He aquí lo que considero el mejor trabajo de Tarantino hasta la fecha. Una verdadera pieza maestra de intachable estilo. Porque Tarantino asume su madurez como cineasta (se le olvidó con Death Proof), porque es su mejor construccion de guión donde muestra sus mejores virtudes, sintetizando los logros de pulp fiction a este respecto y aprendiendo también de los errores de la misma (No, lo siento, pulp fiction no es el mejor guion de la historia del cine), porque nunca en una de sus películas unos personajes estuvieron tan bien construídos (atención a las interpretaciones de Michael Madsen y Michael Parks), y porque la resolución de la historia es cuidada, mimada, épica y a la vez simple, porque es lo que debe ser teniendo en cuenta lo que ocurre y cómo son esos dos antagonistas que se aman y odian tanto. Los opuestos nunca estuvieron tan de luto. Leone, Peckimpah, mirad a vuestro discípulo, cómo ha dado ÉSA vuelta de tuerca apropiada, cómo ha construído genial y rigurosamente, con genio y agallas una historia de venganza con su trascendencia necesaria. Es casi una tragedia, porque las cartas estaban echadas, y el destino se cumple como uno se temía, con un reguero de sangre que se lleva a unos malvados tan queridos, tan apreciados. Héroes y antihéroes vienen a ser lo mismo. Se cumple el periplo del guerrero, y ocurre la redención final. Y también en el espectador, que lo experimenta con alivio. Una grandísima película.

Pilato

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Dennis Hopper quiso dirigir un drama sin convencionalismos, y sin tópicos que hicieran una historia de tribus urbanas a la carta. Renunció al estilo estrictamente cinematográfico y realizó un drama con claros tintes de documental. El espectador se halla perdido y ausente de referentes. Su apuesta renuncia al ritmo narrativo, favorece el desvío contínuo de la línea de acción, así como el excesivo metraje en favor de la captación minuciosa de la realidad. Emplea ciertas dosis de extrañamiento que impide que el espectador se emocione con el claro objetivo de favorecer el análisis. Sin embargo los puntos más fuertes de Colors están en los escasos momentos en que la obra es por así decirlo más cinematográfica, cuando los conflictos marcan la acción que nos acerca a la tragedia final. El resto queda prácticamente para la galería. Pese a todo, sorprende aún su crudeza, así como a un servidor le molesta ya un poquito su tufillo de época. El hiperrealismo de Colors hizo que la obra se atrofiara aún más con el paso de los años, una vez pasado su efectismo más evidente (música, argot, y modas callejeras eclipsaban un poco las carencias de la película). Aun así, Colors dejó señalada una pauta novedosa para abordar el cine con otras perspectivas visuales y narrativas, tanto en películas como en series de televisión. Desde ese punto de vista, no es un film más; incluso sus defectos lo identifican claramente.

Hopper localiza el conflicto general en las calles, pero se olvida de una construcción más rigurosa en los personajes más antagonistas, que quedan claramente diluídos, dejando el peso total de la historia en los solventes Robert Duvall y Sean Penn. El personaje de María Conchita Alonso acaba siendo anecdótico, pese a que ella realiza un convincente trabajo.

Falta enfoque. ¿Hacia dónde se dirige Colors? Al espectador le dirige hacia un rutinario aturdimiento solo interrumpido en momentos puntuales.

Atención a la secuencia final. Realmente lo mejor de la película (sigue en spoiler)

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

"Solo un minuto... llama a mi mujer... Solo tengo que respirar un minuto... solo un minuto..."

Pilato

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Criticar esta película enfocándola desde una perspectiva racionalista y aún naturlista parece fuera de lugar. "Orca", ante todo, es una historia de venganza, un tragedia casi anticipada por el error trágico del personaje que interpretó magníficamente Richard Harris. La identidad de la orca es de las más espeluznantes y emotivas que yo haya visto en el cine. La acción pasa por ese periplo que experimenten la ballena y el pescador hasta enfrentarse en esa esperadísima e inevitable batalla final. No decepciona. Casi se cumple como debe ser, suscitando además numerosos conflictos emocionales e incluso éticos. Porque hablar de esta venganza te lleva a un conflicto social más profundo y candente. No es extraño (¿o sí lo es?) que acabara hablando con mi novia sobre si es lícito moralmente matar a un semejante en determinadas circunstancias, o si podemos aprobar esa muerte. ¿Semejante he dicho? ¡Estamos hablando de una orca! ¿Pero en la película el espectador la concibe como tal? ¿o más bien acaba implicándose emocionalmente como si se tratara del mismo protagonista? El hecho de que se trate de una orca contribuye a engrandecer aun más el conflicto, por la magnífica construcción que se hace de ese personaje. Parece un entretenimiento de primera. Y acaba cumpliéndose las expectativas sobre lo que algunos consideramos una buena película de aventuras, con tintes de tragedia clásica. Solo que en lugar de un ciego que nos revela el "fátum" tenemos a Will Sampson, tan inquietante y profundo como siempre. Misticismo, positivismo y pragmatismo convergen en esta aventura. Y acción. Mucha accción.

