Jon Avnet firma un relato de exquisita ambientación sureña no exento de intriga que gira en torno a Whistle Stop, un pequeño pueblo de Alabama donde se cometió un asesinato. Pero esta película es sobre todo la historia tratada con delicadeza y cariño en cada fotograma de lo que es mucho más que una amistad entre dos mujeres: la “encantadora de abejas” Idgie y la resplandeciente Ruth, para cuyo desarrollo el perfecto trabajo de diálogos, gestos y miradas entre Mary Stuart Masterson y Mary-Louise Parker resulta crucial.

La novela de Fannie Flagg en la que se basa el guión es más explícita respecto a los sentimientos entre las dos protagonistas. Sin embargo, es precisamente ese tratamiento sutil, leído entre líneas, de una poderosa relación de amor lo que hace a “Tomates verdes fritos” una gran película; pues esos sentimientos se nos presentan como poesía visual y argumental. De este modo, al principio, cuando el espectador aún no sabe hacia dónde caminará la historia ni quiénes son sus verdaderas protagonistas, el director ofrece un primer plano fugaz de una pequeña Idgie cogiendo la mano de una adolescente Ruth mientras cruzan un puente. Toda una declaración sobre lo que nos queda por descubrir en las dos horas de metraje.

Estos hechos se desarrollan como un suceso del pasado que se nos desvela retrospectivamente intercalándose poco a poco dentro de otra historia contemporánea de boca de Ninny Threadgoode –una entrañable anciana interpretada en un gran trabajo por Jessica Tandy–. Acaso es este hilo paralelo el que contiene las partes más flojas de la película cuando se nos muestran algunos detalles de la vida conyugal de Evelyn Couch: otro personaje femenino encarnado por Kathy Bates, que es a quien Ninny cuenta esa historia que tanto terminará influyendo en su modo de ver la vida. El espectador no desea sino que cuanto antes Evelyn se reúna otra vez con Ninny para que ésta continúe ese tan absorbente y poderoso relato, tanto para Evelyn como para nosotros, que una vez sucedió entre los olores a tomates verdes fritos del Café de Whistle Stop y que permanecerá vivo, como sus personajes, mientras quede alguien para seguir contándolo.

Pedro

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Si hay una comedia de las de auténtica risa que deba escogerse como representación del elenco cinematográfico, ésta es sin duda “La vida de Brian”. Obra cumbre de los Monty Python que reúne sus más imaginativas a la par que irónicas secuencias de un modo que se convierten en una obra de arte del humor. Porque todo en esta película es arte y genio, desde los mismos títulos del comienzo hasta ese magnífico e inolvidable final acompasado con las notas de la canción “Always look on the bright side of life”.

La sátira de paralelismo con la vida de Cristo les costó las correspondientes protestas y escándalo por la supuesta blasfemia, pero la cosa no fue a mayores y la película se ha convertido ya en un clásico imprescindible. Y como buen clásico nos deja motivos universales que bien pueden aplicarse en cualquier época... Porque... “aparte del alcantarillado, la sanidad, la enseñanza, el vino, el orden público, la irrigación, las carreteras y los baños públicos, ¿qué han hecho los romanos por nosotros?” Todo un genial sarcasmo sobre la necedad humana.

Pedro

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Una mezcla de azúcar fundida hasta el punto de formar caramelo líquido es la técnica heredada desde el antiguo Egipto por algunos lugares de Oriente para la depilación tanto casera como en muchos salones de belleza. De este modo, el mismo producto que causa el dolor con el tremendo tirón de pelo puede proporcionar el placer de su sabor si nos lo llevamos a la boca. Gozo o dolor.

Eso es lo que experimentan los personajes de “Caramel” en su búsqueda incesante de alguien a quien amar y que les ame. La historia se desarrolla en torno a cuatro mujeres que trabajan en un salón de belleza y los que se relacionan con ellas, y se impregna en general de un espíritu melancólico así subrayado por la música y la propia composición de las imágenes. Y es aquí, en el modo de mostrar con las imágenes una historia por otra parte absolutamente sencilla y cotidiana, donde radica el principal mérito de la joven realizadora Nadine Labaki, quien da el salto de la dirección de vídeos de música libanesa a la gran pantalla con muy buen pie y arriesgándose con un trabajo de autor, donde además aparece como guionista y actriz -el papel de la atractiva peluquera Layale-.

Priman los medios, cortos y primerísimos planos, dando así un total protagonismo a los actores y sacando de ellos muy buenas actuaciones con un máximo de expresividad en los rostros que la fotografía aprovecha retratando como debe hacer: comunicando hondos sentimientos sin palabras. Algunas de esas composiciones, como por ejemplo las escenas paralelas de la anciana desmaquillándose mientras el viejo se levanta junto a la mesa del café y la taza vacía, o los planos y contraplanos entre Layale y la niña con la pecera entre medias, llenan la pantalla de sutil belleza.

Una joven que busca el amor prohibido en su mismo sexo, una mujer que en su papel de amante se ve condenada a ser “la otra”, una anciana con miedo a enamorarse, una mujer madura que se resiste a perder la juventud, otra joven que debe ocultar su pasado a ojos de la sociedad… Que nadie espere emociones fuertes y que los adictos a ellas mejor se abstengan; porque “Caramel” es un cuadro costumbrista agridulce que apuesta por cambiar la acción por los deseos y sentimientos cotidianos de varias mujeres en un modesto barrio de Beirut.

