Pese a las tetas, la violencia precoz, la transgresión precursora, "Faster, Pussycat! Kill! Kill!" es un film narrativamente mediocre, superficial, y técnicamente irregular. Sin querer sonar condescendente, no debería pasar de un aprobado. No obstante, cuando uno está enterado de la tortuosa y fascinante biografía de su estelar protagonista, Tura Satana, no puede sino quitarse el sombrero y valorar mucho más todo lo que simboliza su personaje, la rabiosa verdad que contiene, lo adorable que es. Ahí dejo ese apunte.

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Premios del Cine Coreano: mejor película, mejor director, mejor actriz, mejor fotografía. Así arrasó "Navidad en Agosto" ("Palwol-ui Christmas") en los premios coreanos de 1998, como también lo hizo en la taquilla. Sin duda, es una de las películas que ayudó a consolidar el creciente interés internacional por la cinematografía coreana, que hasta hoy lleva viviendo una fantástica trayectoria 'in crescendo' en occidente. El film fue editado en 2006 por Notro Films en España y fue el primero de los proyectados en su iniciativa "en cine por 14 días", gracias a la que varios títulos destacables, en su mayoría de cine oriental, pudieron ser disfrutados en salas de cine de Barcelona y Madrid.

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Estamos ante una película de dimensiones modestas cuyo trasfondo alcanza mucho más de lo que se podría deducir a partir de su sobria y melodramática puesta en escena. Sin embargo, desde el primer minuto, en que la voz en off del protagonista reflexiona sobre la muerte y la desaparición física tanto de él mismo como de sus personas queridas, uno ya puede intuir que las fronteras del melodrama serán trágicamente trascendidas. La fórmula del enfermo terminal que vive una historia de amor durante sus últimos días, condenada de antemano a la interrupción inexorable a corto plazo, es quizás una de las más explotadas en el panorama del cine "romántico" (ya en el sentido adulterado y rebajado como en el riguroso y abrupto) a lo largo de las décadas. Tenemos ejemplos que se inscriben en distintas épocas y niveles cualitativos y comerciales: desde "Amarga victoria" o "Margarita Gautier", pasando por el clásico de los 70 "Love Story", hasta llegar a producciones recientes como "Mi vida sin mí", "Otoño en Nueva York", "Moulin Rouge" o incluso "Mar adentro". La película de Jin-ho Hur debe de figurar, eso sí, entre las más sencillas, cotidianas y austeras, erigiéndose al mismo tiempo profunda y reveladora.

Reveladora, sí... Como un 'haiku', esa breve pieza poética que repara en lo más trivial y ordinario de la naturaleza para desvelar al ojo atento una significación universal sobre el cosmos y/o la condición humana. Jung-won, el protagonista, dueño de una pequeña tienda de fotografía, lleva una existencia estándar, vive en una medianía rutinaria y no destaca por acciones, pensamientos ni aspiraciones que se situen fuera de lo común. Como tantos otros, se ocupa en los quehaceres del día a día: el trabajo, las tareas del hogar, las relaciones familiares, el ocio con amigos. Ampliar negativos, cortar un calabacín, conducir su ciclomotor: escenas que serían meramente triviales si no acarrearan un enorme contenido lírico y reflexivo al ser puestas en contraste con aquellas en que se lleva unas píldoras a la boca para postergar su muerte.

A medida que la historia de pasión oculta y amor truncado va tomando forma, el film ahonda en la psicología de sus protagonistas, así como en temas secundarios como la desasosegante y frustrante incomunicación (en dos niveles: chico-chica, fruto de la idiosincrasia oriental y la inseguridad, y padre-hijo, fruto del choque generacional) y la incipiente renovación de roles sociales en Corea del Sur. Es, en definitiva, un film muy notable, que se ha convertido en todo un clásico del cine oriental contemporáneo.

