Absolutamente conmocionado y noqueado emocionalmente. Así fue como me sentí al salir de la sala de cine tras haber visto la última película que ha logrado dejarme verdaderamente sin palabras. Sydney Lumet es como Vincent Van Gogh, un absoluto genio condenado injustamente a la indiferencia de sus coetáneos. Sólo ahora, cuando el ocaso de los días de este maravilloso contador de historias parece llegar a su fin, es cuando verdaderamente se puede entender la magnitud de su legado. Estoy convencido que en un futuro no muy lejano, el nombre de Syndey Lumet aparecerá con todo merecimiento en los libros de historia del cine como uno de sus mejores y más visionarios ejemplos.

Y ahora la película en cuestión. Podría definirse como obra maestra absoluta y punto pero son tantos los aciertos y tan pocos (o ninguno) los fallos que sería una injusticia no enumerar todas las virtudes de esta maravilla:

En primer lugar la historia es un reflejo absolutamente sobrecogedor de la impersonalización y la carencia de valores morales y familiares a favor del imperio del dinero. Algo que otras muchas películas también han podido reflejar, pero en esta ocasión Lumet nos muestra lo putrefacto de las relaciones de una manera absolutamente clásica, siempre elegante y con un estilo arrollador sin paliativos. Esta es la primera película que he visto en mucho tiempo con unos personajes tan rematadamente viles, amorales e indiferentes a las desgracias ajenas. Pone los pelos como escarpias.

Los actores y actrices se marcan un recital interpretativo apabullante. El desgarro de su alma no sólo se deduce a través de sus actos o sus discursos sino que podemos observar su dolor a través de cada uno de sus gestos y de sus miradas. Lumet los capta vagando entre las estancias de un apartamento vacío, en la habitación de un hospital, en una joyería, en una representación teatral de un colegio, en un bar de mala muerte, en un despacho inmaculado. Momentos en los que se respira la frustración, la ira, el miedo, la culpabilidad y la huída. Escenas todas para enmarcar.

El guión es impropio de una debutante en cine: sólido, sórdido, sexual, inteligente, hiriente, desolador. Un inmejorable decálogo de todas las virtudes que hay que poner encima de la mesa para conseguir una historia a la vez actual y a la vez intemporal, a la vez concreta y a la vez ecléctica. Todo ello en una película con un humor negro, negrísimo, sólo a la altura de los grandes genios del arte cinematográfico. La película más verdadera que ha dado Hollywood en años.

Lumet, enséñale al diablo tu Cum Laude en la vida. Aquí ya eres inmortal.

RagingSergio

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Ante los obstáculos que plantea la vida, una persona tiene básicamente dos opciones: afrontar los problemas o intentar huir de ellos como sea. La historia que narra "Hacia rutas salvajes" podría definirse como el viaje a ninguna parte de un jóven que se niega a afrontar su realidad. No hay nada de heroico en la actitud de Christopher McCandless a pesar de que la película le muestre constantemente como si fuera el adalid de una nueva filosofía neo-hippie. No existe ningún atisbo de inteligencia en las continuas referencias literarias a Tolstói o a Pasternak, tan sólo un supérfluo esnobismo sin capacidad de convicción.

La película de Sean Penn podría compararse a la excelente "Grizzly Man" de Werner Herzog, pero donde la historia de Timothy Treadwell irradiaba autenticidad y valentía la película que nos ocupa solo aporta una visión profundamente cobarde de la existencia. Mientras uno ama a los osos (y a la naturaleza) el otro se queda paralizado de miedo cuando ve uno. Dice el protagonista que "No importa si eres fuerte, lo que importa es sentirte fuerte". Yo creo que el pobre chaval ni era fuerte ni se sentía fuerte.

Aún así me ha sorprendido muy gratamente la dirección de Sean Penn, sólida y contundente. También la interpretación del chico es digna de mención aunque personalmente me quedo con Catherine Keener y Hal Holbrook. Ambos constituyen lo mejor de todo el (excesivo) metraje. Quizá una cierta reiteración en las escenas preciosistas a cámara lenta y una ligera confusión en el tratamiento temporal de la cinta, hacen que el conjunto técnico no sea del todo satisfactorio. La película fue rodada íntegramente en decorados naturales y eso se nota en las bellas muestras de paisajes, sin duda un gran trabajo de localizaciones.

