Obra escrita, producida y dirigida por los hermanos Luc y Jean-Pierre Dardenne. Obtuvo la Palma de Oro y el premio a la mejor actriz del Festival de Cannes. Obtuvo otros premios y nominaciones.

La acción tiene lugar en la periferia de una ciudad belga en el invierno de 1999. Narra la historia de unas semanas de la vida de Rosetta (Emile Dequenne), una chica de 17/18 años, que vive en una caravana alquilada, en compañía de su madre alcohólica. Con la obsesión de evitar caer en el mismo hoyo que la madre, hecho de alchol y abusos, busca con ahínco un trabajo remunerado que le permita vivir dignamente y evitar la marginación. La película, filmada al modo de un relato documental, sigue las andanzas de la chica, con el propósito de ofrecer una descripción realista, directa y descarnada de la marginación, la desestructuración familiar y la exclusión social que se dan cita, sobre todo, en las zonas periféricas de las grandes ciudades europeas. No explica las causas del fenómeno, no hace indicaciones sobre sus dimensiones, no hace valoraciones explícitas. Expone una realidad sangrante, que no queda atendida por las políticas sociales de las instituciones públicas. El enorme afán de Rosetta para superar la situación en la que vive, la lleva a buscar una salida en el trabajo. Los fracasos sucesivos le hacen concebir planes desleales, deshonestos y violentos que la llenan de amargura y desaliento, pero la firmeza de su decisión le da la fuerza necesaria para continuar luchando limpiamente. Son escenas destacadas de la obra la que muestra la persecución y violenta reducción de Rosetta por dos guardias jurados cuando la echan a la calle al haber finalizado un contrato temporal; la caída en el río de la chica, que ha de afrontar grandes dificultades para alcanzar la orilla; la caída al río de Riquet (Fabrizio Rongione) y la ayuda que le presta Rosetta; la conversación de ella con si misma en la cama diciéndose y aceptando que no ha de caer en el hoyo.

La película no incluye música: la banda sonora, de sonido directo, sólo incorpora voz, sonidos asociados a la acción y sonido ambiental, al objeto de acenturar el sentido documental del film. La fotografía, que presenta la inestabilidad propia de la filmación con cámara en mano, realiza acertadas aproximaciones al rostro, manos, zapatos, etc. de la protagonista. El guión es sencillo y breve: la narración visual predomina ampliamente sobre la verbal. Los dos protagonistas debutan en el cine con trabajos convincentes, especialmente Emile Duquenne. La dirección propone una acción trepidante, sin tregua y sin descanso, como es la vida misma de Rosetta.

Película de denuncia social, de narración documentalista, de marginación y deseperanza, de tozuda búsqueda de la salvación y de ayudas públicas no visibles a los ojos de las personas en situación de exclusión social.

Miquel

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Última película de Visconti, estrenada tras su fallecimiento. Inspirada en la novela homónima (1892) de D'Annunzio, fue rodada en escenarios naturales y en las villas Bellosguardo ("Villa Lilla") y Arnolfini ("La Badiola"), de Lucca (Toscana/Italia). Obtuvo un premio David a la mejor música.

La acción tiene lugar a lo largo de un año de finales del XIX, en Lucca y otras localidades toscanas. Narra la historia de Tullio Hermil (Giancarlo Gianini) y su esposa Juliana (Laura Antonelli), que conviven bajo el mismo techo, pero llevan vidas separadas. Él frecuenta a su amante, Teresa Raffo (Jennifer O'Neill) y ella queda embarazada de un joven escritor, Filippo d'Arborio (Marc Porel). El nacimiento del niño desencadena una tormenta de pasiones. La película relata la hipocresía, celos, venganzas y odios, que se ocultan tras palabras corteses y ademanes refinados. La imagen de una sociedad aristocrática, honorable y virtuosa, esconde una realidad saturada de deslealtades, bajezas y miseria espiritual, en la que el inocente resulta un intruso. La reconciliación de Tullio y Juliana, durante la gestación, no se basa en un intento mútuo de reconciliación, sino en dos proyectos diferentes de traición personal. Viconti, hemipléjico desde hacía unos años, mantiene un gran vigor narrativo e intelectual y construye una historia sólida, que traspira lucidez, escepticismo y desolación. Los escenarios, de un lujo deslumbrante y una belleza abrumadora y fascinante, acogen el pálpito de una vieja sociedad abocada a la extinción por méritos propios. La sala de armas es el espacio en el que tienen lugar los simulacros de luchas a espada. Los palacios que acogen fiestas, banquetes y conciertos, son los espacios en los que se desarrolla el simulacro de vida honorable de unos seres miserables.

