Se podría ver esta película sin sonido y disfrutarla segundo a segundo. Cada plano está tan cuidadosamente compuesto, aprovechando los espacios, situando a los personajes y trabajando sus movimientos, usando la perspectiva para tratar los objetos en primer plano o de fondo, jugando con los colores, retratando con sutileza hasta el aire cuando mece las hojas de los árboles, que es una delicia para los sentidos.

Añadimos banda sonora, y lo que tenemos es una partitura que encaja como reloj de precisión llenando los silencios de los actores, con los ritmos apropiados para cada escena; pero fundamentalmente de una frescura compositiva que la convierten en música evocadora, atmosférica y naturalista, que más que acompañar lo que hace es sugerir. Sustentada sobre todo en instrumentos orientales tradicionales equivalentes a la flauta, oboe y tambor, y con la ayuda del sintetizador, logra que viajemos de verdad a finales del período Edo en Japón.

Yamada mima a sus actores y consigue de ellos lo mejor. Hiroyuki Sanada construye un Seibei Iguchi tan de carne y hueso que nos mete en la pantalla para intentar defenderlo cuando alguien le hace daño. La escritura de estos personajes alterna su descripción en el desarrollo perfectamente y a partes iguales entre gestos, hechos y palabras.

Estilísticamente está más cerca del cine pausado, los movimientos de cámara bien estudiados, del cine de clásicos como Kurosawa o Mizoguchi, con toques de western situado entre Sergio Leone y Clint Eastwood; de hecho, en muchos aspectos "El ocaso del samurái" se muestra de modo semejante a los mejores western, sobre todo en las secuencias de los duelos -inquietante, tenso y magnífico el que cierra la película- . Pero no obstante, hay un ingrediente propio, un estilo característico del director que transforma con inmediatez lo sencillo en un poema que comunica todo lo necesario.

En resumen, estamos frente a una historia conmovedora de amor y lucha por sacar adelante a quienes se ama, envuelta en decadencia y derrota, ocaso de una forma de vida, contada como muy pocos hacen aún hoy en día: con talento.

Pedro

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Coetáneo de los más grandes que rodaban por aquellos tiempos al norte de la frontera de México -Wilder, Ford, Mankiewicz, Lang, Huston, Chaplin, Welles, Hawks, Wyler, Hitchcock...-, Luis Buñuel encarnaba también la edad de oro del cine, aunque fuese al sur del Río Grande. Con "Él" deja claro que nada tiene que envidiar del dominio técnico, las composiciones de planos o el movimiento de cámara. Tampoco de la dirección de actores o el desarrollo de los personajes en la pantalla.

A todos los componentes de una excelente dirección se une la visión profunda de los personajes, el tratamiento interior de estos, ahondando sobre todo en la autodestrucción atormentada del protagonista -Francisco Galván-, con ingredientes habituales en la filmografía de Buñuel como el fetichismo, el deseo, la religión o la locura. Esto, unido a una estructura que dosifica el flashback y las elipsis en su justa medida, crean un hilo argumental narrado con soltura al mismo tiempo que conduce la tensión con idéntica fluidez.

Se nos presenta el amor como dualidad. El que todo lo da y nada quiere a cambio es el amor realista y sincero de Gloria; contrapuesto al amor idealista, egoísta y posesivo de Francisco. Anhelo de perfección, obsesión, represión, culpa, tormento interior, ansias de liberación..., van desgarrando el alma de él, mientras se destripa una sociedad cegada por prejuicios a través de escenas y diálogos brillantes.

El director confesaría de este trabajo: "Nunca tuve problemas con la censura. El único problema es que al ser estrenada la película fue un fracaso. Si duró tres semanas en la sala, se debió al nombre de Arturo de Córdova, que tenía mucho cartel." Pero si lo que ustedes se preguntan al leer esta crítica es en definitiva qué pienso yo, pues mi respuesta, parafraseando al Padre Velasco es que... "¡este pavo está muy rico!".

Pedro

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Estamos ante un musical ideado como un cóctel de situaciones acordes a lo que sugieren diferentes canciones de "Los Beatles". Así se alternan momentos románticos, psicodelia -aprovechada para experimentar con composiciones surrealistas de las imágenes y explosiones de colorido-, protestas o revoluciones, igual que en la propia evolución musical del grupo de Liverpool.

Es precisamente en los barrios obreros del Liverpool que vio nacer a la banda inglesa donde arranca esta historia, para trasladarse luego al Nueva York de los sesenta con la guerra de Vietnam y las protestas crecientes contra la administración estadounidense como fondo. Nos cuenta las peripecias de un grupo de jóvenes de distinta procedencia (unos de familia acomodada, otros de clase baja) a los que el destino termina uniendo. Y si bien no lo hace con un desarrollo argumental que sea especialmente lleno de fuerza, sino más bien con una historia convencional centrada en una relación de pareja, lo cierto es que la ambientación, la coreografía de algunos números y su puesta en escena resulta más que entretenida. Algunas escenas, como la interpretada por Joe Cocker con el tema "Come Together" arreglado por él mismo, conforman por sí mismas un videoclip de excelente calidad.

