Realizado por Michael Curtiz, el film se basa en la obra teatral "Everybody Comes To Rick's", no publicada y no representada, de Murray Burnett y Joan Alison. Se rodó en exteriores del Metropolitan Airport y del Van Nuys Airport (LA) y en los Warner Studios (Burbank, CA), donde se construyó un gran plató al aire libre, de calles, establecimientos, rótulos, etc. La filmación comenzó el 25 de mayo y terminó el 3 de agosto de 1941. Dispuso de un presupuesto de 1 M dólares. Nominado a 8 Oscar, ganó 3 (película, director y guión adaptado). Producido por Hal B. Wallis para la Warner, se estrenó el 26-XI-1942 (EEUU), 19 días después de la liberación de la ciudad por los aliados.

La acción tiene lugar en Casablanca, ciudad portuaria maroquí, encrucijada de exiliados, espías, contrabandistas, ladrones, nazis y miembros de la Resistencia, en diciembre de 1941, a lo largo de una semana, con un flashback situado en París en los días anteriores a la ocupación nazi (10-VI-1940). Richard "Rick" Blain (Bogart) es un americano aventurero, que suministró armas a Etiopía durante la invasión italiana, participó en las brigadas internacionales de la Guerra Civil española, regentó un bar ("La belle Aurore") en Paris y es propietario del club nocturno más frecuentado de Casablanca. Duro, desengañado, cínico y perspicaz, se mueve con soltura en los ambientes corruptos y oculta profundas heridas de un desengaño amoroso. Ilsa Lund (Bergman), noruega, es idealista, romántica, inexperta, reservada, indecisa y sumamente atractiva.

La película combina intriga, propaganda antinazi, exaltación patriótica, referencias éticas y comedia, sobre una historia de amor triangular de final incierto. Ilsa conoció a Rick después de casarse con Laszlo, al que creía muerto. Su encuentro imprevisto en Casablanca, 18 meses después de la separación, abre en ambos viejas heridas, hace renacer el amor, sume a Ilsa en un mar de dudas y vacilaciones y hace que Rick recupere la ilusión. En aras de intereses superiores circustanciales, dudan entre imponer su amor o renunciar a él. El marco de la IIGM hace que las historias de la trama principal y de las adicionales tengan trayectorias inciertas. La complejidad de los personajes, las tempestuosas circustancias que los rodean y la volatitlidad de las mismas, enmarcan la narración en una atmófera absorbente de provisionalidad.

La música, de Max Steiner, aporta una partitura rotunda y vibrante, de aires dramáticos y románticos, que evoca algunas de las canciones que jalonan el film. Añade la canción "As Time Goes By" (1931) y otras. La fotografía crea composiciones de gran belleza, magnífica iluminación y movimientos de cámara excelentes. Acaricia el rostro de Ilsa con emocionantes closeups sostenidos. El guión define bien a los personajes, crea unos diálogos fluidos y contundentes y consigue aunar trama y subtrama en un combinado potente. La interpretación de protagonistas y secundarios, elocuente y convincente, suma equilibrio y brillantez.

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Victor Laszlo (Paul Henreid) es un carismático líder checo de la Resistencia, que sacrifica su interés personal en favor de la lucha por la libertad. El capitán Louis Renault (Claude Rains), jefe de la policía francesa de la ciudad, es oportunista, corrupto, ambiguo y bisexual. Ferrari (Sydney Greenstreet) es propietario de un club de noche y líder del crimen organizado de la localidad. Guillermo Ugarte (Peter Lorre) es tramposo, estafador, ladrón y asesino. Sam (Doodley Wilson) es el pianista y "crooner" de Rick en Paris y Casablanca.

Otras composiciones que se incluyen en la cinta como música añadida son "It Hat To Be You", "Shine", "Knock On Wood", "Perfidia", "Cazy Rhytm" (conversación de Rick y Ugarte), "Tango delle Rose". Es memorable la batalla de himnos entre el "Deutschland Uber Alles" (Joseph Haydn) y "La Marseillaise".

