Paul Dillon (cuyo físico se encuentra entre un skin head y el Jefe Bigum de los Simpson) es un taxista de la ciudad de Chicago. Los directores Mary Cibulsky y John Tintori, cogen la novela, supongo que autobiográfica, de Will Kern para retratar un día de trabajo de este particular conductor de almas.
Siempre es de agradecer que el cine se detenga en la mierda del día a día de la working class, que sus miserias y prolijas jornadas protagonicen algo más que la desidia de sus protagonistas, cuando ir al trabajo duele, cuando la quemazón de la subsistencia abrasa al individuo.
Con vocación naturalista recorremos las calles de Chicago, gracias a los usuarios que se suben al taxi. La película se limita a la sucesión de historias de los clientes, por lo que la película está determinada por el interés dramático o cómico que éstos puedan tener. Ahí es donde la obra no dice nada, puesto que la mayoría de las historias (salvaría la de Julianne More y la de J.C.Reilly) no tienen ningún interés, la verdad que un taxi debe de dar para anécdotas o más divertidas, o más bellas o más impactantes que las que nos cuentan.

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Trabajo de Alexander Payne, consagrado a mayor gloria y lucimiento de su absoluto protagonista, Jack Nicholson.
Comedia negrísima, con una intencionalidad y aires muy amargos y críticos.
¿Qué piensas cuando llegas a la última fase de tu vida y echas la vista atrás y ves que tus sueños y aspiraciones de juventud se quedaron en nada?. Alexander Payne responde a esa pregunta retratando al americano medio sin ningún pudor, ni cariño. Nicholson y su entorno familiar aparecen como seres simples y mezquinos.
La mirada incrédula, gastada, esquiva y escéptica del actor nos guía por este viaje-huída en busca de alguna razón que dar a su existencia y sobre todo a su pasado. Todo contado a través de las cartas que manda a su niño adoptado.
El actor que siempre tiende al histronismo, en este caso tiene un personaje que le da todo un abanico de posibilidad para ejercitar su gestualidad, y el resultado final es muy gratificante tanto para él como para el espectador.
La mirada del director es despiadada y amarga con sus personajes y sus insignificantes vidas; y esto da un valor mayor a la película al mostrar las miserias de este hombre que al final de sus vida comprende que no “dejará huella”.

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Bajo este singular y reinterpretado título se esconde una gran obra del desigual S. Pollack. Una película de basada en una práctica que se prodigó en los años de la gran Depresión americana: los carniceros maratones de baile.
Los maratones de baile era un espectáculo que se desarrollaban durante semanas y en las que los desaprensivos y desesperados concursantes pugnaban por un premio que sólo podía ganar una pareja. Un espectáculo dantesco, degradante para el ser humano y muy representativo de una sociedad y un tiempo. De la desesperación que conduce a las gentes a hacer lo que sea por dinero y de la condición humana, que disfruta viéndolo.
Pollack nos cuenta con gran realismo el desarrollo de un maratón, centrándose en algunos personajes que conducen las historias paralelas de sueños, pasados y desilusiones que bailan sobre la pista de baile. Entre ellos destacan una imponente Jane Fonda (personificando a la perdedora y mujer fatal de una manera incólume), o el vendedor de crecepelos y maestro de ceremonias Gig Young adalid de una sociedad devoradora de sus hijos; o la víctima del sueño americano, esa aspirante a actriz Susananh York que posiblemente acabará de haciendo la calle.
Muy buen filme, duro y desgarrador, emparentado con Las uvas de la ira por su temática pero llevado con el ritmo, el descaro y la crudeza del cine de los ´70

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Más que ser su cuarta obra, Storytelling parece la opera prima de un director que apunta buenas maneras, un universo particular, algo que contar, pero que lo hace atropelladamente y sin un planteamiento claro. Esta agridulce sensación es la que deja la muy esperada Story... tras la apoteósica hecatombe de Hapiness.
Solondz sigue con sus mismo demonios, dispara contra lo mismo que en sus anteriores obras: la familia, el sexo, los valores tradicionales, etc... en dos historias paralelas: la primera, localizada en la universidad donde las dudas de los estudiantes les atenazan, los miedos les hacen presa de la figura del arrogante profesor (quizás el mejor personaje); la segunda, sigue la trayectoria de un fallido director de documentales ( el ahora revindicado P. Giamatti) que enfoca su trabajo en un joven adolescente de barrio residencial, que se niega a ir a la universidad frente al pavor de la familia.
Ambas historias sin tener ninguna conexión, tan solo la temática, parecen más bien dos cortos que una película como tal. Aunque hay algún momento brillante (las conversaciones del repelente niño con la explotada chacha salvadoreña son ácidamente sórdidas), el tufillo experimental acompaña todo el metraje.

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Primera película del manifiesto Dogma. Por la que se renuncia al cine superficial y artificioso, buscando el cine puro como documento realista, reflejo de la realidad del ser humano.
Este primer film lo firma Thomas Vinternberg, que también lo escribe. Junto a Von Trier y otros cineastas daneses encabezaron este movimiento fílmico que duró apenas la década de los noventa pero que ha gozado del favor de la crítica.
En el 60 cumpleaños del patriarca de la familia, ésta se reune en un hotel para celebrarlo. En el día que transcurre la celebración todos los fantasmas familiares que estaban ocultos en el armario saldrán a escena provocando que el día se convierta en una caótica catarsis familiar.
Este tipo de cine afronta este tipo de temáticas duras y realistas y tiene en la interpretación de sus actores uno de sus pilares artísticos. En este filme ambos propósitos se cumplen a la perfección: una voraz crítica a la institución familiar de mano de unos actores desconocidos pero cristalinos en sus emociones.
Buen cine no por lo estúpido de las autolimitaciones que se imponen sino por la historia que cuenta y como se presenta ante un espectador atónito.

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