16 de julio 2008, 17:40 hs
A pesar de que en la tapa, a un costado, decía “Primero fue Tiburón, después Alien y ahora The host” igual me la llevé. Era la descripción más ridícula que había visto sobre una película. La vi entre otros títulos mayores, pero me la llevé, así porque sí, sin razonar, como siempre me sucede cuando elijo películas en una tienda. Esa noche iba a comer pizza y tenía pensado ver mi nueva adquisición, The host.

16 de julio 2008, 22:00 hs
Cambio de planes. Comí pizza sí, pero me enganché con un bodrio que pasan permanentemente por la tele en canal de aire. Mañana será el gran día para Corea del Sur y The host.

17 de julio 2008, por la tarde
¿Qué significará The host? Me reconozco ignorante en otras lenguas que no sea la española, y no sé si realmente significa algo. En fin.

17 de julio 2008 1:37 hs
Todavía están pasando los créditos finales, primera impresión: me faltaron las palomitas de maíz y disfrutaba de una película hermosa. Sin duda, así hay que ver The host y no de otra forma. Puro entretenimiento. ¿Del bueno? Siempre odié decir “del bueno” y la gente que dice “puro entretenimiento del bueno”. Me gustó pero no creo que sea la mejor película de monstruos como dice en la tapa de mi dvd. Hace algunos años, en la única y gran revista argentina de cine, El amante, la habían votado como la mejor película del 2006. Yo todavía estoy esperando que se me pasé esta sensación horrible que me dejó la cinta coreana: una mezcla de algo que ya había visto (Alien, Godzilla, Cloverfield, Jurasic Park, etc, etc) con algo bastante innovador. No cabe duda en que repite la fórmula yanqui: tragedia-comedia-tragedia-final feliz. Y eso me sulfura muchísimo.

18 de julio 2008, hacia el mediodía
Pensándolo mejor, lo de la fórmula yanqui, ¿será parodia? Existe la posibilidad de que lo sea, como no. Reconozco que me gusta la ambiguedad, porque de la buena ironía siempre sale la ambiguedad: ¿está siendo irónico? ¿dice la verdad? Amo la ambiguedad en todo los sentidos y creo que las buenas cosas (literatura, cine, política, filosofía) se hace con la ambiguedad. La ambiguedad es un espectro, como pensaría Derrida. Existe y no. Está y no.

18 de julio 2008, por la noche
La voy a puntuar con un 6 en Filmaffinity. Los efectos especiales fue lo que más me gustó de la película. El reparto... pasable. Por momentos me parecían unos pobres idiotas y por momentos me encantaban. (Otra vez la ambiguedad). Es que la película en sí es bastante irregular, tiene un principio excelente, ese sí es el mejor principio de una película de monstruos, hacia la mitad la tensión va en caída y al final se estrella en picada contra el suelo. El final es lo peorcito de The host.

(Sigue en Spoiler, dada la longitud)

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19 de julio de 2008, por la mañana
Algo que no había encontrado en otra película de monstruos: la crítica hacia la sociedad, hacia los Estados Unidos, la cual, revisando algunas escenas de la película hoy, me pareció por momentos demasiado explícita. No es una crítica mesurada, que pasa desapercibida... Por el contrario, es una crítica (me encanta que se la hagan los coreanitos) que pareciera ser una excusa. La película una excusa para la crítica. Puede que no sea así. Yo en alguna medida pienso que es así. Y tampoco está mal que así sea. Más allá de todo, esto último que encontré me alentó un poco. Va a ser un 7. A pesar de que las críticas hacia esta película sean encontradas, unos la aman, otros la odian, yo permazco indiferente a esta lucha y siento por The host una simpatía, nada más que eso.