El final, ambiguo, provisional y más abierto de lo que parece a primera vista, deja las cosas entre interrogantes, con un toque insuperable de emoción contenida.

Miquel

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Producida por Samuel Goldwyn, fue dirigida por Howard Hawks. El guión se basa en el relato "From A to Z", de Charles Brackett y Billy Wilder, inspirado en "Blancanieves y los 7 enanitos". Se rodó en exteriores de NYC y en plató. Fue nominada a 4 Oscar (actriz, sonido, fotografía y argumento). Se estrenó el 2-XII-1941 (EEUU).

La acción tiene lugar en NYC y en Nueva Jersey a primeros de abril de 1941, a lo largo de 2 días. Narra la historia del profesor Bertram Potts (Gary Cooper), lingüista que, junto con otros 7 especialistas en otras materias, trabaja desde hace unos años en la elaboración de una enciclopedia que compendiará todo el saber del momento. Un encuentro casual con un barrendero le descubre que sus conocimientos del argot de la calle están muy desfasados, por lo que decide tomar contacto directo con él y solicitar el asesoramiento de un barrendero, un joven vendedor de periódicos y una cantante, bailarina y stripper, de cabaret.

La película es una comedia cómica, de ritmo trepidante, que basa su hilaridad en las contraposiciones y los desequilibrios que generan. Contrapone la vida aislada de los 7 profesores (los 7 enanitos), de su líder, el prof. Potts (el príncipe) y la de una muchacha (Blancanieves) de ideas liberales y vida licenciosa, Katherine "Sugarpuss" O'Shea (Barbara Stanwyck). Se contraponen, además, las ideas y los hábitos de Pott y los de Sugarpuss, la honradez de Pott y la vida criminal de Joe Lilac (Dana Andrews), la destreza en el uso de los puños de Lilac y sus secuaces con la torpeza de Potts, la severidad de la Srta Totten y la desenvoltura de Sugarpuss, el uso de la fuerza contra los profesores y el ingenio de éstos para defenderse. A la mujer se le asigna un papel contrario al estereotípico: Hawks defiende, como en otras películas, a la mujer fuerte, autosuficiente, inteligente, activa y capaz de decidir por su cuenta al margen del mundo de los hombres. Esto hace posible que Sugarpuss elija como pareja al antihéroe. La comicidad se apoya de manera especial en la excentricidad de los personajes y de las situaciones. Son escenas destacadas el beso de Potts y Sugarpuss a contraluz, la pelea a puñetazos de Joe y Potts, las escenas del cabaret y otras.

La música ofrece una partitura original romántica y lúdica, a la que añade una doble versión de la canción "Drum Boogie", el "Gaudeamus igitur" universitrio y otras. La fotografía, en b/n, acentúa la comicidad visual, la expresividad de las composiciones y la emoción de la acción (secuestro de los profesores, carrera en el cohe de la basura). Se beneficia de un excelente vestuario de B. Stanwyck, obra de Edith Head. El guión aporta diálogos ingeniosos y desarrolla la acción a un ritmo intenso. Las interpretciones de Cooper y Stanwyck son sobresalientes en su combinación de firmeza y fragilidad. Debuta en el cine Richard Haydn. La dirección imprime ritmo, brillo y picardía.

Magistral película cómica clásica. Imprescindible para los amantes del screwball.

Miquel

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Séptimo largometraje del realizador británico Mike Figgis (“Miss Julie”, 1999), rodado en EEUU, es su obra más acreditada. El guión, del propio Figgis, adapta la novela “Leaving Las Vegas” (1990), de John O’Brien, única del autor y de carácter autobiográfico. Se rueda en escenarios reales de California (L.A., Burbank, Santa Mónica...), Nevada (Las Vegas) y Canadá (Halifax) y en estudio, con un presupuesto ajustado de 4 M USD. Nominado a 4 Oscar, gana uno (actor, Nicolas Cage). Producido por Lila Cazés para Lumière Pictures e Initial Productions, se proyecta por primera vez en público el 15-IX-1995 (Toronto Film Festival).