Y terminaré con puntos suspensivos, como hace la película, que aun pareciendo acabar antes de tiempo, nos deja sabiamente dibujado el camino de cada personaje hacia un futuro de caramelo, que como el amor, puede servir para gozar o sufrir…

Pedro

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Nos enseña ese genio llamado Luis Buñuel los entresijos de la burguesía acomodada, sus hipocresías y sus miserias, mediante imágenes cargadas de esa simbología propia de toda su obra que a su vez nos da las pautas del comportamiento humano. Pero lo realmente brillante de este trabajo, lo que le da el empujón de gran película a obra maestra, es que decide hacerlo de un modo que al espectador le resulte extraordinario. La reunión de los personajes en un salón durante una fiesta lleva la situación al límite en un encierro en el que terminan asemejándose a los náufragos de la isla de “El señor de las moscas” de William Golding, donde todos pueden mostrar lo peor del ser humano mientras la situación les denigra física y moralmente. No en vano, el pretendido título inicial era el de “Los náufragos de la calle Providencia”. Al mismo tiempo, el argumento se envuelve dentro de un contexto fantástico que recuerda al mejor Borges, siendo el motivo del encierro pura disquisición psicológica, aparentemente absurda pero necesaria como detonante, donde las situaciones se repiten y donde es el mito del eterno retorno la clave de la solución.

Muestra además de su talento con la cámara es precisamente que logra esas repeticiones argumentales usando en ocasiones la técnica de rodar la misma escena desde ángulos distintos para luego montar ambas –montaje que acostumbra como en el resto de sus películas a hacer él mismo–; y todo ello no exento de un trabajo impecable con sus actores y de una planificación metódica que aprovecha al máximo el espacio y los encuadres.

La pregunta inmediata que asalta al final de la proyección intenta comprender el porqué de ese título...“Yo primero pensé que el título tenía una relación subterránea con el argumento, aunque no sabía cuál”, diría Buñuel. “A posteriori lo he interpretado así: los hombres cada vez se entienden menos entre sí. Pero ¿por qué no se entienden? ¿Por qué no salen de esta situación? En la película es lo mismo: ¿Por qué no llegan juntos a una solución para salir de su encierro?”

En Buñuel se reúnen cine y vida en forma de surrealismo, y es “El ángel exterminador” muestra inequívoca de ello. Como todo surrealismo que se precie, pueden encontrarse tantas interpretaciones como espectadores, infinitas respuestas para una simple pregunta. En definitiva, qué mejor que las palabras del autor para definir su obra: “Si el filme que van a ver les parece enigmático e incoherente, también la vida lo es. Es repetitivo como la vida y, como la vida, sujeto a múltiples interpretaciones. El autor declara no haber querido jugar con los símbolos, al menos conscientemente. Quizá la explicación de El ángel exterminador sea que, racionalmente, no hay ninguna.”

Pero tal vez, con estas palabras, Buñuel -como Borges- también juega con nosotros.

Pedro

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A través de la aventura y el placer del viaje, Sean Penn en su cuarto trabajo tras la cámara, nos introduce realmente en reflexiones sobre el ser humano y la búsqueda de respuestas de un joven que emprende un proceso para encontrarse a sí mismo -un viaje también interior, probablemente el más importante-. Basándose en la realidad vivida por Christopher McCandless, la película acompañada por una muy buena fotografía con excelentes paisajes y retratos de variopintos personajes, nos descubre las entrañas de un chico que un buen día decidió cambiar su vida prescindiendo de todos los bienes posibles para preguntarse aquello que nos decía la ya vieja “The logical song” del grupo musical del que tomará su falso apellido: ¿Quién soy?

La historia se divide en diferentes etapas según el aprendizaje hacia el desapego de lo material durante su peregrinaje: la iniciación, la madurez, la sabiduría… Etapas todas ellas contadas mediante flashbacks recurrentes desde el destino final de Christopher, donde finalmente anotará en uno de esos libros que siempre le acompañaban la ansiada respuesta de su búsqueda, la cual los espectadores descubriremos junto con él al acabar la emotiva proyección. Si bien ese empeño últimamente muy de moda de meter flasbacks en historias que podrían perfectamente llevar un desarrollo lineal no termina de ser señal de agudeza de los guionistas, en este caso no supone demasiado inconveniente ni resta viveza a la narración que se mantiene en todo momento sin decaer.

Un buen día también yo conocí a Alexander Supertramp. Me dijo que quería irse a vivir aislado en plena naturaleza, donde se respira libertad, porque pensaba que sólo de esa forma el hombre podría ser plenamente feliz. A pesar de que varias veces, preocupado, le comenté que no podría sobrevivir sin nada, siempre terminábamos discutiendo e insistía en que era yo quien estaba atado a cosas sin las que no era capaz de vivir al mismo tiempo que no podía ser feliz con ellas. Una buena mañana, cuando abrí la puerta de su cuarto, se había marchado. Desde entonces nunca más supe de él y allí me quedé lleno de temores, asombrado al discernir que no sentía miedo realmente por lo que pudiera sucederle, sino por si a su modo él sí alcanzaba de verdad la felicidad.

Perfectamente compaginado entre Jack London y Tolstoi, Christopher-Alexander vivirá su particular “llamada de la selva” indagando en el alma de las personas y en la suya propia para también aprender de sus propios errores y encontrar un sentido en soledad, bajo las cumbres nevadas, junto a bosques y ríos torrenciales, mirando el azul del cielo salpicado por las nubes allá donde se pierden los caminos…

Pedro

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