Inspiradísima banda sonora. Gran fotografía que nos revela paisajes que tienen mucho que ver con el estado emocional de los personajes. Aquí el infieno es el polo. La soledad y el enfrentamiento a uno mismo, la angustia y la pérdida aparecen evocadas con la espléndida fotografía de Ted Moore. Todo ello contribuye a la creación de un épico y emocionate viaje, que en el fondo no es sino un viaje interior del pescador. No contribuye tanto el guión de Vicenzoni y Donati (guionistas al servicio de Dino de Laurentis), que es inconstante en algunos momentos.

Pero pocos ingredientes faltan. A disfrutarla.

Pilato

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Así se pudo dar colofón a esta historia. Nada más digno que este toque de gracia (aunque nunca digas nunca jamás) para culminar la desigual saga de Rocky. Todo corazón que navega en los restos de una gloria olvidada. Un Rocky a la deriva que sin embargo lucha su combate más duro: el enfrentamiento a la soledad, a la vejez, al olvido y a las deudas familiares (el conflicto con su hijo es de los puntos más fuertes de la película). "Ni tú,ni yo, ni nadie golpea más fuerte que la vida". La grandiosa fuerza del mensaje de Rocky cobra más relevancia que nunca ahora que ya no hay artificio, sino calles castigadas por los años, y personas que luchan en la cotidiandad y en la cierta sordidez de sus vidas (personajes como el viejo Spider Rico o la crecida Marie son para quitarse el sombrero).

Curiosamente, el combate final es lo de menos; el drama personal del campeón del mundo no está lo suficientemente desarrollado como para que empatizemos con él, y quizá se hizo así para que únicamente nos centráramos en el personaje de Rocky. Ahí pienso que está la equivocación de esta entrañable película.

Los años han pasado, y cada uno se enfrenta a grandes deudas personales. El personaje de Paulie se refugia en el recogimiento de la rutina para no afrontar las suyas. Paulie y Rocky vagan por un pasado que los ha abandonado, y cuanto más lo ha hecho, más lo añora cada uno: unos porque resultó bonito, otros por lo que no hicieron, y de eso trata Rocky Balboa: de gente corriente buscando la paz. Y de que la vida avanza implacable se haya hecho lo que se haya hecho... o lo que todavía no se haya hecho.

Y cómo no, la fuerza que el público espera: al ring se viene a pelear. Y mientras no suene la campana, hay esperanza. Nuevas oportunidades.

Disfrutémosla otra vez. ¿Os hace?

Pilato

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El análisis sociológico de Lumet tiene dos referentes claros: "Sérpico" y "Tarde de perros", dos importantísimas películas en ese maremágnum creativo que supuso el cine norteamericano de los años setenta. En "Tarde de perros" El atraco es la trama. Y la trama viene a ser una caja de pandora donde se desatan los infiernos más silenciados. Pocas películas han sabido mostrar tan concienzudamente y de forma tan divertida los efectos más devastadores en las víctimas del chantaje y la marginación social, de la manipulación del poder sobre el individuo, conceptos ya muy manoseados, sí, pero que siguen presentes. Tiempos difíciles, convulsos, donde aún se discutía sobre cómo levantarse contra esa manipulación destructiva sin temor a que a uno le llamaran romántico. El personaje interpretado por Pacino es la enésima víctima convertida en verdugo. La supervivencia sin perspectiva reclama la felicidad negada, viene a evidenciar la falta de honestidad de todos con todos. Las relaciones son un puro conflicto de interés, y los sentimientos que se desprenden de ello son enfermizos, obsesivos, casi neuróticos. Pero a la trama le sigue la acción, y esta es desbordante. Tarde de perros es suceso tras suceso, y cada uno de ellos marca la pauta de la acción siguiente. Nada parece sobrar por tanto.

Si esto aburre... en fin. Lo siento mucho.

¿Y quién era John Cazale? Un monstruo de la interpretación. Ved la película, por favor. ¡Vedla!.

Pilato

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