Como otros antes que él, Michael Mann abraza la televisión como nuevo refugio tras una carrera en el cine meteórica pero con altibajos. Le preceden nombres como Scorsese o Haynes, atados a la HBO tras resultados más que notables con trabajos como Mildred Pearce o Boardwalk Empires, y Luck en teoría debería sumarse a esa lista de grandes películas emitidas en televisión (porque más que series, son Cine emitido en partes) pero su primer episodio, su piloto, nos deja con las dudas. ¿Cuestión de suerte o hay verdaderamente buen material? Lo paradójico es que Mann ya viene del medio y ahora surge un reencuentro.

El problema de Luck (episodio piloto) es que tarda en arrancar. Si, ya, dejad de apuntar al cielo, ya veo la señal del Capitán Obvio, pero por comparar con el que realizó Scorsese para Boardwalk Empire, aquel abría frentes y los cerraba (con opción de reabrirse) de forma admirable. Estaba montado en climax pero desde el primer minuto, al tiempo que se definía a los personajes con palabras, también se hacía mediante acciones. En el caso de Luck vemos potencial: el personaje de Hoffman, que puede dar bastante juego, unos secundarios en el hipódromo, y se presuponen líos criminales y noir para no quedarse en la superficie del tema en torno al que gira todo. Pero como piloto, aunque sólido, es frío, aunque se puede notar la mano de su responsable sobre todo en las carreras de caballos, rodadas con nervio, y en la forma en que la cámara complementa los rostros cansados de los personajes (Nolte) y captura algún momento mágico. Lo mejor del episodio piloto de Luck es su final: sus dos últimos minutos en clave de "coming soon on Luck" en los que vemos que la cosa puede mutar hacia una gran serie. Pero centrándonos en esta pieza, en el piloto llevado a cabo por Mann, seamos francos: no es nada del otro jueves. Interesante y poco más. Ahora si, la serie... pues ya veremos el año que viene. Eso será otro cantar.

Caith_Sith

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"Tarnation" salió de la nada en 2004, un documental biográfico sobre la vida de un joven con problemas familiares montado a base de imágenes de archivo que había ido capturando a lo largo de su vida, en todos los formatos y calidades posibles. El resultado de aquel trabajo suicida fue el éxito rotundo, al menos en el circuito independiente, donde automáticamente Jonathan Caouette pasó a ser uno de los nuevos talentos a seguir. La desnudez con la que se mostraba en el documental, hablando sin tapujos sobre si mismo y su familia lo convertían en un narrador único y poco convencional. Y como todo, el documental cerraba en un punto en el que la vida seguía. Siete años después llega la continuación directa de aquel documento, "Walk Away Renee", un nombre de canción para una de las sinfonías más tristes que ha dado el género desde hace bastante tiempo.

"Walk Away Renee" parte del mismo planteamiento de "Tarnation", por lo que contamos con numeroso metraje de archivo que sirve para presentarnos a la madre del propio realizador, Renée, que ya aparecía en el trabajo de 2004 y que aquí acapara toda la atención. Sus problemas mentales la convierten en un blanco fijo en el que la cámara se centra casi sin descanso con la excusa de un traslado que Jonathan y ella realizaron en 2010. Para quienes no viesen el original, se alterna la historia de Renée -desde su nacimiento hasta el traslado del pasado año- con los momentos "actuales" (en el marco temporal del filme), al tiempo que vemos al resto de la familia salir adelante. Continuación, pues, directa de "Tarnation" aunque tiene suficiente entidad y calidad como para poder verse sin miedo a no poder seguir el hilo. Triste pero lúcido, el mayor problema de este trabajo no es su falta de impacto sino la búsqueda de trascender. "Tarnation" era más puro, más loco, más arriesgado. Aquí hay un cálculo (el uso de la música, por ejemplo) que por momentos merma la calidad global de un trabajo que merece la pena aún a pesar de sus ligeros excesos. Otra pieza a corazón abierto llevada a cabo por uno de los documentalistas con más voz del panorama actual.

Caith_Sith

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En un momento del documental "Arirang", el propio Kim Ki-duk se graba observando una de las escenas de su película "Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera" (2003) y una idea tan simple funciona perfectamente para reflejar por lo que ha debido pasar el realizador coreano los tres últimos años, en los que no había hecho ninguna película debido a un trauma que tuvo en el rodaje de "Dream" (casi fallece una de las actrices). Kim Ki-duk recoge aquí su día a día y conversa consigo mismo para hallar motivos para su reclusión, sin localizar respuestas válidas a pesar de intentarlo. Admite querer trabajar, pero los "demonios" se lo impiden. Tampoco es difícil encontrar una equivalencia a esos seres surgidos del averno.

