Film de Raoul Walsh, basado en un argumento de Niven Busch, adaptado por él mismo y Martin Rackin. Se rodó en Florida (Castillo de San Marcos, Enverglades National Park, Naples, Silver Springs) y en Kentucky (Moffet Cementery). El productor fue Milton Sperling y el estreno tuvo lugar el 29-XII-1951 (EEUU).

La acción se despliega en Florida, en 1840, durante la segunda guerra contra los semínolas. Narra las aventuras del capitán Quincy Wyatt (Gary Cooper), explorador del Ejército americano, padre de un hijo de 6 años, casado con una india, de la que enviudó cuando fue violada y asesinada por un grupo de soldados novatos y ebrios, del cuerpo de Infantería, al que él sirve. Es una persona excéntrica, sin prejuicios raciales, aficionada al riesgo, luchadora incansable, solitaria, que siente una enome devoción por su hijo. Se le encomienda la misión de cortar el suministro de armas de fuego a los indios por parte de contrabandistas desaprensivos. Libera a varios cautivos, entre los que se encuentra Judy Beckett (Mari Aldan).

La película es un "western" que se desarrolla en el Este, en Florida. Es un relato vibrante de aventuras, con lances de guerra y de lucha, que se suceden sin dar respiro al espectador. La variedad, originalidad y novedad de éstos, confieren a la obra un brío inusual. Se ven escenas de asalto a un fuerte (Fuerte Infanta), lucha contra contabandistas, liberación de rehenes, travesía de parajes naturales impracticables, supervivencia en una selva hostil y desoladora, etc. La lucha inevitable entre el jefe indio Oscala y Wyatt se produce en términos de igualdad, personal y étnica. Oscala es valiente, fuerte, astuto e inteligente, como Wyatt. Se incluyen escenas estremecedoras, como la visión del pozo excavado en la arena, atestado de cocodrilos hambientros. El paisaje es tratado con admiración y atención a su variedad (ciénaga, pantano, río, árboles centenarios, animales exóticos, etc.). El protagonista expone con lucidez las razones de su renuncia a la venganza y aconseja a Judy que haga lo mismo: la venganza constituye un error que genera malestar e impide que el mundo sea mejor. Es la primera película que hace uso de "The Wilhem Scream", un grito prolongado, de archivo, que se ha reproducido en numerosos films, como "Star Wars" (episodio IV) e "Indiana Jones y el templo maldito" (1984). La película lo usa en 2 ocasiones: cuando 3 indios son heridos sucesivamente y cuando un soldado es mordido y arrastrado bajo las aguas por un cocodrilo.

La música, de Max Steniner, contiene 12 temas orquestales magníficos. La fotografía, de Sid Hickox ("La senda tenebrosa", 1947), aprovecha la belleza y exotismo de los escenarios naturales. Las secuencias de lucha son correctas dentro de lo habitual en la época. Sobresale por su espectacularidad el combate submarino a cuchilo entre Oscala y Wyatt. El guión compone un relato absorbente. La dirección crea un singular cásico del "western", que da fe de su extraordinaria habilidad narrativa.

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Los temas de la partitura de Max Steiner son de formatos muy variados: románticos ("Judy y Quincy"), vibrantes e inquietos ("Seminole Patrol"), heroicos ("Quincy Wyatt), bélicos ("Blowing Up The Fortress"), grandilocuentes ("Main Title") y eclécticos ("Conclusion"). Se incluye una bonita canción a cargo del gran Jim Reeves. La incompatibiliad entre la renuncia y la vindicación de la venganza da paso a la secuencia final de la historia.

Miquel

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Una de las más notables películas de la etapa americana de Fritz Lang. Fue nominada al Oscar a la mejor banda musical. Se basa en un "bestseller" de J. H. Wallis.

La acción se sitúa en Nueva York, en los años de la II Guerra Mundial. Narra la historia del profesor de la Universitad de Gotham, Richard Wanley (Edward G. Robinson), hombre honrado, oscuro, taciturno y dominado por la mujer. Tras despedir a la familia (esposa e hijos) que marchan unos días de vacaciones, reparte sus horas de ocio entre una tertulia con dos amigos, el fiscal Frank Laloy (Raymond Massey) y el médico Michael Barkstane (Edmund Breon), y la lectura hasta las 10 de la noche de obras poéticas clásicas. Junto a la entrada del club, se expone en el escaparate de una tienda, el retrato al óleo de una mujer joven y atractiva, que le cautiva y le atrae enormemente, según explica a los amigos. A la salida del club vuelve sobre sus pasos para admirar de nuevo el retrato, junto al que aparece el reflejo de la imagen real de la modelo, Alice Reed (Joan Bennett).