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Muchas son ya las adaptaciones al cine de las novelas de Edogawa Rampo, el elogiable emulador japonés de la literatura de Edgar Allan Poe. Con respecto a "Kurotokage" ("El lagarto negro"), son dos las versiones cinematográficas realizadas hasta la fecha, y ambas echan mano del texto adaptado para teatro que realizó Yukio Mishima: la primera es un film de 1962 dirigido por Umetsugu Inoue, cuyo guión lo firmó ni más ni menos que Kaneto Shindô, y la segunda es la desenfadada y entretenida versión de Fukasaku, de 1968. Una película, en fin, que se enmarca en la productiva década de los 60 en la que el cine popular, anti-intelectual y surgido como reacción al clasicismo de los grandes maestros del cine japonés se encontraba en esplendoroso auge. No es de extrañar que el género por excelencia en esa nueva corriente cinematográfica fuera el de polis y/o mafiosos. A fecha de hoy, por desgracia, los dos mayores exponentes de ese tipo de cine, Kinji Fukasaku y Seijun Suzuki, todavía no cuentan con una satisfactoria presencia en esta página.

Aún así, "El lagarto negro" no es uno de los films más destacables y conocidos del popular director japonés, por quien el público occidental no se empezó a interesar masivamente hasta la aparición, precisamente, de sus dos últimas y muy recientes películas, que conforman la saga "Battle Royal". Se trata, eso sí, de un film disfrutable e interesante que se sustenta en el ingenio de Rampo y Mishima para ofrecernos una absorbente historia de enredos detectivescos. Para ello, no se repara en echar mano de giros argumentales simplistas y recursos completamente inverosímiles, así como de acotar el marco de la acción por medio de diálogos explicativos y nada espontáneos de los personajes. Este planteamiento acaba dotando al producto de una atmósfera que, si me permiten el atrevimiento y salvando las distiancias, baila entre la tragedia euripídea y la comedia plautina, con un toque oscuro, notablemente romántico y sutilmente fantaseoso propio de los relatos de Poe. Todo esto, además y por supuesto, hay que mezclarlo con la inevitable irrupción de un grupo de yakuzas. El uso de situaciones absurdas y violencia casi mágica (cf. el personaje lanzador de serpientes) en el género yakuza, en lo que Fukasaku puede considerarse pionero, sería objeto de sobrexplotación en el cine japonés de a partir de los 90.

El colofón final lo pone la sorprendente aparición en pantalla del propio Yukio Mishima, por otra parte esperada desde el momento en que se lee su nombre en los créditos de reparto iniciales. Aunque eso sí, lo mejor del filme, sin lo cual todo su valor se difuminaría irremediablemente, es la memorable actuación del famoso transformista japonés Akihiro Miwa, ambigua, glamurosa, repelente y magnífica a la vez.

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La primera gran superproducción de Luc Besson es quizá la más emblemática y considerable de su largo elenco de pirámides comerciales y horteras a las que dio vida después de la mítica "Léon". No tengo mucho que decir sobre esta película, pero es que acabo de volver de Amorgos, la pequeña isla de las Cíclades griegas donde se rodaron las bellísimas escenas marinas de este film, que realmente debe su mérito a sus perfectas y estudiadas localizaciones.

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Tedioso y logrado retrato sobre la mediocridad del desamor y las trivialidades en las que se ancla con hastío una pareja paradigmática de los países ricos, de clase media intelectualoide. Insustancial, aburrida, igual que lo que quiere describir. La búsqueda estúpida del "¿Por qué?, ¿Por qué?, ¿Por qué?" por parte de alguien que se obstina en resucitar lo decrépito y caducado. Una crítica mordaz a las pseudo-preocupaciones y a la muy esparcida práctica del "amor" semi-obsesivo, destructivo, improductivo, cual cadáver sin enterrar. De por medio, Godard se sirve de Homero como fuente de simbología y también se dedica a lapidar la figura del productor cinematográfico, ayudado por la curiosa interpretación de Fritz Lang.

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