Dirigida por Wayne Weng, se inspira en el cuento de la Cenicienta. Se rodó en NY (Bronx Community College, Roosevelt Hotel, Waldorf-Astoria Hotel y NYC) entre abril y agosto de 2002, con un presupuesto estimado de 55 M dólares. Obtuvo 2 nominaciones: mejor actriz (Image Awards) y peor actriz (Razzie Awards). La posproducción duró 3 meses y la película se estrenó el 13-XII-2002.

La acción principal tiene lugar en NY, en las semanas previas a la Navidad de 2002. Narra la historia de Marisa Ventura (Jennifer Lopez), separada, madre de un niño de 10 años, camarera del Hotel Baresford. El aspirante a senador Christopher Marshall (Ralph Fiennes), soltero, la confunde con una dama de la alta sociedad. Empujada por su compañera, Marisa acepta su invitación y comparte con él una velada de amor. Cuando éste descubre la confusión, Marisa ha abandonado el trabajo y el hotel.

A Christopher le ahogan las propias dudas, el consejo de sus asesores, la presión ambiental y la desaparición de la chica. Deberá buscarla y convencerla, en una operación que le exige esfuerzo, tacto y sinceridad. La chica no quiere una aventura pasajera, ni un amor de temporada, porque está enamorada. Es interesante comprobar que una madre soltera o separada con hijos puede compaginar su trabajo profesional con la prestación al hijo de la atención y el cariño que éste necesita. Los prejuicios que dificultan la contratación laboral de las madres con cargas familiares no compartidas y propician su marginación, son infundados e injustos. Se defiende la dignidad del personal de servicio ("servimos al cliente, pero no somos sus sirvientes"). La obra está sembrada de humor, basado en equívocos, confusiones de identidad, sobreactuaciones, personajes pintorescos (las hermanas cleptómanas) y expresiones chocantes. La historia es un cuento de hadas, que se ha de mirar con ojos de niño.

La música original incluye composiciones de guitarra española, piano, cuerdas y percusión, que acompañan la acción desde el fondo (profundo o medio) y eventualmente desde un primer plano. Añade fragmentos de "Orfeo y Eurídice", de Gluck, y canciones rítmicas como "The Guitar Man". La fotografía busca encuadres próximos, de excelente composición. Predominan los azules en las dependencias de las camareras, los dorados en la suite de Christopher, los cremas en los pasillos del hotel y los marrones en la casa de Marisa. Las imágenes exteriores son luminosas, claras y coloristas. El guión, de Kevin Wade, se permite licencias de verosimilitud que enriquecen el contenido de la fábula. El "spanish" del guión original no corresponde a español, sino a hispano. La interpetación de Fiennes es convincente. Jennifer Lopez aporta el encanto, ingenuidad y picardía que reclama el papel. La dirección crea una obra de entretenimiento y distracción.

La película defiende, con humor, la plena aptitud laboral de las madres solteras o separadas con hijos a su cargo y la dignidad del personal de servicio.

Miquel

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Película independiente dirigida por Herbert J. Biberman. Basada en hechos reales, se rodó en Bayard, Silver City y Grant County (Nuevo Méjico/EEUU) y LA (California). Obtuvo el premio a la mejor actriz (Rosaura Revueltas) en el Festival de Karlovy Vary y el Crystal Globe a la mejor película. Se estrenó el 14-III-1954.

La acción tiene lugar en torno a una mina de zinc de la localidad de Silver City (Muevo Méjico). Narra, mezclando ficción y documental, la huelga que paralizó la mina de zinc de Silver City en junio de 1951. La negativa de la empresa a negociar convirtió la huelga en indefinida. Los mineros reclaman mejoras de las condiciones de seguridad en el trabajo, para evitar la proliferación registrada de accidentes graves, en algunos casos mortales. La empresa consigue la prohibición de los piquetes de mineros que cierran el acceso a la mina. Ante este hecho, las mujeres deciden formar los piquetes y añaden a las reivindicaciones la solicitud de mejoras sanitarias en las viviendas de la empresa que ocupan. La huelga termina en enero de 1952, al acceder la empresa a negociar.

La película muestra cómo varios accidentes graves en el interior de una mina mueven a los mineros a reclamar más seguridad en el trabajo. La estrategia que establecen es la unidad, lo que permite la cooperación entre los mineros latinos (los más perjudicados) y los "anglos". Las mujeres apoyan a los maridos en la lucha por sus derechos laborales. La determinación de éstas hace que sustituyan a los hombres, cuando se recibe la prohibición de que los mineros monten piquetes. Las mujeres solicitan mejoras sanitarias en las viviendas, que se concretan en el abastecimiento de agua corriente potable. El film defiende los valores de la igualdad de la mujer y de la distribución igualitaria de las tareas del hogar. También defiende el derecho a la no discriminación de los norteamericanos de origen latino en relación a los angloamericanos. La película se vio obstaculizada por denuncias sin fundamento. El estreno del film se limitó a 13 salas del país. Considerada como subversiva, su análisis actual pone de manifiesto que los valores que defiende son de general aceptación.