La música incluye obras de Mozart ("Marcha turca", "Sinfonía concertante"), Liszt ("Juegos de agua"), Chopin ("Barceuse"), y el aria "Che faró sensa Euridice", de Gluck. Acompañan con acierto la acción y el lujo que la envuelve. La fotografía resalata la brillantez de los decorados y del vestuario. En las escenas de Lucca usa colores saturados (rojos, negros intensos y dorados); en las escenas de la reconciliación y del embarazo predominan los blancos, con azules y verdes claros; y en las escenas finales la paleta se reduce a negros opacos, blancos de nieve y neutros brumosos. Visconti saluda al espectador pasando con sus manos las hojas del libro de D'Annunzio. El guión construye unos diálogos que dicen lo que se niega o modifica con el gesto o la mirada. La interpretación de los tres protagonistas es convincente. Los desnudos de Porel y Antonelli, tratados con buen gusto, intensifican y amplían la dimensión sensual y lujuriosa de la obra. La dirección crea un drama de gran profundidad.

Excelente obra póstuma de un autor innovador, que aportó al cine belleza, suntuosidad, crítica, denuncia y valiosos elementos de reflexión y emoción.

Miquel

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Basada en una novela y una obra de teatro de Dusan Kavacevic, se rodó en Praga, Berlin, Plovdin, Sofía y Belgrado. Fue escrita y dirigida por Emir Kusturica. Obtuvo la Palma de oro de Cannes, otros 2 premios y 5 nominaciones. Estrenada en 1995, el realizador introdujo algunos retoques antes de su presentación en EEUU el 20-VI-1997.

La acción principal tiene lugar en Belgrado, entre el 6-IV-1941 (bombardeo nazi de la ciudad) y una fecha indefinida de 1994. Narra la historia de Marko Dren (Miki Manojlovic), poeta, embaucador y criminal, que a los 26/27 años conviene con su amigo Petar Popara "Negro" (Lazar Ristovski) la fabricación clandestina de armas en unos sótanos, a cargo de un numeroso grupo de partisanos refugiados de los nazis. Marko vende las armas en el mercado negro y Negro dirige la fabricación. Terminada la IIGM, Marko oculta la verdad a Negro y a la colonia que vive y trabaja en el sótano, al objeto de continuar indefinidamente lo que para él es sólo un negocio. Unos 20 años después, una explosión fortuita permite la huída de Negro, su hijo Jovan y Jelena, la novia de éste.

La película, dedicada a Gandhi, constituye un alegato demoledor contra los absurdos de la guerra y a favor de la paz. Exalta la alegría instintiva de la población, su tesón, sus ansias de superviviencia y su enorme capacidad de sufrimientos. El relato suma realismo y surrealismo, lo que permite al autor encauzar la narración por unas vías sarcásticas, acidamente burlescas y dolorosamente humorísticas. El elemento central del drama viene dado por el aprovechamiento como negocio de la generosidad patriótica de unos partisanos, víctimas de una prolongada explotación fraudulenta. Tras la GM, Marko asciende en la jerarquía del partido, mientras mantiene sus actividades clandestinas, que le enriquecen sobremanera. Marko y Negro parecen representar a los líderes del país, codiciosos, lujuriosos, violentos y crueles. Son escenas destacadas la del elefante que sustrae un par de zapatos, el tigre que soporta los picotazos de un cisne, la novia que vuela y la escena final, de trazos marcadamente fellinianos.