Ganadora del premio 'Un certain regard' en Cannes este año, la primera película estrenada del realizador este 2011 (le seguiría la floja "Amen", apenas hace unas semanas en el Festival de San Sebastián) funciona muy bien aunque por momentos se reitere el discurso y se convierta en un ejercicio onanista bastante evidente. Su dilatada duración la perjudica y le falta un poco de concreción, ir más al grano y no tanto por las ramas, como en su tercer acto, en el que se rompen las reglas interpuestas por el director para instaurar otras nuevas que son menos rígidas pero que también pierden en interés. "Arirang" merece la pena, hay buenas reflexiones, pero no es el mejor cine que este hombre ha hecho y, esperemos, no sea el mejor que le queda por hacer.

Caith_Sith

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Faltaba una visión intimista y reposada sobre el fin de los días y este año la tenemos, al menos, por partida doble. Si "Melancholia" de Lars Von Trier recibió elogios -y premios- en Cannes, "4:44 Last Day on Earth" de Abel Ferrara tuvo bastante mala prensa en Venecia. Después de verla no alcanzo a entender los motivos porque aunque no es un peliculón desde luego es un trabajo estimable y bien ejecutado, interpretado con convicción por apenas por par de actores y dirigido con buena mano (rara vez las escenas eróticas han tenido tanta clase), dando como resultado un cóctel que funciona a pesar de que en su menos de hora y media de duración hay algún momento que parece reiterativo.

Lo mejor de la película es la solidez con la que está planteada la propuesta, que básicamente responde al género "coger a dos actores y hacerlos interactuar en un espacio cerrado". Hay química entre los protagonistas, magnetismo, y la cámara de Ferrara hace de tercer personaje recorriendo cada recoveco de ese apartamento en el que se registra la vida de dos personas en un mundo que está a punto de terminarse. La información de los noticiarios y otro tipo de elementos multimedia complementa una ficción creíble y que no cae en el melodrama a pesar de algún exceso dramático. Una buena película, indudablemente, que no sé en qué lugar queda de la filmografía de su director (pues aún no he profundizado en ésta) pero que por si misma tiene méritos suficientes como para no necesitar se comparada con otras cosas. Sus últimos minutos son, además, de antología.

Caith_Sith

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"Caperucita Roja" no es ni más ni menos que un remake 'crepusular' de la sensacional "En compañía de lobos" de Neil Jordan, cambiando la sangre de aquella por mermelada de fresa y añadiendo una historia de amor a dos bandas, heredada del anterior trabajo de la directora, "Crepúsculo", la adaptación de las novelas de Stephenie Meyer que ha generado tantos vástagos no reconocidos ("Soy el número cuatro", "Beastly", "Vampire Chronicles", "Teen Wolf") como indecisiones entre sus fans a la hora de dar el paso y elegir hábitos sexuales: ¿zoofilia o necrofilia?.

Hardwicke, que en el pasado sorprendiese con trabajos no sobresalientes pero si estimables ("Thirteen", "The Lords of Dogtown") inicia su reimaginación del mito de Caperucita Roja con una secuencia que parece el extended cut de algún anuncio de colonia en el que dos niños, muy majos ellos, corren por el bosque y hacen un amago de caza de conejo. La historia salta entonces a la actualidad y vemos que Caperucita ha crecido y tiene los morbosos rasgos de Amanda Seyfried. Vive en una villa apartada del mundo en la que se realiza un sacrificio cada cierto tiempo para que el malvado lobo no venga a dar por saco. Sus problemas son mayores: está obligada a casarse con un herrero de pelo y rostro perfecto, aunque ella ama a otro, un leñador que huele mal. Pero su mamá quiere lo mejor para ella y no le deja. Qué drama.

Es una suerte que la película de Hardwicke no sea tan pomposa como "Crepúsculo" y que pese que algunas secuencias romanticonas rozan el plagio, aquí no dan tanto repelús. Quizá porque se entiende que dos tíos se peleen por Seyfried. También es una suerte que haya un guión aunque esté tan empeñado en crear pistas falsas en torno a la investigación de quién es el lobo que se acaba descubriendo a si mismo. "¿Crees que soy el lobo?" es el lema de la gente del pueblo y debería ser el verdadero subtítulo de un film cuyo tagline es "¿A quién tienes miedo?". No pienso responder por si Hardwicke lo lee y decide hacer una adaptación 'crepuscular' de mis miedos, pero desde luego no se lo tengo a ésto. Por suerte los noventa minutos que dura el experimento no se hacen notar, siendo bastante entretenida, y la ambientación está razonablemente conseguida.

Datos de enorme interés cultural:

* Amanda Seyfried no quería trabajar con su partenaire leñador, Shiloh Fernandez. No le caía bien. Pero Catherine Hardwicke la convenció. ¡Gracias!
* La película obtuvo unas críticas nefastas. Injustas, pues Crepúsculo las tuvo mejores.
* Sarah Blakely-Cartwright, de 21 años, se encargó de la novelización de la película. El final de la misma no se incluía en el libro, ¡había que comprarlo a parte!
* Presupuesto: 42 millones de dólares. Recaudación mundial: 89 millones. ¡Queremos secuela!
* Ningún lobo fue dañado durante el proceso de filmación de la película. Amanda Seyfried sigue trabajando como doble de acción de Burbuja en la serie "Las Supernenas".

Caith_Sith

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