Como conclusión diré que "Hacia rutas salvajes" representa lo contrario de lo que intenta contar. Aunque pueda dar la falsa apariencia de que el protagonista eligió el camino más difícil (renunciar a una vida de comodidades y éxito) en realidad escogió la ruta de una evasión profundamente hipócrita y totalmente ausente del verdadero coraje de vivir. Aún así el creía que era libre y que poseía la verdad y con eso debió bastarle.

RagingSergio

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Magistral. Empezaré diciendo que nunca había visto una manera de filmar tan sumamente trepidante. La cámara no filma la acción, la cámara ES la acción. La filmación alcanza un nivel de realismo que roza el documental. No me puedo explicar como se han rodado algunas de las escenas, supongo que con una magnífica planificación y con un equipo super profesional. Las distintas localizaciones (entre las que se encuentra Madrid) están muy bien escogidas, se evita caer en cualquier tópico y se adopta una postura neutral y respetuosa, elemento muy típico en las películas de Paul Greengrass.

Hasta aquí una valoración técnica. En cuanto a la trama creo que El ultimátum de Bourne es la más "digerible" de entender de toda la trilogía. Conforme va avanzando la película vamos descubriendo con el protagonista numerosos secretos a través de flashbacks y la ayuda de algunos "cooperantes". Todo en la historia encaja a la perfección, se atan todos los cabos hasta el más mínimo detalle (ver el spoiler). La historia no es la típica historia de espías sino algo mucho más complejo donde los intereses de un país están por encima de la moral y la dignidad del individuo. Bourne no representa a un héroe sino más bien a todo lo contrario. Un tipo con dignidad incapaz de de hacer el mal por el mal (ver el spoiler) y que su único objetivo es descubrir su pasado para situarse en su presente. Entiendo ahora las declaraciones de Damon en las que calificaba a James Bond de asesino, y es que si ves la trilogía completa de Bourne entiendes perfectamente a que se refiere.

Con esta trilogía, no sólo se ha iniciado una nueva forma de entender un determinado tipo de cine sino que con ella se muestra ante nuestros ojos una profunda reflexión sobre el sistema en el que vivimos, donde ya han dejado de existir héroes y villanos y donde lo más importante es descubrir quienes somos verdaderamente y que queremos hacer con nuestra pequeña parcela de libertad.

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- Las escenas en las que Bourne tiene a tiro a un enemigo agonizando y decide no dispararle dice mucho de la personalidad del personaje. Se rebela contra sí mismo, contra lo que le han enseñado y logra vencerse. Decía Buda que no hay mayor victoria que quien se ha vencido a sí mismo.

- Me ha sorprendido el giro que da al final de la película la historia. Cuando Bourne está hablando con la directora de la CIA y vuelve a repetir lo mismo que en el final de "El mito de Bourne". Es entonces cuando se da a entender que la película comienza en el intervalo que va desde que escapa de Rusia hasta que llega a Nueva York y prosigue la narración hasta finalizar.

- La escena del depósito de cadáveres en Tánger me resultó muy curiosa. Mi primera reacción fue "¡¡Eh, vaya fallo!! Osea que un fugitivo puede acceder a un depósito de cadáveres sin que nadie le pregunte nada" Luego cuando Bourne le da dinero al del depósito descubrí que todo está planificado al milímetro.

RagingSergio

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No puedo escribir sobre "Los Gonnies" sin que un sentimiento de nostalgia se apodere de mí. Es entonces cuando empiezo a recordar con ternura aquellas primeras películas que hicieron que me enamorara del cine. Aunque ésta en cuestión la ví algo mayor, pronto reconocí que estaba ante una película especial. El fin de algo en común hace brotar una amistad verdadera entre un grupo de niños vecinos de los muelles de Goon. Ese fin concretamente es la demolición de sus casas, pero bien podría ser también el miedo ante el fin de la inocencia y la respuesta de negación a través de la imaginación y de la amistad.

A través de un envoltorio comercial-aventurero, creo atisbar en esta película una contundente reacción contra la incapacidad de maravillarse y la falta de imaginación del mundo adulto. Ésta es mi interpretación pero "Los Goonies" también puede ser muchas otras cosas. Entre ellas una muy entretenida cinta familiar, un buen ejemplo del género de "amistad" muy propio de los 80 (otro buen ejemplo sería "Cuenta conmigo") o una invitación a la aventura a través de lo desconocido.

