De entre todas las cualidades narrativas que C. Nolan posee, quizá la más destacable y personal sea su capacidad de solemnizar el relato. Su poder de convicción a la hora de insuflar importancia y carga trágica a cuanto nos narra es lo que hace que sus películas, a ojos de un espectador impresionable, trasciendan los referentes y/o temáticas a las que esas mismas películas nos remiten. Es por ello que gran parte del público considere superiores sus incursiones en la franquicia Batman que las que realizara en su día Tim Burton, o menosprecie injustamente un film tan notable como El ilusionista en favor de otro de similar calado como es El truco final.
Algo parecido es lo que sucede con Origen. Se trata de un film que retoma punto por punto el ítem de la virtualidad y de la posibilidad de moldear los sueños y solaparlos confusamente con lo real. Un asunto que, aunque tratado ampliamente en anteriores cintas de sci-fi (como Matrix, Abre los ojos, Días extraños o Desafío total), con la excelente arquitectura narrativa de Nolan adquiere para la mayoría una seriedad tan profunda, una pompa tan irresistiblemente seductora, que hace que se olvide casi por completo que dicha temática de novedosa no tiene casi nada.
Como El niño y Rosetta, las dos películas más representativas de los hermanos Dardenne, La promesa es una película de una dureza sin concesiones, un ejercicio autoral de cine realidad que nos acerca, sin morbosidad pero también sin miramientos, a las condiciones de vida en los suburbios belgas, a las penurias de los más desfavorecidos, y a la crudeza de la sociedad europea occidental. En concreto, resigue la toma de conciencia de un adolescente que se ha criado en un ambiente familiar carente de la moral más elemental. El discurso de los Dardenne posee la virtud de no caer en la simplificación moralista, pues queda patente que los que se aprovechan de los inmigrantes son a su vez víctimas de un sistema injusto. Lastimosamente, y como sucede en muchas ocasiones, son los penúltimos los que explotan a los últimos.
Dirigida por todo un experto en astracanadas made in USA, Peter Segal (Agárralo como puedas 33 1/3, El profesor chiflado 2, 50 primeras citas), e interpretada por un sobrealimentado Chris Farley, el popular actor entrado en carnes protagonista de La salchicha peleona y que falleció hace ya algunos años a causa de sus excesos con la cocaína, Tommy boy en una alocada comedia adolescente que mezcla con soltura y naturalidad varios subgéneros cinematográficos: comedia universitaria y de enredos, road movie gamberra y buddy movie.
Como es de suponer, la cinta fundamenta su comicidad en su personaje principal, en su torpeza y en los golpes que a consecuencia de ésta se propina accidentalmente, en sus gestos y patochadas y, sobretodo, en su graciosa apariencia rechoncha y adiposa. El resultado final es una comedia vulgar e intrascendente, pero entretenida y construida con cierta fluidez narrativa, una película que se revaloriza a tenor de la baja calidad que lucen los productos de este tipo.
Para el recuerdo las apariciones de Bo Derek, en claro homenaje a 10, la mujer perfecta, y del legendario actor cómico Dan Aykroyd.
Probablemente, desde El hombre del brazo de oro, la heroinomanía no fue tratada con tanta crudeza como en La luna. Contemplar como su pueril protagonista inyecta en su brazo la adictiva droga opiácea es una de las experiencias cinematográficas más crudas que un servidor ha contemplado, pero la película de Bertolucci es algo más que un tratamiento polémico y provocador de la drogadicción, La luna es ante todo una amalgama de sentimientos y situaciones extremas que incluso hoy en día escandalizarían a más de algún “bienpensante”. Soledad, incomunicación, pasión felliniana por la ópera, enamoramiento edípico e incesto se dan cita, añadiéndose así a la búsqueda hedonista del placer a través de las drogas, para narrar la tortuosa relación materno-filial de Joe y Caterina, una popular diva operística demasiado ocupada como para prestar atención a su hijo. Ambos, tras la muerte del padre de Joe y esposo de Caterina, se mudarán de Nueva York e iniciarán una nueva vida en Roma, el cambio provocará que toda una serie de emociones reprimidas se desaten salvajemente. Tras la epopeya historicista y obrerista de Novecento, Bertolucci retoma los fueros polemistas que tanta fama le granjearon a partir del estreno de El último tango en París, y aborda de manera desprejuiciada diferentes tabús sempiternos, hasta el punto de revolvernos de la poltrona en más de una ocasión.
Por todos es sabido que En busca del tiempo perdido revolucionó la novela moderna. La monumental obra de Marcel Proust reproducía los movimientos de la memoria y plasmaba el funcionamiento de la mente de su narrador. Por ello es conveniente recalcar que una adaptación de esta novela o de un pasaje de la misma, como es caso, es una tarea harto difícultosa. Aunque la novela de Proust se presta a ello, Volker Schlöndorff –quien con la laureada El tambor de hojalata ya demostró una pericia considerable en lo que a adaptaciones literarias se refiere – no cayó en la tentación de la fragmentación excesiva, no hizo una película puzzle. Contrariamente, El amor de Swann mantiene una sorprendente (y reposada) coherencia cronológica, permitiéndose sólo alguna que otra digresión temporal y ensoñación ocasional. Esta licencia, más funcional que estilística, no impide que espíritu trágico del libro quede fielmente plasmado.