Rimbaud

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Desde sus inicios, el cine de Lucrecia Martel convocó fanáticos y detractores. Opiniones dispares entre enfermos del cine que derrochan mares de tinta para hablar sobre la gran cineasta argentina que, con su última película La mujer sin cabeza, se afianza como una de las grandes directoras, no sólo nacionales, sino también mundiales, como lo demuestran sus reiterativas participaciones en Cannes. Si bien el mito cinéfilo cuenta que La mujer sin cabeza fue abucheada en el prestigioso festival, otros afirman, por el contrario, que ni el abucheo ni los silbidos fueron tales como se han dicho. La película se inicia en una ruta desolada, unos niños pueblerinos corren sobre el descampado, un perro corre tras ellos. Serán las posibles víctimas de Vero, una odontóloga de la cual no tenemos casi nada de información sobre su pasado. Sólo sabemos que, ruta mediante, atropella algo en medio del camino. No sabemos qué es ni de dónde vino. El gran uso del cinemascope deja ver tirado un perro en medio de la calle, mientras Vero se aleja preocupada; con el transcurrir de los días Vero va a asegurar que atropelló “a alguien”. A partir de ese momento, la vida de Vero se transforma. Hace un click: desde sus rutinarios días de consultorio, su vida aburguesada de alta clase media, la vida familiar, la hermana, la madre, las sobrinas, las sirvientas, todo comienza a cambiar para Vero y el espectador se sumerge ante ese cambio: conocemos el mundo de Vero a través de la subjetividad de su óptica. Los planos se centran en ella, con un uso absolutamente genial del fuera de foco en los segundos planos. Pero ante todo, estamos en presencia de un viaje hacia el interior de una mujer que ha perdido, casi literalmente, la cabeza. Del pelo rubio, Vero pasa al negro. Llora en los lugares menos adecuados, se abraza con un albañil de la construcción en un baño. Está convencida de que atropelló “a alguien”, y su vida continúa con esa culpa, la de estar convencida de no haber atropellado a un perro sino a una persona. Las características del cine de Martel son patentes. Ruidos por doquier, sin centrarse en ninguno en particular, escenas donde “no-transcurre-nada”: cuerpos que cruzan la cámara de un lado a otro, escenas promiscuas entre familiares, incesto, diálogos fragmentarios y de alguna manera banales. Más allá de lo que pueda criticársele, la trama es convincente aunque no sé hasta qué punto se la fuerza. Se la explota al máximo, es cierto, pero nunca conocemos qué fue lo que Vero atropelló y las interpretaciones se expanden como fuegos artificiales en un cielo oscuro de Navidad. Lo que menos me interesa, es encararla por el lado cuasi político que declaró la cineasta: largas patillas, el uso indeterminado de una música setentista y el perro muerto en la ruta como una alegoría de desaparecidos de la dictadura, y la culpa de la clase media por esconder y silenciar lo horroroso.

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Más allá de esta interpretación, lo interesante es ver cómo el mundo de Vero se disgrega y muta hacia una decadencia irremediable, donde la culpa y la conciencia de haber dado muerte a una persona-perro llegan a límites insospechados. Ese gran relato que es La mujer sin cabeza, se compone yo creo de múltiples, microrrelatos que nunca se cierran y que superan los límites de la pantalla (de ahí que sea necesario el uso del cinemascope). La tensión general, la preocupación de Vero, se mueve entre pequeñas tensiones de la vida cotidiana, silencios que dejan entrever muchísimas palabras que no se dicen, y que particularmente me fascinan. Ese es mi amor hacia este tipo de cine, que podríamos encuadrar dentro del cine argentino actual, con otro gran referente (pero en otra línea) como el de Lisandro Alonso. Los elementos con los que juega Martel son tópicos que ya vino rozando en sus films anteriores, en mi favorita La ciénaga, y la mediana pero buena al fin, La niña santa. Un cine que proyecta poesía, que dice poco aunque deja entrever todo lo que no está dicho; todo está como velado y la muerte del perro es la excusa perfecta para que Vero tome conciencia y recapacite de que las sirvientas, los jardineros, y los niños que pasan por sus casas, también son personas aunque pertenezcan a una clase social más baja. Estas partículas simbólicas tejen una película psicológica, con algunos elementos fantásticos (como la señora tirada en la cama que ve personas que no existen en una cinta de video). El ritmo es exacto. Son los propios diálogos, minimalistas, los que marcan el ritmo lento y pausado. La ambientación, como siempre, más que cuidada con una Salta de fondo que se mete las costumbres de la vida ordinaria. Nada permanece al azar y las situaciones y escenas están muy cuidadas. La mujer sin cabeza no dejará a nadie indiferente. Eso es seguro.

