Después de tantas y tan malas adaptaciones al cine de famosos videojuegos, llega la película vendida como "la película que en verdad haría justicia al noble entretenimiento del videojuego", afortunadamente no dirigida por Uwe Boll sino por el cineasta francés Christopher Gans, director de películas interesantes como El pacto de los lobos o truños de acción. ¿La idea base? El respeto a toda costa al espíritu de la obra original, requisito indispensable de los dirigentes de Konami para vender los derechos de una de sus más preciadas joyas. Y quizá ese sea su mayor defecto: hacer una película exclusivamente para que los fans de Silent Hill puedan decir "¡mira, como en el videojuego!".
La película empieza bien. La argumento versión sencilla se expone rápidamente y pronto disfrutamos de lo que la película promete: Rose buscando a su hija en el nebuloso pueblo. La atmósfera del pueblo, a pesar de lo curtidos que estamos en esto de las lides de terror, da escalofríos. Pero no todo va a ser ambiente, así que los maravillosos monstruitos no tardan en aparecer. Y lo curioso es que Christopher Gans y demás gente de diseño consiguen plasmar imágenes extraordinarias, filmadas con un estilo etéreo y con pretensiones líricas, donde hasta la más grotesca criatura tiene cierta belleza malsana que acentúa su impacto y evita que la cruzada de Rose se convierta justo en lo que se convertían las heroínas de Resident Evil: matamonstruos.
Una vez que todas las incógnitas han sido destapadas, no queda más que resolverlas. Ahora es cuando entra en escena el resto del pueblo convertido en una secta fanática y acaban por cargarse la película. Y es que una cosa es no poder desviarse de la historia original y otra embarullar una historia ya de por sí complicada y aburrir al personal. La película se hace eterna y la larguísima explicación final no te aclara mucho (de hecho, mi fanática compañera que botaba cada vez que veía al monstruo cabeza-yunque me tuvo que explicar toda la historia). Vamos, que el sabor de boca final no es precisamente agradable, especialmente con la escena Hellraiser del final, demasiado repetitiva.
La música, aunque altamente tramposa, cumple su cometido, y salvo el temita de órgano del final, de risa, asusta cuando tiene que asustar. Los actores, correctillos, salvo la niña, que resulta bastante repelente, agravado aún más por el cutre-doblaje. Lo mejor, los buenos efectos visuales y la escena de las enfermeras, que puede producir cierto terror por lo grotesco de la escena o la carcajada general por el bailecito a lo Michael Jackson.
Silent Hill es un filme que da la impresión de ser película y no un videojuego filmado, cosa que se agradece. Perfecta para algunos, decepcionante para otros, en realidad es una cinta de terror entretenida, con muchos tópicos, sangre, monstruos y finales no convencionales.

helen

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Un golpe a la mandíbula. Luego otro en el estómago. Luego otro. Unas patadas en el costado. Un mazazo en la cabeza. Al final acabas destrozada.
Mientras que Trainspotting -otra sobre drogas- me pareció una curiosa rayada hecha por unos cuantos amiguetes, esta película de Darren Aronofsky -responsable de la matanza- se limita a aplastarte. Hora y media de cine intenso, sin concesiones, con tendencia a producir desasosiego hasta en los estómagos más curtidos, entre los que el mío, efectivamente, no se encuentra.
Harry vive con su atormentada madre Sara, y mientras él sueña con una vida mejor, ella está permanentemente a dieta para el día que pueda cumplir su mayor ilusión; aparecer en su concurso televisivo preferido. La ambición de Harry y su novia Marion es hacerse ricos vendiendo droga con su amigo Tyrone, y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca llega el dinero suficiente para iniciar su plan. A pesas de todo, Harry y Marion no se resignan a vivir una existencia que consideran despreciable, por lo que harán lo impensable para conseguir la vida que anhelan.
Después de Pi, y el contrario que en ésta, Aronofsky toma como punto de partida material ajeno, la novela homónima de Hubert Selby Jr. La contundencia literaria de la historia permite a Aronofsky explotar la adicción en general -a las drogas, a los sueños, a una vida mejor-, verdadero hilo conductor de la película. Darren Aronofsky deposita todo el peso narrativo en un montaje novedoso y en recursos fílmicos no demasiado comunes (división de la pantalla, alteraciones del ritmo dentro de un mismo plano...) que resultan desagradables, pero funcionan a la hora de mostrar el descenso a los infiernos, sin posibilidad de escape, de un grupo de personajes sin otra voluntad que la que dictan sus adicciones.
El director culmina su obra con un final que es una serie de fuertes golpes traducidos en diez minutos agobiantes, inteligentemente acompañados (y algo suavizados, por lo menos) por la música de cuerda de Kronos Quartet, que ejerce de perfecto contrapunto para el trabajo tecnológico de Clint Mansell para el resto de la película. Los actores, perfectos, así como el equilibrio entre la experiencia de la veterana Ellen Burstyn y la juventud de Jared Leto, Jennifer Connelly y Marlon Wayans (el más sorprendente).
No hay salida: la historia está llevada hasta sus últimas consecuencias y hasta la sordidez más absoluta. Apabullante. Una pesadilla: la nevera moviéndose hacia Ellen Burstyn y hacia el espectador. Una migraña. Si nos sobreponemos a la esquizofrenia que sugiere, veremos una película particular, frenética, sorprendente, y llena de angustia y vacío.