Las imágenes expresionistas del rostro del protagonista, las tomas no convencionales, la escasa iluminación de los escenarios, la presencia extemporánea de la lluvia, la reflexión de imágenes en el espejo de la casa de Alice, la presencia multiplicada de relojes (símbolo de que el tiempo se acaba) y otros elementos confieren al relato un tono trágico e inquietante de vigor inusitado. Añade Lang toques de humor, de sabor más europeo que americano, basados en la lógica del absurdo, que contribuyen a elevar la tensión del espectador: un guardaespaldas con antecedentes penales por chantage, una medicina contra la astenia con posibles efectos secundarios mortíferos, si se administra en dosis superiores a las prescritas, etc.

Producida por International Pictures, fue distribuída por la RKO. Comparte con "Jennie", "Laura" y "El retrato de Dorian Gray" el tema de la fascinación producida por un cuadro. Es una obra emblemática de la etapa dorada del cine negro americano.

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Cuando, a la salida del club, el protagonista se encuentra con la modelo del cuadro, entabla conversación con ella, la invita a una copa y accede a ir a su casa para ver los dibujos preparatorios del cuadro. La llegada inesperada del amante de la muchacha, le involucra en un asesinato, que se complica y le desborda. Por lo demás, el fiscal asignado al caso es su amigo Frank, que le mantiene al corriente del avance de la investigación con una cantidad de datos probados abrumadora, que provocan en él una espiral imparable de sorpresa y angustia. Ésta envuelve al espectador y lo sume en un clima de suspense creciente, opresivo e irrespirable.

El giro final trae a la memoria "El gabinete del Dr. Caligari", de Robert Wiene.

Miquel

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Única colaboración del realizador Blake Edwards y el actor Peter Sellers ajena al tema de la Pantera Rosa. El guión, de Blake Edwards, Tom y Frank Waldman, desarrolla un argumento original de Blake Edwards. Se rueda en L.A. y en los platós de Warner Studios (Hollywood, CA). Producido por Blake Edwards para The Mirish Co., el film se estrena el 4-IV-1958 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en una moderna mansión residencial de L.A., propiedad del productor de cine Fred Cutterbuck (McEnzie). El actor hindú Hrundi V. Bakshi (Sellers), tras provocar la voladura anticipada de un plató de cine, es invitado por error a la fiesta de postín organizada por el productor del film y su esposa Molly (Green). No conoce a los invitados, pero pronto se hace notar. Se gana la simpatía de la aspirante a actriz más guapa de la fiesta, Michèle (Longet). Él es educado, agradable, culto, sencillo, inocente y curioso. Carece de sentido del humor y le persigue la mala suerte. Es desmañado y patoso a rabiar. Ella es atractiva, guapa, honrada, decente e incorruptible. Tiene buena voz, toca la guitarra y desea ser actriz.

El film es una comedia de humor disparatado, alocado, delirante y burlesco. Añade elementos de romance y de crítica social. La obra se plantea como un homenaje al humor del cine cómico mudo (slapsticks) . Se inspira en el cine de Jacques Tati, especialmente en tres de sus películas: “Playtime” (1967), “Las vacaciones del Sr. Hulot” (1953) y “Mi tío” (1958). De la primera toma ideas para la secuencia de la cena, de la segunda el coche-motocicleta y de la tercera el surtidor y otros referencias. Como Charlot, Bakshi es inocente y bondadoso, poco mañoso y desmañado, se ve perseguido por la mala suerte, pero conquista a la chica más guapa del film. Bakshi se diferencia del inspector Clouseau porque es inocente y sencillo, competente, carece de vanidad y las desgracias le sobrevienen por mala suerte, no por su estupidez. Como Laurel y Hardy, usa la confusión y el error como fuentes de comicidad. Como en los films mudos, comienza con una introducción, en la que parodia una escena de “Gunga Din” (George Stevens, 1939), protagonizada por Sam Jaffe.

La película se apoya en un argumento escueto, que sirve de pretexto para encadenar una sucesión de gags. El libreto tiene menos de 60 páginas. La distribución de la comicidad se ajusta a un crescendo que comienza con gags minimalistas, contados con parsimonia y riqueza de detalles, enmarcados en una atmósfera tranquila, para avanzar gradualmente hacia una catarata de desastres. El realizador, además, del entretenimiento, busca colocar en la picota al mundo de Hollywood y del cine. Lo presenta como un universo aburrido, dominado por la hipocresía, traicionero, sin escrúpulos, dado a la corrupción, aficionado a la mentira y al engaño, poseído por la codicia y obsesionado por el dinero.

