajar sus piezas. Nada más. Áhí es donde radica la genialidad de este director ¿De verdad creeis que iban a dejarle hacer películas sin sentido a un loco cualquiera? Como yo siempre digo, las películas de Lynch hay que verlas con los ojos bien abiertos y los oídos despejados, y teniendo en cuenta además que precisamente "esas cosas raras" que suceden en sus films suelen ser las claves para descifrarlo todo.
Os recomiendo que os leis los spoilers que han hecho por ahí y después volvais a verla. Solo entonceis podreis juzgar con conocimiento de causa si de verdad Mulholland Drive tiene o no sentido.

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Algunos comparan "Mulholland Drive" con "Lost Highway". Básicamente ambas películas tratan sobre el mismo tema: un crimen y las sorprendentes reacciones psicológicas que pueden producirse ante la imposibilidad de afrontar la cruda realidad. Pero creo que "Mulholland Drive" añade un elemento dramático ausente en "Lost Highway". En ésta, Fred Madison no llegaba a ser totalmente consciente del crimen que ha cometido y, por lo tanto, tampoco manifestaba claramente sus remordimientos (la perturbación causada por mistery man es lo único que podría reflejar su sentimiento de culpa, rabia, celos...).
Sin embargo, Betty/Diane (Naomi Watts), la prota de "Mulholland Drive" despierta de su delirio y es perfectamente consciente de lo que ha hecho y ante el sentimiento de culpa... pasa lo que pasa. Ese sentimiento de culpa se manifiesta también durante su "fuga psicogénica" en varios momentos, pero el más intenso es aquél en el que Betty y Rita acuden al surrealista espectáculo de teatro, el Club Silencio, ("No hay banda, no hay orquesta. Es todo una grabación"). Y el momento en el que ambas lloran al escuchar la canción de desamor es de las escenas más intensas que he visto en un film últimamente (¡estremecedora!). Pues eso, que el sentimiento de culpa de Betty/Diane le añade a la película un toque de dramatismo brutal que hace, desde mi modo de ver, que éste sea un filme un poco más completo y mejor que "Lost Highway".
Aparte de todo esto, otras claves a interpretar: los abuelitos siniestros que persiguen a Diane son una representación de sus remordimientos por haber matado a Camila. Estos abueletes la persiguen al final de la película atosigándola y aterrorizándola hasta que ella no lo puede soportar más y se suicida. El Cowboy sería el vínculo de conexión de los pensamientos y delirios de Diane con la realidad pura y dura. El vagabundo sería una representación del crimen cometido, del que tal vez haya sido testigo ese pobre hombrecillo que dice haber soñado con un monstruo que salía del callejón de atrás del Winkie's... En fin, un puzzle que hay que ir encajando pieza por pieza.

javi_neo

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Son demasiado obvias las influencias de la obra de David Lynch en esta película de Marc Forster. No obstante, aquí el resultado final está muy por debajo del nivel del maestro Lynch. Marc Forster copia ideas de Lost Highway y Mulholland Drive, las reacciones psicológicas del ser humano ante situaciones traumáticas, la posibilidad de varias realidades paralelas, la confusión de identidades, el (des)orden de los acontecimientos... Aunque, todo esto no es exclusivo de Lynch, ni lo ha patentado como algo propio; sino que se trata de una serie de elementos que cualquier director de cine puede incluir en sus films con total libertad.
Por lo demás, Marc Forster se aleja mucho del estilo de Lynch precisamente en eso, en el estilo. Y es que, Lynch sólo hay uno, y eso se nota principalmente en el estilo narrativo y en la factura de la dirección, muy correcta en el caso de Tránsito, pero aun así está a años luz de las obras de arte que Lynch suele realizar.
También se pierden por el camino otras características básicas de este tipo de cine: lo bizarro y lo surrealista. Es evidente que Marc Forster pretende copiar a Lynch también en esto, pero las escenas supuestamente surrealistas se queden en escenas simplemente raras y carentes de encanto. Por otro lado, me da la sensación de que Tránsito es una película muy calculada, quizás en exceso, lo cual me hace llegar a la conclusión de que su director desconoce que la mejor manera de “jugar a ser Lynch” es dejarse llevar por la intuición, y Tránsito es cualquier cosa menos intuitiva.