La música aporta una partitura de alegres aires eslavos, con inclusión de canciones históricas ("Lili Marlén") y fragmentos de la Sinfonía nº 9 de Dvorak y de la nº 3 de Saint-Saëns. La fotografía presenta una composición excelente, usa en ocasiones la cámara al hombro y muestra preferencia por los colores pastel y marrón. Incluye imágenes de archivo bien integradas en el conjunto. El guión divide la historia en 3 partes (IIGM, Guerra fría y Guerra civil), que suman 53 años de historia. Los papeles de Marko, Negro y Natalija están interpretados con sobriedad e impecable corrección. La dirección construye una fantasía de sonidos, colores, imágenes y sueños, que fascina e inquieta.

La película sumerge al espectador en una atmósfera mágica, construída con desmesuras, absurdos, surrealismo y una deliciosa fantasía casi ilimitada.

Miquel

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Una de las pocas películas de Fuller financiada por un Estudio (Fox). Escrita y dirigida por el autor, se rodó en NYC en 20 días con un bajo presupuesto. Obtuvo dos nominaciones: al Oscar a la mejor actriz secundaria (Thelma Ritter) y al León de oro del Festival de Venecia.

La acción tiene lugar en NYC en 1953. Narra la historia de un gángster de poca monta, Skip McCoy (Richard Widmark), condenado tres veces por robo, en libertad desde hace pocos días, que en el metro roba la cartera del bolso de Candy (Jean Peters), correo de su antiguo novio Joey (Richard Kiley). La cartera robada contiene un microfilm con información secreta sustraída por agentes de la URSS. La película se mueve en ambientes sombríos y subterráneos: metro, vivienda de madera suspendida sobre el mar, apartamento de Joey, etc. Habla de asesinatos, ladrones, espías, agentes del FBI y, sobre todo, de la Guerra Fría que enfrentó a EEUU y a la URSS, las dos mayores potencias del mundo, entre la finalización de la II GM y la disolución de la URSS en 1990. La acción se enmarca en el contexto de esta guerra, cuyos mayores exponentes fueron la carrera armamentista convencional y nuclear y las acciones de espionaje y contraespionaje. El robo de la cartera de Candy, que realiza un último favor a su antiguo novio, espía a favor de la URSS, circustancia que ella ignora, provoca un incidente en el que intervienen espías soviéticos y agentes del FBI contra un ratero movido por pretensiones económicas e indiferente a las apelaciones al patriotismo. La película habla con elocuencia de la violencia criminal como parte integrante de la sociedad y de amor sincero, inspirador de acciones generosas.

La música aporta una contribución decisiva a la creación del clima de tensión en el que tiene lugar la acción. La fotografía es espléndida. Incluye tomas largas, un constante movimiento de la cámara, escenarios de espacios limitados, primerísimos planos expresivos de los sentimientos de los protagonistas. La escena inicial, del robo en el metro, está narrada de modo soberbio. Las interpretaciones de Widmark, Peters y Thelma Ritter son espléndidas. El guión está elaborado con un agudo sentido de la síntesis y la elipsis y se basa en una hisotira de Dwight Taylor. La dirección crea una obra emocionante, vibrante e intensa, que en su momento obtuvo gran éxito de púbico y de crítica.

Film negro clásico, situado en un momento histórico superado. Es la obra más accesible y más comercial del autor y, a la vez, una de las mejores películas del cine negro norteamericano de los años 50 del siglo pasado.

Miquel

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Quinto largometraje de Robert Bresson y segunda entrega de su trilogía de la soledad. El guión, del mismo Bresson, se basa en el relato autobiográfico "Un condamné à mort s'est échappé" (1956), de André Devigny. Se rueda en exteriores del Fuerte Montluc (Lyon) y en los platós del Studio Saint-Maurice (Joinville-le-Pont, Francia). Gana un premio de Cannes (director) y uno del Sindicato Francés de Críticos de Cine (película). Producido por Alain Poiré y Jean Thuillier para Gaumont, se estrena el 11-XI-1956 (Francia).

