Críticas de: SyckBoy - FilmAffinity

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Críticas de: SyckBoy

Kambei, (genial T. Shimura) Kikuchiyo (el inmortal e inigualable T. Mifune), Gorobei, Kyuzo, Heihachi, Katshuhiro y Shichiroji, los siete samuráis de Kurosawa, siete personajes magistrales surgidos de la mente del maestro japonés, unidos para salvar a un pueblecito de campesinos (que sólo les ofrecen un cuenco de arroz) del azote de unos bándalos, jugándose la vida impulsados por sus ideales.
Una de las mejores películas de todos los tiempos que desborda maestría en cada unos de sus planos a lo largo de más de 3 horas, fiel reflejo de la sabiduría de su director, de su estilo único y absolutamente inigualable que fluye aquí en su máximo apogeo. Como tantas obras de la impresionante filmografía de Kurosawa la película parece estar tocada por algo mágico e inexplicable, con esa maravillosa forma de filmar en espacios abiertos, de crear personajes y de diseccionar la condición humana.
Para colmo “Los siete samuráis” es pionera en dos técnicas cinematográficas: El stop-motion (fíjense en la escena en la que Kambei mata al ladrón), muy utilizada para escenas violentas y la Multi-cámara (Kurosawa usa 3 cámaras diferentes a la vez: plano largo, medio y corto), muy habitual en el cine actual.

“Eva” rebosa calidad: los magníficos y larguísimos planos secuencia adornados con música de Billie Holiday que nos ofrece Joseph Losey (que saltaría a la fama un año después con “El sirviente”), su hermoso retrato de Venecia y la construcción de una historia, tantas veces reflejada en el cine negro y en la literatura del mismo género, de una autodestrucción anunciada, tratada con la mano maestra de un director en estado de gracia siempre interesado por las relaciones de dependencia y degradación humanas.
Y sobre todo esta película no sería lo que es sin una Jeanne Moreau en una de las mejores actuaciones de su carrera. La actriz francesa encarna a la perfección el papel de una de las “femme fatale” más cruel y fría de la historia del cine que disfruta haciendo saltar por los aires la existencia de un arrogante y presuntuoso escritor en la cima del éxito personal y profesional. Un 10 para Jeanne Moreau, “hermosa, cruel, amoral, destructiva…”.

“Podrías estar en el cielo hora y media….antes de que el diablo sepa que has muerto”. Con esta impactante frase inicia su último film el abuelete Lumet al que, a sus 84 primaveras y con un Oscar honorífico a sus espaldas, muchos habían dado por muerto hace ya tiempo. Y es que se lo ganó a puso encadenando bodrios en los 90 hasta que sorprendió a todos en 2006 con la simpática “Declaradme culpable”. Su nuevo trabajo de simpático tiene poco, pero le convierte en la resurrección cinematográfica de la década.
¿Puede una película ser clásica y moderna al mismo tiempo? En manos del viejo y renacido Sydney parece ser que si. Lumet coge la tragedia criminal clásica, una historia de perdedores mil veces contada, y la envuelve con una atmósfera fría e incomoda, creando una extraña, original y muy amarga historia sobre el diablo que todos albergamos en nuestro interior. Un diablo que se nos muestra con la cara más sucia, ruin y cutre que imaginarse pueda. Con el espectador como aliado, pues desde el principio queda claro que todo va a salir mal, y con la ayuda de un trabajo de montaje magnífico, el director de “12 hombres sin piedad” despedaza la narración moviéndose en zig-zag y repitiendo escenas que poco a poco van adquiriendo matices insospechados.
Lumet se luce en la dirección de actores: desde un sobrecogedor Seymur Hoffman y un muy creíble Ethan Hawke como protagonistas, hasta los secundarios (Marisa Tomei nunca fue más atractiva y Finney pocas veces tuvo tanta fuerza) y terciarios (el camello o el perista), todos cumplen con su cometido como piezas de un puzzle negruzco destinado a mostrarnos de qué es capaz ese demonio que llevamos dentro y al que a veces dejamos escapar cuando comprobamos que nuestros sueños no se corresponden con la realidad.