La acción dramática tiene lugar en Hollywood y Las Vegas, a lo largo de unas semanas, en 1995. Benjamin “Ben” Sanderson, guionista, pierde el trabajo a causa de su adicción al alcohol. Recibe la noticia de su despido sin sorpresas y sin hostilidad. Se traslada a Las Vegas decidido a beber sin freno hasta morir. Elige la ciudad de Las Vegas porque en ella los bares permanecen abiertos las 24 horas del día. Allí conoce a Sera (Shue), una joven y atractiva muchacha, que trabaja como prostituta. Él es un hombre desesperado, solitario, sin familia y con deseos de que su vida acabe en poco tiempo. Ella es dulce, amable, sensual, sensible y comprensiva.

El film suma drama, alcoholismo, prostitución y romance. Superpone dos historias dramáticas, la de Ben y la de Sera. Ben se halla inmerso en un proceso acelerado de autodestrucción, del que no quiere salir ni por la vía del suicidio rápido, ni por la de someterse a un tratamiento de desintoxicación y deshabituación. Sera, proviene de una amarga experiencia sadomasoquista. Su chulo, Yuri (Sands), un inmigrante letón, desaparece súbitamente. El film explora el mundo del alcoholismo en su fase más avanzada. Muestra los niveles de autodestrucción y degradación a los que puede llegar una persona, arrastrada por la adicción al alcohol. El retrato que compone, con delirios, desvaríos etílicos y alucinaciones, es impresionante y conmovedor. La descripción es seca, cortante y despiadadamente realista. No hay hipérboles, ni artificios. Las escenas que se muestran hielan el alma. Las elipsis y la suavización de las imágenes las acompañan son las justas para evitar irritación y rechazo.

El film estudia de modo sucinto pero efectivo el mundo de la prostitución femenina. Es de gran interés la descripción del universo que la rodea, hecho de perversiones, abusos, maltratos y agresiones. La prostituta suele ser una mujer que ha tenido escasas oportunidades de educación y formación y que se ha visto obligada a ejercer una profesión degradante por coacciones, violencia o tráfico de personas. Resulta patético que haya usuarios de servicios de prostitución que pretendan justificar sus agresiones a mujeres indefensas bajo el delirante pretexto de castigar la mala conducta de éstas.

(Sigue en el “spoiler” sin desvelar partes del argumento)

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El film presenta una conmovedora historia de un amor. Muestra cómo y en qué medida, incluso en situaciones extremas de desesperación, se puede encontrar alivio y consuelo dando y recibiendo amor. El film deviene una historia singular y atípica de amor, de un amor extraordinario entre dos personas atormentadas, desasistidas y abandonadas a su suerte. Es de enorme interés la descripción que se presenta de una relación amorosa entre un hombre y una mujer, que se respetan mutuamente, que no se imponen condiciones, que se tratan con respeto y libertad.

Es admirable que en los confines de la vida, dos personas humanas no especialmente cualificadas, sepan desarrollar una relación tan limpia, transparente, libre, cautivadora y auténtica. Sorprende el estoicismo de Ben y la presencia de ánimo que exhibe. No menos admirable es la serena aceptación de la voluntad de Ben por parte de Sera, su resignación ante lo inevitable, la firmeza de su afecto y la fortaleza de su ánimo. Ella seguirá su camino, pero la vida ya no será igual, porque ha conocido el amor verdadero. Es sorprendente la definición que se hace del amor: no pone condiciones, no busca ventajas, no es interesado, no impone restricciones, no coarta la libertad de la pareja, no crea dependencias. El film explica que amor es entrega, aceptación, respeto y compañía.