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Un hombre vuelve a la ciudad de Estrasburgo, en la que se enamoró locamente cuatro años atrás, para buscar a la chica y recuperar aquel mágico momento. Es verano. El joven extranjero callejea observando y dibujando gestos y expresiones captadas azarosamente en la calle. Busca a esa mujer que conoció tiempo atrás, y cuyo recuerdo gravita sobre la ciudad. Esta búsqueda le conduce a otra mujer que le conduce a otra... siempre bajo la invocación de la ausente.
Un chico en una ciudad, mira a una chica. Después mira a otra... ¿Se puede contar una historia con tan poca cosa? Imagina uno de tus viajes inolvidables, solo, en pareja, con los amigos. Esa estancia tan recordada, donde conociste a alguien especial, las miles de fotos que sacaste, las ganas que se te quedaron de grabar cada hora... Guerín escoge Estrasburgo, y sin diálogos, deja que la ciudad te hable y te pide que te dejes llevar. Tú también eres protagonista, cómplice.
Porque una pequeña historia en imágenes no tiene que significar un cortometraje. Guerín sigue fiel a su espíritu y se tira noventa minutos contándonos las cuitas del protagonista, obsesionado con una mujer a la que conoció y no ha olvidado. Como todo artista que se precie -como el propio director-, el protagonista ve en cada mujer una fuente de inspiración. Las mira. Las dibuja. Intenta captar cada sentimiento que lucha por aflorar en cada mínimo gesto. Fíjate en el cartel. ¿Fuiste capaz de percibir ese momento?
Estrasburgo está viva. Por lo que se ve, y por lo que no se ve. ¿Seguro que esa chica era Sylvia y no Laure? Los secretos, las razones, los anhelos, los sentimientos. Escondidos y no tan escondidos. También las imágenes se suceden una tras otra, cada una inscrita al ritmo de la bicicleta, del vendedor de rosas... Los planos se superponen, se mezclan, y hablan entre ellos; te atrapan, con el reflejo de un rostro, con la expresión de una mirada, o un sonido.
Un chico en una ciudad mira a una chica. Después mira a otra. Y eso es lo que hay. Miradas, mujeres, la ciudad, luz, sonidos y escenas cotidianas... Vida en carne y hueso. Confiésate voyeur. Sueña, a través de la mirada de los protagonistas, en la ciudad de tus fantasías. Curiosea, observa, siéntete observado, baila, callejea y escucha. Lo dice el propio Guerín, los sonidos dicen a veces más que la música.
Ciertamente es desconcertante. ¿Hemos estado ahí, en un pequeño cine de la ciudad? Quizá salgas de ese cine echando pestes del idiota que te llevó a ver esa película, pero si al final te sientes recién llegado de viaje... agradéceselo. Es que te ha gustado.