En total, 33 temas de homenaje a John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr entre los que se pueden escuchar en versiones de distintos músicos "With a little help from my friends", "Let it be", "Strawberry fields for ever", "Hey Jude", "All you need is love", "Lucy in the sky with diamonds" y tantas otras que forman ya parte ineludible del imaginario musical del siglo XX. Todo aliñado con cortas apariciones en pantalla de algunos de quienes han hecho los nuevos arreglos, como el mencionado Joe Cocker o Bono, y algún que otro cameo estelar como el de Salma Hayek.

Reconozcámoslo, si "Los Beatles" supusieron una revolución en la forma de hacer música en el siglo pasado, esta película no va a suponer nada ni remotamente parecido para el séptimo arte, pero al menos se deja ver bastante bien y se hacen cortas las dos horas de duración incluso aunque uno no sea un beatlemaníaco.

Pedro

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Puede verse con cierto interés este cuarto trabajo de autor del joven director Shane Meadows, sobre todo si se intenta disfrutar de alguna buena toma montada junto a una dinámica y sugerente banda musical a modo de videoclip artístico. También supone el lanzamiento de una nueva promesa de interpretación para el cine británico -el niño protagonista Thomas Turgoose-, que con merecimiento se ha visto recompensado en los premios del Cine Independiente de Reino Unido, y con quien no desentonan las actuaciones del resto del reparto de las que también puede disfrutarse.

Hasta aquí lo bueno. A partir de ahí, el argumento nos propone una reivindicación de lucha contra el racismo describiendo la historia de un grupo de skins dividido entre los moderados y los xenófobos violentos, todo visto fundamentalmente desde la óptica de un chaval de doce años sin las ideas aún demasiado claras. Salvo algunas escenas de mayor envergadura, sencillamente el devenir para contarme algo tan obvio perdiéndose en descripciones y anécdotas internas del grupo, me interesa poco o nada, hasta en ocasiones rozar el aburrimiento por inclinarse a típicos relatos de películas propias de serie B sobre jóvenes con sus discusiones de pandilla y escarceos amorosos pero en plan "skin" en lugar de niños bien o pijos.

En resumidas cuentas, si quiere usted ver una película con calado sobre skinheads y un mensaje semejante de fondo, mejor vaya al videoclub o a la sección de cine de la biblioteca y busque "American History X" de Tony Kaye, donde tal vez no encuentre la misma conjunción artística entre música e imágenes, pero a cambio verá un trabajo brillante de Edward Norton y un guión narrado con buen pulso que difícilmente le defraudará.

Pedro

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John Sturges realiza en esta película una más que acertada mezcla entre el thriller, la tragedia y el western.

Como thriller nos trae reminiscencias de su película "Conspiración de silencio" -protagonizada por un magnífico Spencer Tracy en 1955-, donde un hombre se enfrenta en cumplimiento de su deber contra la incomprensión de todo un pueblo que respalda por un motivo u otro al culpable. En este aspecto cabe destacar el hilo narrativo que mantiene la tensión acorralando la situación en la espera dentro de la habitación de un hotel mientras afuera aguardan una veintena de pistolas.

La tragedia se rumia en las entrañas mismas del guión, donde sentimientos ancestrales como la amistad, el amor a los hijos y el amor a una mujer, se entremezclan cuando unos quedan enfrentados a otros por el destino y sirven aquí para un desarrollo más que satisfactorio de los personajes... Así el esposo busca venganza en la justicia y la ley, el padre busca proteger al hijo amado a pesar de saberlo culpable, la mujer se debate entre lo que admira por justo y valeroso (frente a la cobardía del silencio) y un amor turbulento. Todo esto nos deja un bellísimo último plano rodado en travelling de Carolyn Jones con un vestido rojo premonitorio agachada junto a Anthony Quinn mientras Kirk Douglas observa resignado desde el tren que sale lentamente de la estación.

La realización de western, realzado por buenas tomas y una interesante fotografía, poco tiene que envidiar a otros de los de este director como "Duelo de titanes" o "Los siete magníficos"; y se construye un poco a manera y semejanza de la extraordinaria "Sólo ante el peligro" de Fred Zinnemann, como una crónica del momento anunciado que en este caso no tiene su final en el tren de medio día que llegaría a Hadleyville, sino a las nueve de la noche en el último tren que parte de Gun Hill.

Pedro

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