Las interpretaciones de Nicolas Cage y Elisabeth Shue son magníficas. La cinta, salvadas las diferencias, guarda algunos paralelismos con “La gran comilona” (Ferreri, 1973), “Días sin huella” (Wilder, 1945) y “Días de vino y rosas” (Edwards, 1962).

La música, compuesta y seleccionada por Mike Figgis, aporta una banda sonora intensa, variada y vibrante, de 25 cortes y de aires dramáticos y trágicos. En la orquesta Mike Figgis toca la trompeta y los teclados. Añade tres canciones jazzísticas de Sting: “Angel Eyes”, “My One and Only Love” y "It's A Lonesone Old Town". Incorpora una canción (“Ridicolous”), escrita e interpretada por Nicolas Cage. La fotografía, de Declan Quinn, en color, presenta imágenes nocturnas efectistas, crea planos de gran fuerza y construye secuencias de notable dureza y realismo. La filmación se hace "in situ", sin licencias y en 16 mm a causa de limitaciones presupuestarias. La visualidad es atractiva, de fuertes contrastes y muy dinámica, pero no por ello videoclipera.

Gran film sobre el alcoholismo, la prostitución y, sobre todo, el amor verdadero.

Miquel

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Dirigida por Michelangelo Antonioni, se basa en un guión escrito por él, Mark Peploe y Peter Wollen. Se rodó en exteriores de Argelia (Fort Polignac), Londres, Munich, Barcelona, Almería, Málaga y Osuna (Sevilla). Producida por Carlo Ponti, fue nominada a la Palma de oro de Cannes.

La acción tiene lugar en África, Londres Barcelona, Almería, Sevilla y Osuna, en 1973/74. David Locke (Jack Nicholson), de 37 años, es un reportero de TV, nacido en EEUU y afincado en el RU, que desea entrar en contacto con los rebeldes de un país africano para grabar imágenes y entrevistas. Tras quedar solo y sin apoyos en una zona desértica, cae en un estado de desánimo que le lleva a tomar la identidad de su compañero de hotel, Robertson (Charles Mulvehill), fallecido por causas naturales, con el que guarda gran parecido. Provisto de nueva identidad, emprende un largo viaje para gozar de una vida exenta de los dramas de su vida anterior.

LA HUIDA ES IMPOSIBLE. Locke huye de su pasado (mujer, hijo adoptivo, profesión, puesto de trabajo), de si mismo y de su desesperación. Sobre todo, huye de una soledad asfixiante, como la del desierto que muestra la cámara con delectación y parsimonia. Su huida se convierte en interminable, porque no se puede huir de uno mismo y del propio pasado. Cuando se acelera el ritmo de la huida, ésta se convierte en persecución implacable, tensa y opresiva. LA VIDA ES DRAMA. No hay vida humana sin soledad, incomprensión, incomunicación y angustia, porque la vida está hecha de lodo, injusticia, suciedad y desesperación. Lo explica con elocuenica la parábola del ciego que recupera la vista. EL FUTURO ES INMUTABLE. Los niños no son muestra de un futuro más humano: son las próximas víctimas de una vida implacable. UN MUNDO SUCIO. Como la arena del desierto y el polvo del camino rural, la vida inunda al ser humano de contaminación, de aire irrespirable, de polución y suciedad: injusticia, crueldad, venganza, odio, insolidaridad. EL AMOR ES UNA MALA COMPAÑIA. Según el realizador, la vida es suma de soledades, prueba de incomunicación, choque de egoismos, combinación de persecuciones y huidas, que no aminoran el dolor y que causan frustración. El amor no ofrece lo que no puede dar y decepciona porque es superficial, efímero, insuficiente. OMNIPRESENCIA DE LA MUERTE. Los símbolos de la muerte (cruces encaladas, ancianos ociosos, ejecuciones trasmitidas por TV) se ven por doquier. La evocación de la misma (panas irreparables de vehículos) y sus signos naturales (crepúsculo, anochcer y noche) saturan el campo de visión del espectador. La muerte quita sentido a la vida, le aporta un dramatismo lacerante y la hace insoportable. A la vez, sólo la muerte puede poner fin a la huida, la persecución, la soledad, la asfixia y la desolación.

