Primer film americano de Hitchcock. Escrito por Robert E. Sherwood y Jean Harrison, adapta la novela gótica "Rebecca" (1938), de Daphne du Maurier. Se rueda en exteriores de Big Sur, Palos Verdes y Point Lobos State Reserve (CA) y en los platós de Selznick International Studios (Culver City, CA). Nominado a 11 Oscar, gana 2 (película y fotografía). Producido por David O. Selznick, se estrena en "première" el 24-III-1940 (LA).

La acción tiene lugar en Montecarlo y en la mansión de Manderlay, situada en la costa de Inglaterra (RU). Maxim De Winter (Laurence Olivier), inglés adinerado, viudo desde hace poco, conoce en Montecarlo a la joven dama de compañía (Joan Fontaine) de la Sra. Judith von Hopper (Florence Bates). Él, oscuro y complejo, tiene frecuentes altibajos de ánimo. Ella es tierna, impresionable, inocente, tenaz y romántica.

El film es un thriller psicológico con componentes de drama, romance, misterio e intriga policíaca. El relato, muy bien narrado, constituye un prodigio de misterio, tensión e intensidad. Contado en "flashback", un personaje ausente es el motor de la acción. Los carácteres se presentan bien construidos y con profundidad, incluso el de secundarios (ama de llaves y Jack Faver). Los diálogos y las imágenes hacen presente en la historia un extraño personaje que no aparece nunca, pero mantiene en vilo la atención de actores y público. Se palpa la presencia insidiosa e inquietante del mal, el asedio que levanta en torno a la inocencia y la mella que hace en ella. Hitchcock maneja con habilidad los recursos visuales, verbales y argumentales que generan inquietud y tensión. Cabe destacar el uso que hace de un pasado amenazador, de las sospechas que levanta y de su manifestación a través de actores implicados en la acción. Es el primer y único film de Hitchcock que recibe el Oscar a la mejor película y es el primero de cuatro nominados al Oscar a la mejor dirección. En España, donde tiene gran éxito, determina que el tipo de jersey que viste la protagonista reciba el nombre de rebeca, acepción aceptada por la Real Academia e incorporada al Diccionario. El presupuesto permite al realizador construir un escenario amplio y temible, que inspira la mansión de "Xanadú", de "Ciudadano Kane" (1941). Son escenas visualmente destacadas la del baile de disfraces, la del acantilado, la de los coches a la carrera y otras. Son soberbias las actuaciones de Fontaine, Olivier, Sanders y Judith Anderson.

La música, de Fanz Waxman ("Sunset Boulevard", 1950), se apoya en una partitura de 21 cortes, que contribuye a la creación de la potente atmósfera del film. Destacan los temas "Main Tittle", "Opening Scene", "Sra. Danvers", "Manderley Ball" y "Epílogo". La fotografía, de George Barnes ("Juan Nadie", 1940), se apoya en un notable trabajo de cámara, que refuerza con sombras, proyecciones de sombras, espacios desolados, imágenes del mar embravecido, etc. Son soberbias las actuaciones de Fontaine, Olivier, Sanders y Judith Anderson.

Miquel

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Film realizado por Stanley Kubrick. El guión, de Vladimir Nabokov y S. Kubrick (no acreditado), adapta la novela "Lolita" (1955), de Nabokov. Se rueda en exteriores de Inglaterra y en los platós de ABP Studios y Elstree Studios, durante 88 días, con un presupuesto de 2,1 M dólares. Es nominado a un Oscar (guión) y al León de oro de Venecia. Producido por James B. Harris, se estrena el 13-VI-1962 (NYC).

La acción principal tiene lugar en Ramsdale (New Hampsire) y en Beardsley (Ohio), sede del Beardsley College. El relato se desarrolla en 1957/58 y en 1961. El profesor Humbert Humbert (Mason), de unos 40 años, europeo, especialista en literatura francesa del XIX, soltero, busca alojamiento temporal para el verano. Acepta la oferta de Charlotte Haze (Winters), viuda, madre de Lolita (Sue Lyon), de 14 años.

El film suma drama, comedia y romance. Harris y Kubrick ruedan en Inglaterra, donde los costes de producción son menores que en EEUU. Seleccionan para su adaptación una novela polémica, de éxito y de actualidad. Con el guión en la mano y el propósito de evitar las interferencias de "Espartaco", firman contrato con la productora Associated Artits, de Eliot Hyman, que les garantiza plena autonomía. El guión introduce algunos cambios en relación con la novela: Lolita pasa de 12 a 14 años, nada se dice en la cinta del episodio con una adolescente que ha provocado un trauma en Humbert, en la película éste se enamora de Lolita al conocerla (en la novela lo hace hacia el final). La película empieza por la escena en la que Humbert mata a Quilty (Sellers), con lo que el relato se sitúa en un contexto dramático.