Cada vez que vuelvo a ver "Los Gonnies" recuerdo aquellos años libres de ataduras, con la libertad de la imaginación, la felicidad de la aventura y la sensación de tener alguien a tu lado con quien compartir tu vida.

RagingSergio

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Tengo que confesarlo: soy un enamorado de la filmografía de Roman Polanski. Siempre me ha parecido un director increíblemente inquietante y perturbador, un diseccionador de la mente humana sin igual (sólamente comparable a David Lynch) que plasma desgarradamente sus propios demonios interiores en cada una de sus obras. Y por supuesto, uno de los mejores directores del género de terror psicológico (por no decir el mejor) de la historia del cine.

"El quimércio inquilino" es una película excepcional. Lo es por lo que cuenta y por cómo lo cuenta, por lo que crítica y por cómo lo critica. Pudiera parecer demasiado similar a su otra obra maestra "La semilla del diablo" pero guarda determinadas distancias que las conviertes en cintas paralelas aunque no convergentes. ¿La principal diferencia? El humor negro y el surrealismo de "El quimérico inquilino" frente al terror psicológico y la inquietud generalizada de "La semilla del diablo".

¿Qué cuenta?
Explícitamente la historia de un jóven parisino de ascendencia polaca, temeroso, huidizo y sumamente amable y cortés que inicia viaje a la locura a través de los espejismos de su mente. Implicitamente tenemos una narración de cómo la impregnación psicológica de un determinado ambiente puede tener consecuencias negativas y provocar una alienación de la mente que lleve a su autodestrucción.

¿Cómo lo cuenta?
Especifico más este apartado en el spoiler.

¿Que critica?
Fundamentalmente el caracter nocivo de una determinada moral colectiva que intenta fagocitar cualquier intento de invasión externa. Es una denuncia de la imposibilidad de ser un cordero en un terreno habitado casi exclusivamente por lobos. También es una reflexión de un artista surrealista del movimiento Pánico como Roland Topor sobre la realidad y los mecanismos mentales que la desmontan.

¿Cómo lo critica?
A través de la exposición del submundo de una comunidad de vecinos cualquiera que intenta constantemente constreñir la libertad de su invasor, en este caso un nuevo inquilino con demasiada ingenuidad.

"El quimérico inquilino" debe reinvindicarse desde ya, no sólo como una de las mejores películas de su director, sino como una auténtica explosión de creatividad cinematográfica al servicio de la crítica social, moral y psicológica.

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Como ya he dicho el autor de la novela en la que se basa la película es el pintor Roland Topor, miembro junto a Alejandro Jodorowsky y Fernando Arrabal del Movimiento Pánico, muy cercano al surrealismo y que fue definido por sus miembros como "una manera de expresión donde preside la confusión, el humor y el terror".

La fotografía del maestro Sven Nykvist es sencillamente genial, sobre todo en los decorados interiores donde reina una atmósfera turbia dónde la única luz de una bombilla o la tenue iluminación proveniente del rellano de una escalera se tornan elocuentes, opresivas y profundamente inquietantes. Un trabajo prodigioso. Igualmente la banda sonora de Philippe Sarde evoca ambientes cargados y tensionales de manera muy notable.

Los actores están simplemente geniales. El propio Polanski hace, en mi opinión, el mejor papel de su carrera como actor. La co-protagonista Isabelle Adjani hace que nos enamoremos de su personaje casi al instante y los secundarios Shelley Winters y Melvyn Douglas están magníficamente macabros y malévolos en el ocaso de sus respectivas carreras.

Y para finalizar hay que destacar el finísimo sentido del humor que impregna todo el metraje, con escenas como la de la cajetilla de Marlboro, las quejas de los vecinos, las terrazas de la comunidad convertidas en palcos teatrales, el pérdida del diente (asociado a la pérdida de identidad y a la muerte), la escena en los dos protagonista y el discurso del protagonista sobre la mente (profundamente anti-aristotélico) Y así una infinidad de detalles que no hacen sino enriquecer una historia inolvidable.

RagingSergio

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