La fotografía construye una narración pletórica de belleza, construida con fashbacks sugerentes, travellings vibrantes, encuadres precisos, planos emocionantes y composiciones de harmonías inusuales.

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Es sorpendente la definición de la muerte que, sin palabras, expone el realizador hacia el final de la cinta. Para él, ésta es el olvido de Raquel Locke, la indiferencia de la muchacha (Maria Schneider), la incomprensión del recepcionista (José María Caffarel), la frialdad del policía y la irrelevancia que tiene el hecho para los demás: nada cambia, todo sigue igual.

Es memorable la toma de 6 minutos que desde el interior de una habitación del Hostal de la Gloria sale al exterior entre las rejas del ventanal, explora lo que sucede fuera y regresa para enfocar el interior del lugar de partida, en un sorprendente movimiento de ida y vuelta.

Miquel

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Segundo largometraje de Marco Ferreri ("Dillinger ha muerto", 1969), escrito por él y Rafael Azcona. Se basa en la novela "El pisito" (1957), de Rafael Azcona. Se rueda en exteriores de Madrid (Gran Vía, parque zoológico, etc.) y en estudio. Obtiene un premio del Círculo de Escritores Cinematográficos (mejor actriz, Mari Carrillo). Producido por Isidoro Martínez Velazferri, acreditado como codirector (Isidoro M. Ferry) por exigencias legales, se estrena el 15-VI-1959 (Madrid).

La acción tiene lugar en Madrid, en 1958. El film refleja la escasez de viviendas urbanas en el país que afectó especialmente a las grandes capitales a finales de los años 50, como consecuencia de la fuerte emigración del campo a la ciudad. Ésta provoca el alza de los precios de venta de las viviendas y de los alquileres, hace proliferar los subarriendos y los huéspedes domiciliarios y no son raros los casos en los que una vivienda es ocupada por varias familias. El país vivia entonces en una situación general de penuria a causa del fracaso de la política económica de la Posguerra, inspirada en principios inviables de autarquía y autosuficiencia, opuestos a la exportación e importación. La bancarrota del país obligó a aplicar, a partir del verano de 1959, un severo Plan de Estabilización que permitió acceder al apoyo financiero del Fondo Monetario Internacional y del Banco Mundial.

Los personajes que aparecen en la cinta están tomados directamente de la realidad de la calle. Viven al día, se preocupan sólo de satisfacer las necesidades primarias y se mantienen ajenos al mundo de las ideas. El relato incorpora una dosis elevada de sarcasmo, ironía y humor basado en la exageración y el absurdo. Brochazos de humor negro recorren el film de principio a fin. No le son ajenos propósitos de denuncia y de crítica social. Bajo la influencia del neorrealismo italiano, Ferreri ajusta la historia a los parámetros de lo que se ha venido en llamar realismo crítico, los mismos que informan obras posteriores como "El cochecito" (1960). No faltan algunas de las constantes del realizador: presencia de la muerte, atención a la vejez, simpatía por la infancia, compañía de animales domésticos, indiferencia religiosa, comidas frecuentes.

La música, dirigida por Federico Contreras, incluye una pieza de jazz muy rápido, compuesta e interpretada por "Blue Stars" (se superpone a los créditos iniciales), música de organillo y fragmentos de música de baile, como "el Danubio azul". La fotografía, de Francisco Sempere ("Calabuch", 1956), es realista y de notable valor documental. Muestra un Madrid con escasa circulación de coches, tranvías que llegan a las afueras y se cruzan con rebaños de cabras, anuncios móviles de Avecrem, etc. Ofrece un fresco nostálgico de la sociedad española de finales de los 50, poco antes de las transformaciones que iba a experimentar en los 60 y siguientes como consecuencia del desarrollo económico. El film es un clásico del cine español.

Miquel

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