El film narra la historia de un amor obsesivo, dominado por celos exagerados, alimentado por un deseo de posesión extralimitado y asociado a temores, inseguridades y frustraciones. Es, además, un amor intergeneracional: entre un hombre maduro y una muchacha inexperta y frágil. En la novela es un amor con connotaciones paidófilas, que en la película quedan marginadas, aunque no exluidas. Como en "Espartaco" y "El beso del asesino", dos hombres luchan por el amor de una mujer. Es interesante observar la evolución de Humbert: seguro e ingenioso al principio, inseguro cuando está con Lolita y frío, sombrío y sin autoestima al final.

Incorpora lances de humor, como el de la cama plegable, la tensión en el autocine, el ataque de nervios en el Hospital, la pintura de las uñas de los pies, etc. Presenta citas cinéfilas ("Piscosis") e imágenes de "La momia" (1959) y "La maldición de Frankenstein" (1957).

La música, de Nelson Riddle, busca coherencia con las imágenes. Acompaña a Charlotte con un tema de "West Side Story", a Lolita con una balada y a Humbert con "Irma la dulce". Añade como tema de amor una composición de Bob Harris (créditos iniciales). La fotografía, de Oswald Morris, en B/N, ofrece un eficiente trabajo de cámara, que facilita elipsis notables. Buenas interpretaciones de Mason, Sellers y Winters. Gran película.

Miquel

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Primera película de los Hermanos Marx producida por la Metro, tras su etapa de la Paramount, y primera sin Zeppo. Se basa en un argumento de James Kevin McGuinness. Se rodó en LA y NYC. Está considerado como el mejor de sus films de la Metro y uno de los mejores de su filmografía. Producido por Irving Thalberg (no acreditado), se estrenó el 15-XI-1935 (EEUU).

La acción se inicia en Milán, se sitúa en el trasatlántico "S.S. Americus" y finaliza en NYC. Narra el romance entre la soprano Rosa Cristaldi (Kitty Carlisle) y el tenor Ricardo Baroni (Allan Jones). El cazadotes Otis B. Driftwood (Groucho) se hace pasar por especialista en finanzas, el desocupado Florentino (Chico) encuentra empleo como agente de Baroni y Tomás (Harpo) es asistente del vanidoso tenor Lasparri, que le maltrata. Los tres deciden apoyar la carrera de Ricardo y el amor de éste y Rosa, pese a estar los tres enamorados de ella.

La película es una comedia cómica, una historia de amor y un musical. Los Hermanos Marx dan rienda suelta a su humor corrosivo, anárquico y surrealista. En esta ocasión se burlan de la vanidad, los formalismos burocráticos, la corteza de miras y de la pretensión de conseguir relaciones, amistades y prestigio, con dinero. Son escenas memorables el encuentro en el restaurante de Milán de Driftwood (Groucho), la Sra. Claypool (Margaret Dumont) y Gottlieb (Sig Ruman), la cena y el canto en la cubierta del barco (con excelente coreografía), el contrato entre Groucho y Chico, la algarabía en el teatro de NY y otras. Incluye expresiones que se han hecho famosas: "Como pienso despacio, necesito todo el día", "Si me despide, retiro mi proposición de matrimonio", "Todo en ella me recuerda a Ud., excepto Ud.". Abunda el humor visual: la mariposa que sale de debajo de una barba, el puro de Groucho entre dos rodajas de pan con mostaza, esgrima con batutas, el grito a lo Tarzán de Groucho, los saltos de Harpo asido a las cuerdas de la tramoya, la acumulación de 15 personas en el camarote, etc.

La música ocupa un lugar preminente. Incluye dos canciones originales: "Cosí, cosà" y "Alone". La música de ésta fue compuesta por Nacio Herb Brown, autor de la canción "Singin'in The Rain". "Alone" se convirtió en la canción de año. Incorpora arias de "I Pagliacci", en La Scala de Milán, y de "Il Trovatore" en NY. Harpo interpreta en el harpa una versión propia de "Alone". La fotografía, en B/N, luce excelentes contrastes de luz y un dinamismo poco común, apoyado en un acertado montaje. Se ofrecen proyecciones de sombras, hermosas tomas, primeros planos (Harpo tocando el harpa), imagenes contrapicadas (aparejo del barco). El guión, muy trabajado, suma esfuerzos de varios profesionales de la Metro: George S. Kaufman, Morrie Ryskind, Al Boasberg y Buster Keaton (no acreditado).

Fue la película más taquillera de los Marx y la más popular. Critica la soberbia y exalta la sencillez de los niños y los humildes.

Miquel

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Obra singular, escrita, protagonizada y dirigida por Orson Wlles. Se rodó en Ibiza (España), EEUU, Toussaint y otras localidades de Francia.

La acción principal, la del narrador, se desarrolla en 1973, en localidades de Francia, Irlanda, España y EEUU. La narración contiene una lúcida reflexión sobre los límites, imprecisos y complejos, que separan la verdad de la mentira, la realidad de la ficción. Tras el elogio a la magia, se explican fraudes célebres por su trascendencia, autoría o ambigüedad. Se refiere a Elmyr de Hory, pintor especialmente dotado para la imitación de grandes maestros, como Modigliani, Matisse, Van Dongen y Picasso; a Clifford Irving, autor de la falsa biografía de Howard Hughes; a las falsedades que jalonaron la vida de Howard Hughes; al programa radiofónico, de 1938, sobre el falso ataque alienígena a la tierra; y a otros fraudes.