“Perdición” es para mí mucho más que una película ya que marcó mi afición al cine, me descubrió el cine clásico americano, el cine negro y al maestro Wilder. Me marcó profundamente y es (y lo será siempre) mi película favorita.
En “Double indemnity” confluyen multitud de elementos que hacen que sea un film capital en la historia del cine y que la convierte en el modelo ideal de “film noir”:
- La historia es muy arriesgada, totalmente macabra, rompedora para la época y contraria a la moral puritana, por lo que fue dura e injustamente castigada en los Oscar de aquel año (en los que triunfó la ramplona historia de un cura bonachón llamada “Siguiendo mi camino”). Wilder se enamoró de la novela creada por James M. Cain y junto al mítico escritor de novela negra Raymond Chandler (“El sueño eterno”) escribió la adaptación cinematográfica. La relación entre ambos fue dura, se llevaron mal, pero de ella surgieron algunos de los mejores diálogos de la historia del cine.
- La fotografía, a cargo de John F. Seitz, marcó una época y un género. La luz entrando a través de las persianas venecianas, reflejándose como barrotes de una celda sobre el salón de la casa de los Dietrickson y sobre los protagonistas….
- En cuanto a la dirección, Wilder ofrece una clase magistral de cómo utilizar dos recursos cinematográficos: el “flashback” y la “voz en off”. Con el primero articula la historia contándonos el final en el minuto 5 (“I did it for the money, and for a woman, and I don`t get the money, and I don`t get the woman…”), lo que sumerge en la amargura al resto del relato; y con el segundo nos introduce en los pensamientos, sentimientos y reflexiones más profundos del protagonista. Son para enmarcar el primer encuentro de los protagonistas, cargado de erotismo, la tensa escena de la puerta y los pequeños detalles, como la pulsera del tobillo de la Stanwyck, el enano infalible o las cerillas.
- En los papeles protagonistas, dos actores que dejan atrás sus registros habituales, que jamás habían hecho papeles dramáticos similares: Barbara Stanwyck que marcó para siempre con su actuación lo que debe ser una perfecta “femme fatale”, y Fred McMurray, magnífico en su rol de vendedor de seguros que se deja arrastrar al abismo. Y para completar la terna, Edgard G. Robinson, uno de los mejores y menos reconocidos actores del cine clásico americano, que aquí lo borda.
- Por último, la música de Miklos Rozsa envuelve el relato ayudando a crear esa atmósfera cargada y malsana.
Todo esto es “Perdicón”, el magnfico clásico de Billy Wilder que marcó la estética del cine negro e hizo un poco más grande al séptimo arte.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

spoiler:

Como curiosidad, se llegó a rodar un final alternativo en el que el protagonista es conducido a la cámara de gas del cuál sólo de conservan algunos fotogramas. Este final le pareció demasiado moralista a Wilder que afortunadamente optó por algo más poético, el protagonista arrastrándose hasta el umbral de la puerta, donde se da por vencido y busca, pero no encuentra, una cerilla que finalmente le ofrece su amigo…

A estos hermanos cincuentones está claro que les encanta jugar con los géneros cinematográficos, transgredir sus reglas, moldearlos a su antojo y hacerlos suyos. En “No es país para viejos” el objeto de “coenización” es la novela homónima del célebre escritor estadounidense Cormac McCarthy y el resultado es un film que viaja a medio camino entre el western y el policíaco, dando a luz algo así como una película de persecuciones a cámara lenta. La última película de los Coen aúna, en dosis exactas y precisas, su habilidad para transformar lo extremadamente horrible en algo atractivo y para impregnar todo el relato con un humor negrísimo sin que, en su conjunto, el film pierda firmeza y consistencia. Y es que en el cine de los Coen todo está medido al milímetro. Transgredir las estructuras narrativas habituales es otra de sus aficiones: se valen de tres personajes protagonistas que parecen estar en películas sesparadas entre si, que se presiguen pero no se tocan, y cuyos destinos están irremediable y trágicamente unidos. El personaje de Brolin remite en parte al esquema “hitchckoniano” del hombre común atrapado en una perversa red de intereses cruzados, al igual que el William H. Macy de “Fargo” o el Dan Hedaya de “Sangre fácil”, con la novedad de que este valiente tejano se mete en el lío de forma consciente. El segundo en discordia es su perseguidor, Anton Chigurgh, un símbolo del mal absoluto al que Bardem desvincula por completo del mundo real despojándole de cualquier atisbo de humanidad: sin elementos étnicos claros, sin exteriorización alguna de sentimientos, con una mirada que hiela la sangre, un peinado que definitivamente no es de este mundo y una voz (donde está el acento español?!) que parece surgir del rincón más profundo del infierno. En contraposición a éste aparece un viejo sheriff al que da vida Tommy Lee Jones. Desbordado por tanta salvajada, asiste atónito e impotente al horrendo espectáculo, un personaje cuyas reflexiones ayudan al espectador a conocer la mentalidad y las peculiaridades de una tierra que, definitivamente, no es para viejos. El desolado paisaje fronterizo, integrado de forma magistral en el film, funciona como un personaje más, envolviendo al relato con una capa de aspereza y desolación e incluso anticipando acontecimientos (el cielo que avisa tormenta tras el fortuito encuentro del maletín).
Y todo esto para conducirnos hacia un final que nos deja sumidos en la nada, pues es eso, la más absurda nada, el resultado habitual de la violencia desmedida y sin control que siempre ha estado, está y estará unida inexorablemente a la condición humana