La música, de Sol Kaplan ("Star Trek, 1966), acompaña la acción con una partitura orquestal de tonos épicos y solemnes. La fotografía crea imágenes de gran belleza, basadas en un magnífico dibujo y en un uso brillante de la luz y el claroscuro. El guión combina la historia privada de una pareja y hechos colectivos que la afectan. La interpetación corre a cargo de actores y actrices profesionales y no profesionales del lugar, como Juan Chacón, presidente del sindicato minero e impulsor de la huelga. La dirección crea una obra de aires épicos, sobria y sencilla.

La película defiende valores y derechos que forman parte del patrimonio común de la civilización occidental.

Miquel

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Tercer largo de Polanski, rodado en Northumberland (RU), en un viejo castillo construído sobra una roca elevada, que se convierte en isla en la pleamar. Ganó el Oso de oro de Berlín y obtuvo una nominación a los BAFTA (fotografía).

La acción tiene lugar en un castillo situado en la costa frente al mar, en un paraje alejado y aislado, durante un fin de semana de agosto. Narra la historia del matrimonio formado por Georges (Donald Pleasence) y Teresa (Françoise Dorléac), casados desde hace 10 meses, que mantienen una extraña relación de pareja. Él es un antiguo industrial inglés, que vendió sus activos para adquirir el castillo. Tímido, apocado y neurótico, es de carácter débil y vive sometido a la esposa. Ella es francesa, ex-prostituta, caprichosa, tierna, ninfómana e infiel. Tiene como amante a Christopher (Ianin Quarrier), hijo de los vecinos más próximos. Una mañana de verano llega al lugar un extraño visitante, Richard (Lionel Stander), delincuente, que busca refugio para él y su compañero herido, Albie (Jack McGowran). Tras tentar el terreno, se apodera del lugar a punta de pistola y toma a Georges y Teresa como rehenes.

La película suma los dramas psicológicos de diversos personajes, atrapados en historias trágicas y sin salida. Georges soporta mal su debilidad, las infidelidades de la esposa, la atracción que sienten Teresa y Dickie, el humillante sometiento que le impone Richard, la añoranza de Agnés, su antigua compañera, y la incapacidad de tomar las riendas de la casa. Richard, huesped convertido en amo de la casa, se halla incómodo e inquieto porque su salvación depende del apoyo que ha de recibir de su jefe, el Sr. Kalenbach, que nunca va a llegar. Albie está gravemente herido, se desangra lentamente y necesita atención médica urgente, imposible después del atraco fustrado a un banco que ha puesto a la policía tras ellos. Teresa, hastiada de la debilidad de Georges, puede encontrar un nuevo amante, pero no podrá librarse de su adicción a la promiscuidad y de su incapacidad para una relación de pareja. La historia que se cuenta, caótica, desmesurada e imprevisible, constituye un reflejo crítico y amargo del vértigo del mundo actual y de sus efectos devastadores sobre las relaciones personales. Son escenas destacadas el plano secuencia del baño de Teresa en la playa, la llegada de Dickie empujando un coche robado, la seducción de Dickie por Teresa y la final.

La banda musical, de jazz atípico, original del polaco Krystoff Komeda, es emotiva y memorable. El guión, escrito en 1963, desarrolla una histoira de personajes extremos, atrapados por el destino. Incorpora trazos singulares de humor negro y, en ocasiones, macabro. La interpretación de los protagonistas es brillante y convincente. La dirección realiza una puesta en escena magnífica e impone al film su afición por el perfeccionismo.

Película dramática, de formas disparatadas, pero de fondo muy sólido, es una absorbente y entretenida fábula de desolación y humor negro.

Miquel

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Escrita por el humorista Ken Scott, fue dirigida por Jean-François Pouliot. Se rodó en Harrington Harbour (Quebec/Canadá). Producida por Studio Max-Film, obtuvo 14 premios y 11 nominaciones.

La acción tiene lugar durante algo más de un mes en Sainte-Marie-la Mauderne, antiguo puerto pesquero, que desde hace 8 años vive de los subsidios de paro de la Administración. El desánimo y la desmoralización que anidan en la población, sumida en el paro forzoso, mueve a los líderes locales a buscar una salida satisfactoria. Una pequeña empresa industrial está dispuesta a montar una planta en la isla, pero su Aseguradora le exige que la localidad tenga un médico residente. La condición es difícil de cumplir ya que llevan 15 años buscandolo sin éxito. El alcalde, Réal Fournier (Jean-Pierre Gonthier), emigra a la ciudad, donde trabaja como policía de tráfico. Germain (Raymond Bouchard), con la ayuda del corresponsal de banca Henri Giroux (Benoit Brière), el melómano e informático Richard (Ken Scott) y el amigo Yvon Brunet (Pierre Collin), moviliza al pueblo para aprovechar una ocasión de oro: la estancia durante un mes en la isla del cirujano Christopher Lewis (David Boutin), sorprendido "in fraganti" por un policía de tráfico.