(Sigue en el spoiler sin desvelar partes del argumento)

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Algunos personajes responden a estereotipos de la sociedad del cine californiano. El director (Ellis) del film de aventuras trata de engañar a una jovencita, el productor está más preocupado por salvar las joyas de su mujer que a su mujer, la estrella del western (Miller) es un bruto, la mujer del productor es alcohólica, etc. La burla ridiculiza lo que los jerarcas del cine comen (sopa de fresa), cómo visten y peinan (rellenos y tupés), lo que reflejan sus casas (megalomanía y estupidez), etc. Adicionalmente, se burla de las grandes preocupaciones de la alta sociedad californiana, para la que el mundo camina hacia un cataclismo que llegará de la mano de los rusos, los comunistas, la explosión demográfica asiática (China, Japón e India) o los jóvenes inconformistas. En contraposición, Blake Edwards sugiere que el submundo codicioso y estúpido, puede saltar hecho añicos gracias a una juventud nueva, alegre y divertida, o de un ataque colectivo de risa. Como demuestra el film, la juventud alegre y la risa pueden ser más destructivas que un tornado.

Son escenas memorables la de Bakshi y el loro, el apretón de manos del cowboy, la del lavabo, el apremio urinario, el lavado con jabón de la cría de elefante y otras. La interpretación de Sellers es ajustada y convincente. Son buenas las intervenciones de Longet, McEnzie, Green y otros.

La música, de Henri Mancini, aporta una excelente banda original, de 12 cortes, con composiciones descriptivas (“Birdie Nam Nam”), de acompañamiento (“The Party”), ambientales (saxo y orquesta), de construcción argumental (“Nothing To Lose”, balada a cargo de Longet) y de moda (“Meglio stasera”). La fotografía, de Lucien Ballard, en panavisión y color (deluxe), ofrece travellings vibrantes, planos cortos inquisitivos y expresivas tomas largas. Crea numerosos y ocurrentes lances de comicidad visual, que a veces ofrece fuera de plano.

Film muy divertido. Posiblemente es la mejor comedia del realizador.

Miquel

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Séptimo largometraje de Charles Chaplin, en el que interviene como director, actor, guionista y productor. Se rueda en exteriores de CA (Pasadena, L.A., Hollywood, Lago Malibú, Reuss Ranch, etc.) y en los platós de Chaplin Studios (Hollywood), durante 6 meses (septiembre 1939 a marzo 1940). Es nominado a 5 Oscar (actor, actor reparto, música, película y guión original). Producido por Chaplin para UA, se estrena con gran éxito el 15-X-1940 (NYC).

La acción abarca un período de 20 años (1918-39), que incluye escenas bélicas (1918) de la IGM y escenas de los meses previos al comienzo (1939) de la IIGM. La acción tiene lugar en territorio de Tomania, país inexistente, imagen de la Alemania nazi. Un humilde barbero judíoalemán (Chaplin), residente en el gueto de la capital del país, tiene un gran parecido con el dictador Astolfo Hynkel (Chaplin), al que asisten dos consejeros áulicos: Garbistch (Daniell) y Herring (Gilbert).

El film es una comedia dramática. Es uno de los primeros trabajos de Hollywood que se posiciona abiertamente contra la barbarie nazi y el primer film sonoro de Chaplin. En él aparece por última vez Charlot (el barbero). Mezcla sátira, slapstick y burla, en el marco de un discurso dominado por un humor ácido y amargo. La expresión corporal y la visualidad tienen gran importancia. Abundan las torpezas, resbalones, tropiezos, caídas y golpes. No faltan planos de humor visual festivo (batalla de pasteles y comida), desesperanzado (lanzamiento de tomates), de denuncia de la incompetencia nazi (inventos de Herring), patético (ideología nazi). Sus posiciones antibelicistas le llevan a tratar con sarcasmo las cadenas del mando militar, los supercañones, la dudosa valentía de algunos militares nazis. Presenta la vulneración sistemática de los derechos humanos con referencias escalofriantes (detenciones masivas, ejecuciones indiscriminadas). Denuncia con amargura el racismo nazi.

Son escenas destacadas la de los delirios de poder del dictador, que juega en su despacho con el globo terráqueo al compás de Wagner, el afeitado a ritmo de Brahms, el juego de sillas en la tarima presidencial y el discurso final. Prohibida en España hasta abril de 1976, la película supuso la primera y única nominación de Chaplin al Oscar a mejor actor. Navegando entre las aguas de la comedia y la tragedia, contrapone la sencillez e ingenuidad de un modesto barbero y los desvaríos de un hombre megalómano y cruel.