Rimbaud

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Perturbadora. Decir siniestra se queda muy corto. Hablar de cine de suspenso también. Inland Empire es ante todas las cosas una película perturbadora, producto de una mente perturbada y que cualquier espectador, al final de la película, termina perturbado. Quizá Inland Empire no pueda ser encasillada en ningún género: es dramática pero no una película de drama; tampoco entraría en el mero suspenso tradicional, ni mucho menos es de acción ni una típica película de thriller o terror. Es una aventura cinematográfica de vanguardia, imágenes que nos llevan hasta el absurdo más patético. Lynch, seguramente, además de despreciar las películas de la industria de Hollywood, como queda claro en el film, también desprecia las películas convencionales con una trama, un guión y varios personajes. Consigue una vuelta de tuerca para todo ello: las escenas se estiran, la protagonista camina por largos pasadizos, calles semi vacías, callejones despoblados: todo esto nos remite al estado mental, no sólo del personaje, sino también de los personajes todos, del director y acaso del espectador. Por eso, Inland Empire es una película que comienza en la mente y termina en ella.

Podría decirse que Lynch juega con el tiempo. Que es una película atemporal. Yo creo, sin embargo, que el tiempo está de alguna manera ausente: no sabemos qué pasó con certeza, si lo que nos cuenta está pasando, ha pasado o pasará. Ni tampoco sabemos si lo que nos dicen no ha pasado nunca. Todas las opciones son probables en el universo Lynch.

Una vez más, como quedó demostrado en títulos emblemáticos como Mulholland drive o -mi preferida la gran- Eraserhead que Lynch es un artista de la cámara, de los profundos problemas del ser humano, de sus debilidades y locuras. Así, frente a los miedos que cualquier persona tiene, las obsesiones -en particular la muerte, la enfermedad- Lynch todo lo transforma en arte. En cine. Y cuando vomita, salen estas cosas. Estas genialidades.

Rimbaud

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Yo entiendo que hay necesidad de cine postmoderno. Del cine que sea no lineal, que se aleje de las narraciones y que tienda más al aburrimiento que a satisfacer al espectador. Pero en Cloverfield todo esto se torna muy artificioso. Entramos sabiendo que vamos a ver una película de "terror" y salimos sabiendo lo mismo. Lo que hace de una película una gran película es que mientras la mirás no advertís que es todo mentira, que es ficción. En Cloverfield, a pesar de que el efecto está puesto ahí, en que se parezca lo mejor posible a la realidad, esto no sucede en ningún momento. Tal vez, el hecho de que haya unos tímidos monstruos me hace dudar de su veracidad.

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El escritor al cual se hace referencia en otra crítica es nada más ni nada menos que el gran J. D. Salinger, y que está "caracterizado" o por lo menos inspirado en el personaje que hace Sean Connery, de escritor huraño y poco dado. Sin embargo, lejos está de ser el retrato total de aquél escritor (si eso se pretendía): además Salinger no escribió sólo una novela, y sí escribió otros trabajos luego de El guardián entre el centeno, solamente que no fueron tan famosos como esa, su primera novela.

Aclarado esto entonces, pasemos estrictamente a la película. A mi entender, es una de las peores películas que haya hecho Van Sant, sin ninguna marca personal, sin la destreza fílmica que aportaría en películas posteriores, en las llamadas Trilogías de la muerte (integrada por Gerry, Elephant y Last days).

En Descubriendo a Forrrester Van Sant nos interna en el mundo de la literatura, y la literatura no es cualquier cosa (de hecho el cine está basado muchas veces en ella) y por eso creo que el guión es pésimo para una película que trata sobre Literatura, con mayúsculas. Las frases hechas que todo el tiempo dice Sean Connery, como si quisiera que las recuadráramos en nuestra pieza, son deplorables, dignas de Corín Tellado o Paulo Cohelo.

Si me preguntaran el género de esta película para el olvido, lastimosamente, de Van Sant -porque es uno de esos directores con el cual uno se encariña a veces- yo diría que es Hollywood.

Rimbaud

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