La película explica la vergüenza que siente una población condenada al paro a causa de los planes gubernamentales de reducción de la producción pesquera. Un pueblo antaño orgulloso de sus aventuras en el mar, vive ahora desolado y humillado por unos subsidios que no llegan a fin de mes. Los deseos de tener trabajo, sin perder el arraigo en su tierra, les llevan a concebir y poner en práctica una operación colectiva de seducción de un médico para que acepte residir en la localidad durante 5 años. La seducción se mueve entre los límites del halago y la mentira, pero se les va de las manos y cae en el engaño, la intromisión en la intimidad y la manipulación. La lucha por la dignidad no permite estos abusos y la coherencia impone abandonar el empeño. La obra contrapone las virtudes de la vida aislada, sencilla y natural del campo y del mar con el caos y los vicios de la gran ciudad. Exalta la cohesión social y la diligencia de una población cuando es llamada a luchar por la autoestima y el derecho al trabajo.

La música gira en torno a un tema central, melancólico y pegadizo. Sobresalen los solos de acordeón, contrabajo, piano y clarinete. La fotografía, luminosa y colorista, se recrea en el paisaje costero quebequés y resalta la comicidad visual de la acción (pesca de pescados congelados, audiciones de jazz-fusión, etc.). El guión cuenta a modo de comedia irónica y satírica una situación dramática ante la que la población reacciona y actúa. En la interpretación sobresalen Raymond Bouchard y Ken Scott. La dirección mantiene dentro de los límites de la comicidad una acción que no llega a desbordarse.

Película entretenida, de comicidad fresca y directa, construída con la sencillez y el encanto de las viejas fábulas.

Miquel

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Película independiente, dirigida por Tony Bill. Rodada en NYC, dispuso de un presupuesto modesto. En los Independent Spirit Awards obtuvo un premio (actriz) y dos nominaciones.

La acción tiene lugar en el distrito "Cinco esquinas" del Bronx neoyorquino, a lo largo de 36 horas de un día de 1964. Narra la historia de una muchacha, Linda (Jodie Foster), que en el pasado fue víctima de un intento de rapto por un vecino enfermo mental, Heinz (John Turturro), que acaba de salir de prisión. La ayudaron su novio, Jamie (Todd Graft) y Harry (Tim Robbins). Los tres temen por sus vidas.

La película explora una época de singular importancia en EEUU, marcada por la lucha pacífica en favor de los derechos civiles, la eclosión de nuevos códigos de conducta de los jóvenes y de la mujer, el desbordamiento de los padres de la generación nacida después de la II GM (simbolizada en las dos madres), la intensificación de la violencia urbana juvenil y la difusión entre los jóvenes del consumo festivo de drogas. Linda encarna la emergencia del protagonismo de la mujer joven, que toma decisiones autónomas, confía en si misma, asume roles reservados a los hombres hasta entonces y se enfrenta a los peligros con fuerza y decisión. Se exalta el movimiento pacífico en favor de los derechos civiles que lideró Martin Luther King y que aunó esfuerzos de personas de todos los grupos raciales. La heroína del relato es Linda, que encarna a la mujer que protagoniza la eclosión de los valores feministas, basados en la igualdad de derechos de la mujer en la enseñanza, la administración, los negocios, la vida pública, etc.

La música, de James Newton Howard ("King Kong", 2005), hace uso de piano, viento, percusión y voz humana. Con bajos profundos y ritmos inquietantes, crea un denso clima de tensión y suspense. La música añadida incluye "In My Life" (Beatles), "The Times They Are A Changing" (Bob Dylan) y "Lakme", pieza interpretada por la Orquesta Nacional de la Ópera de Montecarlo. La fotografía rinde tributo a las películas del cine negro de los años 40 y 50, con sombras expresionistas y policías que evocan los de aquel cine. Ofrece momentos culminantes de gran belleza (Plaza Oval), terror (Heinz sostiene a la chica como King Kong) y de vértigo (ascensores y azotea). El guión diferencia bien los personajes, crea una atmósfera tensa creciente, introduce humor (el despertar de las dos chicas) y refuerza la imagen sicótica de Heinz (regalo de dos crías de pingüino robadas en el Zoo), que explican su comportamiento e intensifican el suspense. Es de gran interés ver las actuaciones tempranas de tres actores de gran proyección futura (Jodie Foster, Turturro y Robbins). La dirección consigue momentos de gran brillantez.

La película explora, tras algo más de 20 años, la etapa interesantísima de la lucha por la igualdad de derechos civiles, la eclosión del feminismo moderno y el cambio de la matriz de valores de general aceptación.

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El momento elegido por el realizador para situar cronologicamente el relato se enmarca entre el asesinato de John Kennedy (noviembre, 1963) y los de Martin Luther King (abril, 1968) y Robert Kennedy (junio, 1968). El asesinato del presidente Kennedy produjo profunda decepción y gran malestar entre los jóvenes y las minorías raciales, lo que contribuyó a acrecentar las reivindicaciones y a acelerar los procesos de cambio iniciados a comienzos de los 60. El apellido de Harry (Fitzgerald) coincide con el segundo nombre de John Kennedy. La narración y su final constituyen un elogio de la juventud de los 60.

Miquel

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