La música, de Chaplin y Meredith Wilson, aporta una brillante partitura original, melódica, rítmica y variada. Añade 2 fragmentos ajenos: "Danza húngara nº 5" (Brahms) y "Obertura de Lohengrin" (Wagner). La fotografía, de Karl Struss y Rolland Totheroh, presenta movimientos de cámara espectaculares. Destaca la ampulosidad de la arquitectura nazi, la vanidad de su estética realista y la desmesura de sus liturgias (concentraciones de masas). Película en buena medida atemporal, conserva todavía capacidad de provocación y denuncia.

Miquel

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Film independiente, realizado por Joseph Losey y escrito por Harold Pinter. Es la primera de tres colaboraciones entre ambos ("Accidente", 1967 y "El mensajero", 1970 ). Se basa en la novela "The Servant" (1948) de Robin Maugham. Nominado a 8 BAFTA, ganó 3 (actor, fotografía y actor novel). Obtuvo un Silver Ribbon (director extranjero) y otros premios. Se estrenó el 19-III-1963 (RU).

La acción tiene lugar en Londres en 1961/62, a lo largo del invierno. Narra la historia de Hugo Barrett (Dick Bogarde), perspicaz, manipulador, seductor, buen cocinero, que lleva 13 años como asistente doméstico. Es contratado por Anthony Mounset (James Fox), aristócrata, soltero, refinado, indolente, frágil e inseguro, más joven que Barrett. Entre ambos se establece una relación compleja de dominación y sumisión, confianza y engaño, eficiencia y degradación, amistad y lucha por el poder.

La película es un drama psicológico basado en el enfrentamiento entre un hombre servicial que, tras una apariencia de eficacia, oculta pasiones de dominación, posesión y degradación. Entre sus motivaciones se apuntan deseos de revancha, resentimientos, afanes de poder e inclinaciones sadomasoquistas. El arco dramático avanza desde la conquista de la confianza y el respeto de Tony, el alejamiento de su novia, la introducción de una mujer en la casa, Vera (Sarah Miles), para que le seduzca al patrón y le domine sexualmente, la ocupación física de sus espacios (lavabo, dormitorio), etc. La obra explora el alma humana, sugiriendo hipótesis sin formular juicios. Las cuestiones que se plantean quedan en suspenso, abiertas a la reflexión. La cámara realiza un extraordinario trabajo de exploración de la casa, con un sugestivo movimiento de cámara, travellings, zooms, barridos, tomas largas, planos picados y contrapicados, reflejos en espejos que completan las escenas. Se sirve de símbolos, como la posición de los actores en la escalera, la intensidad del color de las figuras, los barrotes del pasamos. Añade elementos inquietantes, como el sonoro goteo del grifo, la estridencia del teléfono, la indefinición de la distribución de la casa, la lluvia persistente y la nieve. Salvo escasas excepciones, todas las escenas son inquietantes, incluidas las exteriores (restaurante, bar, casa de los padres, estación de tren). La homosexualidad se sugiere a través de las fotografías del dormitorio de Tony (jóvenes musculosos), esculturas de la casa (atleta desnudo) y la indicación amenazadora de Barrett "yo conozco su secreto". Critica a la aristocracia, presumida e ignorante, que confunde un poncho con una capa.

La música aporta una banda jazzística de saxo y piano, en la que se apoyan fragmentos de "All Gone", a cargo de Cleo Laine. Añade un fragmento de guitarra. La fotografía es magnífica. El guión desgrana un crescendo dramático demoledor. La interpretación de Bogarde, extraordinaria, incrementa los sentimientos de desasosiego. La dirección consigue la que posiblemente es su obra cumbre.

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Losey se refugió en el RU, tras su huida de EEUU a raíz de la "caza de brujas". Nunca ocultó su orientación bisexual, que es posiblemente la de los protagonistas. La referencia a la marihuana se establece con cierta ostentación. La presencia del sexo en la obra es reiterada: novia, amante de Barrett, seducción de Tony, dominación a través del sexo, amor triangular, apareamiento de Vera y Barret y como elementos iconográficos los temas de los cuadros de la sala: una Venus mórbida, un grupo de guerreros sentados que examinan a una joven esclava desnuda. La secuencia final se presenta envuelta en un aire de sueño e irrealidad, muy acertado.

Miquel

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