La acción dramática tiene lugar en Lyon a lo largo de 4 meses, en 1943. El teniente Fontaine (Leterrier), incorporado a la Resistencia francesa tras la ocupación alemana de Francia en la IIGM, dedicado a tareas de información y espionaje, es detenido por la Gestapo (17-IV-1943), recluido en la prisión del Fuerte de Montluc y condenado a muerte (20-VIII-1943) para ser ejecutado una semana después (28-VIII-1943). Huye de la prisión la noche del 24 al 25 de agosto. Fontanie tiene 27 años, es inteligente, observador, perspicaz, hábil y paciente (como corresponde a un buen espía), cree en la vida, el futuro, la victoria y la paz, aborrece la inactividad y siente unas ganas inmensas de tomar parte activa en la lucha de su país por la libertad.

El film suma drama, thriller, aventura, suspense y guerra. Desarrolla una explicación detallada, precisa y minuciosa de la concepción, preparación y realización de la fuga de una prisión de alta seguridad en tiempos de guerra. Muestra cómo el protagonista recoge mentalmente los datos que llegan a su celda (pasos del guardián, campanadas del reloj, fusilamientos...), los que recibe a través de las paredes que separan su celda de las dos vecinas, los que observa durante los interludios colectivos dedicados al aseo personal y los que le facilitan sus compañeros mediante gestos, palabras breves bisbiseadas o escritas en fragmentos de papel. La capacidad que tiene de observación, percepción y procesamiento de la información, le permite planear una fuga casi de diseño. Su entrenamiento en el uso de recursos de supervivencia, le permite disponer de una presencia de ánimo elevada, una moral alta y un nivel inusual de autocontrol y lucidez. Su habilidad le proporciona los medios materiales necesarios para la empresa (cordeles, ganchos, lianas...), que construye él mismo a partir de objetos de uso común (marcos, sábanas, somier...).

La narración visual y sonora, elaborada con singular maestría, hace que el espectador se sienta invadido por sensaciones de encierro, tensión, inquietud, angustia y horror. El discurso es sobrio, austero y se presenta exento de grandilocuencia y sentimentalismos. Los protagonistas realizan una interpretación desdramatizada en aras de la sobriedad y contención expresiva.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Prodiga primeros planos, planos de aproximación, planos partidos, planos de detalle (manos, esposas, pies...). Hace uso frecuente de la elipsis, el fuera de campo y los insertos. Construye un lenguaje de gran eficacia cinematográfica. Manteniendo la cámara en el interior de una celda, consigue crear un relato intenso, emocionante, vibrante y absorbente.

La cinta se erige, más allá de la acción, en una exaltación de la libertad, la vida, la inteligencia y el ingenio humano. Sirve, a la vez, como alegato contra la guerra, la crueldad, la barbarie, la pena de muerte, el atropello de los derechos humanos. Aporta una descripción poderosa de la soledad y del sufrimiento. Glosa la importancia de lo inesperado, lo impensado, lo imponderable y lo imprevisible, en relación a lo que cabe gestionar recursos, reservas y precauciones.

El realizador pasa por alto, deliberadamente, factores tan importantes como el hecho de que Montluc era un centro de torturas y muerte (allí murieron durante la guerra más de 7 mil personas), que Fontaine/Devigny fue torturado y que el centro estaba dirigido por Klaus Barbie, el carnicero de Lyon.

La música aporta 7 fragmentos del movimiento del "Kyrie Eleison" (Señor, ten piedad), de la Gran Misa, K. 427, de Mozart. Bresson siempre mostró preferencia por la música religiosa, que en este caso aporta unos cortes que se combinan de modo magnífico con el tono y el fondo del relato. La fotografía, de Lance Henry Burel ("Boudu salvado de las aguas", Renoir, 1932), no sólo describe cómo es la prisión vista por un recluso, sino que trasporta al espectador a su interior. Junto con "Diario de un cura de campaña" (1950) y "Pickpocket" (1959), el film conforma la trilogía que Bresson dedica a la soledad.

Miquel

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