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Pavel, un hombre casado, lleva una semana pensando constantemente en Vera. Decide ir a visitarla, porque desde que se miraron, nada ha vuelto a ser igual. Ella tiene marido e hija, y está igual de desconcertada que él en relación a sus sentimientos. Ambos viven en la inhóspita estepa siberiana y tienen pocos recursos económicos. Su historia de amor es un reto a la vida que han llevado hasta ahora.
Eurphoria es una de esas películas que pasan desapercibidas en cartelera, e inevitable cita para los amantes del gafapastismo. Y sin embargo, Euphoria, debut del realizador ruso Ivan Vyrypayev, es una interesantísima película, difícil de definir, y de olvidar. Contemplativa, romántica, pasional, apacible y violenta. Las contradicciones se agrupan en este pequeño filme, que compitió en el Festival de Venecia 2006 que consiguió el Pequeño León de Oro, y, más importante incluso, el apoyo de la crítica.
De argumento corriente, Euphoria comienza con una sinceridad demoledora. Dos protagonistas, sin preocupaciones, con vidas normales. Pero el sentimiento brota entre ellos. Sentimientos inesperados, trágicos, crueles, tremendamente poderosos. Te podría pasar a ti.
Pavel ya no puede esconder sus emociones. Decide encararse a Vera con lo que siente. Le explica que ya no puede vivir sin mirarla, tal y como lo había hecho desde su primer encuentro en ocasión de una boda. Ella le confiesa que también le miraba a él sin saber el porqué. Algo inexplicable se ha producido. Algo que ellos no habían conocido hasta el momento. Algo que ellos no comprenden.
Actores sin experiencia, paisajes desolados y diálogos mínimos. Ivan Vyrypayev compone una ambientación fría en la que reina la tranquilidad, pero con un “pequeño” río, el Don, metáfora de la violencia que puede llegar a desarrollar el ser humano. El fotógrafo Andrey Naidenov convierte a la estepa en un personaje más: hay infinidad de planos centrados únicamente en el paisaje. Frío, desangelado.
Quizá se te pase desapercibidas, pero si la ves, no la olvidarás. Llévate la coraza y no dejes aflorar la ternura. La Euphoria es peligrosa. Crea adicción, pero es una amante temporal. Cuando se desvanece, ¿qué queda? La dura realidad. Y ésta no volverá a ser como antes.

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Rusia, revolución de 1917, la guerra produce una convulsión general en un país dividido, y en medio del conflicto asistimos al drama íntimo de un hombre que lucha por sobrevivir. Este hombre es Zhivago, poeta y cirujano, marido y amante. Su vida trastocada afecta a otras muchas personas, entre ellas Tonya, la mujer con la que se casa y Lara, la mujer a la que nunca podrá olvidar.
David Lean, uno de los grandes, crea una memorable superproducción sobre la célebre novela de Boris Pasternak. No es mi David Lean de Breve encuentro. Es el David Lean de los 176 minutos. Pero no me importa. Doctor Zhivago es un drama épico en el que todo es espectacular y desmesurado, con una grandiosidad en la puesta en escena y desborde de producción, aunque con un exceso de fidelidad a la estructura y aire de la novela.
El amor y la muerte, dos acontecimientos de la vida que no podemos evitar. El horror y la guerra, dos sucesos que nadie querría presenciar. La inseguridad, la pasión, el desarraigo, la comodidad, la soledad, los ideales. Todo un mundo de sentimientos y vivencias que el protagonista encerra en sí mismo. Una película que contiene la esencia de la humanidad, resumida en una revolución.
Un argumento trepidante, giros inesperados, unos personajes que evolucionan con nosotros a lo largo de la película y el amor como eje y fundamento del film, sirven de origen a ese hermoso manantial de ternura, pasión y sinsabores que desemboca en la tragedia de un país descompuesto, tenaz y al mismo tiempo helado como su propio clima. Fotografía, ambientación, música, reparto, dirección... Buscad todos los adjetivos posibles, que nos quedaremos cortos. Tal grandiosidad queda fuera de los límites imaginables.
Algunos pasajes son estremecedores, como la llegada de Zhivago medio muerto y el hallazgo de la llave, los lobos en la dacha de Varykino, el impactante final... La mirada luminosa, llena de vida, mezcla de amor, temor e incredulidad de Julie Christie, cuando la cámara encadena sus ojos con dos flores amarillas...
Sencillamente, la historia de unas personas que luchan por su intimidad cuando todo estaba prohibido, excepto obedecer ciegamente las directrices del Partido. Todos los actores están geniales, y ambos protagonistas hacen los dos grandes papeles de su vida. De ahí en adelante, Julie será Lara, y Omar Shariff será el atormentado poeta-médico Zhivago, que, a pesar de un entorno hostil, siempre guarda una humilde esperanza en el fondo de su corazón.
La emocionante historia de amor que surge en medio de los griteríos de la Revolución Rusa es un espectáculo apabullante, grandioso, poético, intenso, como sólo las grandes obras maestras pueden serlo, aunque ésta quizás resulte un poco excesiva a veces, cosa que una le perdona con facilidad. Es contagiosa, en serio.

helen

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