Dicen que todo, pasiones y comida, hace su digestión en el estómago rumiando como bovinos ese menú que se nos ofrece y al que llamamos vida. El brasileño Marcos Jorge nos presenta una historia donde la comida y la vida se unen en recetas que no siempre salen del gusto del que las prepara, pero que aún así hay que vivirlas para saborearlas. Lo maravilloso de la historia es que sin estar llena de grandes sucesos atrapa con el resabio que tienen las cosas sencillas y cotidianas. La película nos muestra las peripecias de Raimundo Nonato, una persona que, como su nombre indica, no ha nacido del todo, o cuando menos conserva la candidez e inocencia de un niño en el cuerpo de un hombre que, a primera vista, tiene más de víctima que de verdugo. Recién llegado del pueblo y por azares de la supervivencia, descubrirá la asombrosa mano que tiene para la cocina cambiando de este modo su vida y su destino, pues a partir de ese momento son sus habilidades culinarias las que garantizan desde su propia supervivencia a todo lo que le ocurrirá en la vida. Pero mientras que en la cocina el control sobre el proceso le garantiza los sabrosos resultados, no ocurre otro tanto en la vida y la “prueba del nueve” es que su corazón, hecho de la misma pureza que él, escogerá para amar y sufrir las carnes de una alegre prostituta: Iria. La habilidad de Marcos Jorge es presentarnos esta historia saltando por los aires la linealidad de la historia. Si en el cine el tiempo siempre es presente, la estudiada estructura de esta historia presenta un jugoso juego de tiempos en los que el flashback y el flashfoward se dan la mano con una gracilidad asombrosa sin que chirríen esos dos tempos, que no logras identificar muy bien casi hasta el final de la película. La dirección es sobria, sin grandes efectismos, pero disciplinada con lo que está contando y con una soberbia dirección del reparto.
Punto y aparte merece el protagonista, Nonato, interpretado por el actor brasileño João Miguel. Su mirada, el acercamiento a esta olla de pasiones que presenta la película es sostenido por la sinceridad y candidez de su interpretación, llena de diálogos de un lenguaje directo, sin sombra de entonación y que llega a sostener el peso de la película, estando ante uno de esos actores que parece nacido para esa para ese papel y sin cuya presencia la película perdería ese gusto de alta gastronomía que deja la contemplación de un película sencilla, pero sin ninguna duda sabrosa.

Strhoeimniano

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David Webb Peoples firma un guión espléndido para que Eastwood filme la que quizá sea su mejor película. John Ford decía en “El hombre que mató a Liberty Balance” que en el Oeste, entre la realidad y la leyenda, escogían siempre la leyenda. “Sin perdón” escoge la realidad. Una realidad compacta, dura, sucia y atávica, rodada desde una inspiración que hacen de esta película una obra maestra absoluta.
La violencia es el motor de la historia, el desencadenante de toda la trama. El marcaje de unas prostitutas llevará a éstas a ofrecer una recompensa a quienes maten a estos vaqueros. Este pretexto argumental nos traerá una galería de personajes inolvidables. De una parte: W. Munny (Eastwood), pistolero de un pasado sanguinolento que ahora, ya “rehabilitado” hace de porquerizo en una granja abandonada; Kid Scoffield, un “pistolero” joven en los primeros pasos del camino hacia una leyenda que a esas alturas sólo existe en las noveluchas; y Ned Logan (Freeman), compañero de las correrías pasadas de Munny. Del otro lado: la ley. “Little Bill” (Hackman), un sheriff que aplica la justicia (o su justicia) con una violencia desproporcionada.
“Sin perdón” siendo una película violenta es tremendamente lírica. La mirada revisionista que propone, desmonta el mito para crear uno nuevo. Las balas, siempre certeras en el género del western, toman aquí una naturaleza más real, donde la violencia siempre acarrea consecuencias y matar es una cuestión de suerte en el reparto. Esto hace que sea una película profundamente moral y que una historia en apariencia simple, nos ofrezca, como todas las grandes obras, más carne de la que aparenta.
Rodada desde un clasicismo magistral, no sólo se detecta todo lo que Eastwood aprendió de Don Siegel y Sergio Leone, a quienes dedica esta película, sino que podemos rastrear a Ford, a Hawks, a Mann en cada una de sus secuencias. “Sin Perdón” es de esas películas que cuando terminas de verlas sabes que has asistido al nacimiento de un clásico, de una obra maestra.