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En todo momento va dejando pistas de que lo que vemos, o es un sueño o de alguna manera está en la mente de uno de los dos personajes principales. Esos déjà vu y demás desajustes temporales, las escenas raras, el hecho de que nadie les vea hablando juntos... todo esto nos va indicando por dónde pueden ir los tiros. En varias escenas observaréis que aparecen grupos de dos o tres personas idénticas y vestidas también de idéntica manera. Esto es algo que ocurre igualmente en los videojuegos, en los que se repiten las mismas figuras de personajes (normalmente figurantes) o los mismos escenarios, porque no suele haber memoria ni capacidad suficiente para crear caracteres y entornos ilimitados. Pues bien, esta es otra pista que nos deja el director. Pero la pista más evidente y descarada es la cita de La interpretación de los sueños de Freud que le cuenta el ajedrecista ciego/padre de Henry (Bob Hoskins) a Sam. Se trata de un pasaje muy típico de Sigmund Freud que ha sido mil veces interpretado por psicoanalistas para tratar de arrojar luz sobre el tema de los sueños dentro de los sueños o, también, sobre el solapamiento entre dos sistemas: el consciente y el inconsciente.
En fin, que en Tránsito hay muchas pistas y alguna que otra metáfora, en las que Marc Foster se toma excesivas licencias (el Peep-Show representaría algo así como la memoria de Henry). En cualquier caso, al final de la película nos lo aclaran todo: Henry tiene un accidente de tráfico en el que sus padres y su novia mueren en el acto. Él queda gravemente herido, tendido sobre el asfalto. Ewan McGregor (que es médico, sin especificar si es psiquiatra o no) está en la escena del accidente y trata de socorrer a Henry. Ahí aparece también Naomi Watts que es enfermera (no profesora de arte). Los dos hacen todo lo posible para salvar la vida del muchacho, pero la ambulancia tarda mucho en llegar y finalmente acaba muriendo. Total, que lo que hemos estado viendo a lo largo de toda la película sucede dentro de la mente de Henry, que crea una realidad alternativa, buscando una vía de escape. Aun así, en esa otra realidad imaginaria, sufre interferencias de su subconsciente, sabe que ha hecho algo malo, que necesita ser perdonado, sus padres han muerto y él cree tener la culpa. Las demás personas que se hallan presentes en la escena del crimen también aparecen dentro de su delirio: el niño con su mamá preguntando si ese señor se va a morir; el anciano ese que suelta una frase a todas luces pesimista y profética que luego verá repetida en su mente (cuando está viendo las morsas en el acuario y aparece una pareja de ancianos que le hacen una foto), etc. Lo dicho, el final es demasiado explícito y aun con todo deja varios cabos por atar. La confusión de identidades entre Henry y Sam se muestra de manera sumamente torpe y muy poco acertada (aquí se copia descaradamente de Lost Highway), pero de vez en cuando está bien ver películas como Tránsito.

javi_neo

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Me ha gustado bastante, sin llegar a ser una obra maestra. ni mucho menos, pero es bastante decente para los tiempos que corren. Por cierto, una advertencia a padres y madres: NO VAYAN A VERLA CON LOS NIÑOS, NO ES PARA NIÑOS.

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SPOILER:
Jonathon escribió: "El final me ha gustado mucho, hasta el punto de pensar si realmente la niña ha estado en un mundo de fantasía o si todo es producto de su imaginación. Una forma de evadirse de la cruda realidad que la lleva hasta su muerte".
Hombre, pues es evidente que la niña no ha estado en un mundo de fantasía, que todo lo ha hecho su imaginación. Nunca hay que menospreciar la imaginación de un niño, y menos si éste ha leído montones de libros de fantasía, cuentos de hadas, etc. Por supuesto que el mundo de fantasía en el que se introduce Ofelia es una forma de evadirse de la durísima realidad que le ha tocado vivir.
Mi duda es la siguiente: Al comenzar la película con el plano de la niña justo cuando está muriendo, pero marcha atrás... el director nos indica que todo lo que vamos a ver desde ese momento será un flashback ¿de acuerdo? Entonces, ese flashback ¿es tal y como lo vivió la niña? Es decir, ese mundo del fauno ¿se lo imaginó realmente mientras vivía, porque la realidad era demasiado gris para afrontarla así tal cual? ¿o acaso sea que, al borde de la muerte, la niña recuerda sus últimos días "a su manera" introduciendo la historia del fauno para afrontar el terrible hecho de su muerte (y la de su madre)? Pues recordemos que, gracias al mundo paralelo del fauno se asegura una vida eterna como Reina de su reino. Si no ¿por qué iba a hablarle el fauno de la vida eterna a mitad de la película? Tal vez porque la niña ya sabía que iba a morir y toda esa historia la está creando su mente para afrontar el fin. Cierto es que, de ser así, la película está llena de incongruencias. Pero... a mí me gusta esta forma de entender la película más que cuelquir otra. Ahí queda!

javi_neo

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