La película combina fragmentos documentales y fragmentos de ficción, en un relato que contiene una interesantísima exploración de la combinación de verdad y mentira, certezas e incertidumbres, que se da en la vida, la realidad social, los relatos y biografías e, incluso, en el arte. La expresión más elevada de la acción humana, el arte, se apoya legitimamente en la ficción para provocar goce espiritual y emoción estética. La falsedad de la pintura se basa en el uso de pigmentos de escaso grosor, que producen imágenes que evocan realidades (perspectiva, profundidad, movimiento) que no están en el cuadro. Los actores dramáticos crean la ilusión de unos personajes que no están en el escenario. En el mundo nada es sencillo, ni siquiera el fraude. El autor exalta el valor de la ficción, acepta la complejidad de la verdad y rechaza el fraude basado en afanes de lucro ilegítimo. El mayor mérito de Elmyr de Hory, presunto falsificador, consistió en quebrar la creencia en la infalibilidad de los expertos en arte, dictadores de la autoría de grandes pintores. El mayor mérito del arte consiste en que "es una mentira que nos hace descubrir la verdad".

La música, de Michel Legrand, refuerza el relato con melodías coloristas, brillantes y variadas. La fotografía adopta el formato documentalista con filmaciones de los actores y del narrador. Éste, mientras pasea por un parque otoñal, sirve imágenes de singular belleza, que evocan una atmósfera grata, pero ambígua. El guión tiene la complejidad y la riqueza de la reflexión que se propone. Los interrogantes, las preguntas y las dudas, golpean con fuerza el ánimo del espectador. Los actores tienen intervenciones acertadas, pero breves frente a la omnipresencia de Welles, actor y narrador. Su intervención, pausada, es magnífica. La dirección, en plenas facultades, exhibe maestría, inteligencia y originalidad.

La película plantea un tema trascendente, similar en parte al de "Rashomon", de Kurosawa. No apta para mentalidades simples, afectas a verdades absolutas y opuestas a la complejidad y relatividad de las cosas.

Miquel

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Realizado por Luchino Visconti, el film se basa en la novela del mismo título (1848) de Fedor Dostoyevski. Se rueda en plató al aire libre montado en Cinecittà (Roma). Gana el León de plata de Venecia, 3 Nardo d'Argento (actor, escenografía y música). Producido por Franco Cristaldi, se estrena el 6-IX-1957 en el Festival de Venecia.

La acción tiene lugar a lo largo de 4 noches de comienzos de invierno en una localidad portuaria de Italia, similar a Livorno (Toscana), en 1956/57. Mario (Marcello Mastroianni) es un modesto oficinista, soltero, que se topa en la calle con Natalia (Maria Schell). Mantienen una larga conversación, que repiten las tres noches siguientes. Él lleva poco tiempo en la ciudad y es de carácter solitario y melancólico. Natalia es joven, huérfana, soñadora, inmadura, ingenua y frágil.

La película desarrolla un drama con acotaciones de misterio y fantasía, que se enmarca en una atmósfera irreal y onírica. El escenario está hecho de calles húmedas, desoladas, sombrías, con rincones lúgubres y extrañas construcciones ruinosas. Las noches son largas y frías. Pueblan el lugar prostitutas, chulos, noctámbulos y personajes que se ocultan en la noche. La historia mezcla realidad, sueño y fantasía. Visconti manifestó que deseaba que el relato fuera a la vez real e irreal, objetivo e ilusorio. El inquilino (Jean Marais) en ocasiones parece un vampiro: viste de negro, aparece de noche y domina a la chica. Ella suma obsesiones, ternura y desequilibrios emocionales. La secuencia del baile es salvaje, erótica y ostenta un cierto aire visual dantesco. La obra se sitúa entre el neorrealismo de las primeras obras del realizador y la depurada estilización de sus últimos films.

El film constituye un notable experimento de cine poético en el sentido propio y más recio del término. A las imágenes líricas, los diálogos añaden el tono superior que se desprende de los valores de inocencia, honestidad, altruismo, hermandad, solidaridad, etc. Por lo demás, realiza un estudio serio, sosegado y profundo, de la soledad humana, que ahoga a los dos protagonistas, pese a su conversación y mutua interacción. La inquietud que se asocia a la soledad queda subrayada con los breves paseos de ambos, los intentos de escapar uno del otro, las búsquedas mutuas, los extravíos y sus reencuentros.

La música, de Nino Rota ("El padrino", 1973), sugiere sentimientos románticos, melancólicos y de intriga. Añade el rock "Thirteen Woman", de Bill Haley, que acompaña el baile, y una referencia operística ("El barbero de Sevilla", Rossini). La fotografía, en B/N, de Giuseppe Rotunno ("El gatopardo", 1963), crea imágenes de fuerte contraste, con predominio de tonos oscuros y luces irreales. Dedica un guiño de simpatía a Silvana Mangano, protagonista de "Mambo" (R. Rossen, 1955). Es excelente la interpretación de Mastoianni y notable la de Maria Schell.

Miquel

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