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El riesgo de participar en una película de episodios es que el resultado final se va a comparar con las acompañantes, hecho que no ocurriría en una obra independiente. Asumido este riesgo, tres de los mejores directores norteamericanos vivos esbozan sus particulares creaciones teniendo como fondo la más que reconocible y entrañable ciudad de N.Y.
“Historias de N.Y” es una película con dos pequeñas obras maestras y un despropósito. Sin duda, en la cima de esta pirámide hay que situar la obra de Scorsese. “Apuntes al natural” es una pequeña joya que concentra todo el brío del autor. La historia narra la relación amorosa entre una estudiante de arte (R.Arquette) y un pintor genial (N.Nolte), pero miserable como persona. Como todos los personajes de Scorsese, éstos están en permanente desequilibrio emocional. Lo hermoso de este film es que muestra la creación y la destrucción como procesos paralelos. Hay una secuencia espeluznante que sólo por ella merece la pena ver esta película. R. Arquette, tras una pelea, baja dispuesta a seguir con la gresca pero se encuentra a Nolte en pleno trance creativo. Los primeros planos de Arquette son maravillosos y traducen todo lo que le pasa por la mente: primero, la admiración; poco después, la crueldad de saber que ella “nunca podrá hacer eso”. Es el desencanto del amor, pero también de su pasión como artista. La fotografía es uno de los últimos trabajos del gran N.Almendros.
“Edipo reprimido” es una muestra del mejor Allen, de ese que como en “La Rosa Púrpura del Cairo”, coge una historia irreal y la convierte en un momento delicioso, de comedia disparatada, pero inteligente e incluso creíble. La historia es una pesadilla de amor, pues nada más y nada menos que desaparecerá la madre por un truco de ilusionista y aparecerá en el cielo de N.Y. narrando con amor maternal esos pequeños detalles íntimos que uno se pasa la vida queriendo sepultar. “Edipo reprimido” es un Allen concentrado, que goza de la oportunidad de dar en esa dosis todo su universo particular y elevar la paranoia a la línea del cielo de N.Y. Una delicia.
“Vida sin Zoe” es fiel al título (Zoe, en griego, significa vida). Es una historia hueca, escrita en familia entre el director y su hija antes de que le llegase la sabiduría que demostró en “Las vírgenes suicidas” y “Lost in traslation”; si eso es perdonable (el amor se somete a pruebas como esta),cuesta ver la mano de Coppola en la realización vaga, poco inspirada y que de algún modo anuncia los “patinazos” que tras la realización de “Drácula” llevaría la carrera de este magnífico autor. Ni los actores (y eso que está Talia Shire), están a la altura, eso que lo acompañan en esta fallida aventura sus habituales: V.Sotoraro, Carmine Coppola, Barry Malkin; pero ni con esas. Puede que toda esta afirmación sea debido a las obras que la acompañan; ese es el riesgo.
Aún así compensa ver este recital de tres autores imprescindibles para amar el cine.

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“La casa de cera” responde a ese género de terror adolescente que hemos padecido desde “La matanza de Texas”. Bajo estas premisas, la película tiene todos los puntos para diluirse en el olvido; sin embargo, siguiendo al pie de la letra todos los códigos de este género de tan fácil consumo, “La casa de cera” despega de sus antecesoras añadiendo a todos sus ingredientes un ingenio e inteligencia que la salvan de la quema en la que todas acaban.
Como no podía ser menos, la primera mitad se consume en presentarnos a ese grupo de cachorros de cuerpos vigorosos y cerebros poco brillantes que, por supuesto, se tienen que dirigir, la disculpa es lo de menos, a la boca del lobo. Ya ahí, uno empieza a hacer las típicas apuestas a las que te llevan este tipo de películas: ¿Quién morirá primero? Y cuando esto llega, la tensión ya no te abandona en todo lo que queda de película. Este mérito corresponde sin duda a la desenvuelta dirección de Jaume Serra, con una estética a medio camino entre el video clip y el anuncio de turno, pero también conocedora de inspiraciones más clásicas, como a la hora del clímax final donde el derroche de medios no sepulta las sugerencias que el director muestra sobre el origen de esos locos asesinos, así como sobre su atávico final.
“La casa de cera” no es un remarke sobre esta historia tan conocida por los amantes del género de terror; es más bien un cóctel que combina esas referencias con toda la tradición que han traído a este género gente como Romero, Craven o Hooper. Su salvación son las pinceladas que aquí y allá va soltando un guión más elaborado de lo que es habitual. El horror no se instala como en sus predecesoras en un siniestro museo, sino que abre sus puertas para estar presente en todo el decorado (muy cuidado para lo que nos suele ofrecer este tipo de películas) y en un “gore” que no escatima el humor negro a la hora de presentarse.
“La casa de cera” no pretender ser más de lo que da; pero esto lo hace de una manera sobresaliente.

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Falta aún por saber cómo será la versión pensada por Scorsese, sin esas mutilaciones que hieren de muerte a la historia de amor entre DiCaprio y Cameron Diaz; mientras tanto “Bandas de N.Y” emerge como una obra magistral, que seguramente irá a más, del mejor director norteamericano vivo.
Su amada N.Y., tan presente en toda su filmografía, es ahora la protagonista absoluta de la película. Scorsese bucea en los orígenes, en esa noche de los tiempos, para mostrarnos de dónde salió toda esa galería de personajes que ilustra otras películas suyas. Así, “Bandas de N.Y” es, sobre todo, una película histórica, que se sumerge no en los grandes protagonistas, sino en aquellos que hacen la “intrahistoria” unamuniana. La preocupación de Scorsese por mostrarnos que todo lo que ocurre en la pantalla es fruto de la investigación llega aquí al extremo. Cada hecho, cada anécdota, tiene su reflejo en las páginas amarillentas de los diarios que circulaban en esa época.
De todo este universo, Scorsese pone su mirada en “Five Points”, una matriz de la que germinará ese N.Y.; y de este crisol, tres protagonistas, escoltados por una galería de secundarios inolvidables, que atan su vida a un destino violento, única respuesta válida en aquel infierno. DiCaprio es la venganza, un sentimiento de furia que no lo abandona en ningún momento de su maravillosa interpretación; Cameron, es la flor rota, la superviviente nata, una buscona que ha enterrado su corazón en lo más profundo; y en la cima de todo: Daniel Day-Lewis. Su interpretación es sobrecogedora, a su lado, todo empequeñece, literalmente hace una carnicería por donde pasa de lo espléndido que está interpretando a la crueldad absoluta en la que se mueve “Bill el Carnicero”. Es la crueldad absoluta. No hay ni un solo rasgo positivo en su personaje, guiado todo él por el miedo (maravilloso el diálogo que explica como el miedo, “un espectáculo de actos temibles”, es el orden de las cosas).
Punto y aparte, merece el diseño de producción. Los decorados de Dante Ferreti están construidos a tamaño natural, con ese amor por el detalle que preside toda la película y que la alejan de la ilusión digital a la que acuden otras producciones para darle una verosimilitud única.
El plano final, sencillamente inigualable: Una N.Y. crepuscular, aún con las dos torres; pero que seguira en pie, porque esta ciudad se construye en las calles.

Strhoeimniano

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