Posiblemente si a alguien inexperto en cine le dijeran: dime una escena del cine; lo más seguro es que respondiera: la escena de la ducha de... y a lo mejor no saben ni de qué película es, pero de algo no hay duda, y es que esta película es una de las más míticas de la historia del cine. ¿ O acaso alguna vez duchándonos no hemos mirado fuera a ver si alguien venia ?

Posiblemente, todo aquel que haya visto algo de television, y se dispongaa ver Psicosis, ya sabe lo que va a pasar, como fue mi caso. A pesar de ello, desde que vemos los hipnóticos créditos de Saul Bass, y Hitch nos convierte en voyeurs de una casa cualquiera, para hacernos partícipes de una relación prohibida. Pero en cuanto Marion roba ese maletín, dejamos de ser meros voyeurs y nos convertimos en sus acompañantes. Vamos con ella en el coche y nos sentimos descubiertos por su jefe en el paso de cebra, vamos por la carretera sentados en el asiento del copiloto y sentimos miedo al ver el coche de policia persiguiendonos mientras suena la terrible banda sonora de Herrmann, únicamente de cuerda... y nos regocijamos mientras vemos a Marion imaginándose la conversación de su jefe con el rico comprador.

Es al llegar al motel Bates cuando se desarrolla la verdadera historia. El lánguido y algo andrógino Norman es un chaval torturado, y está magníficamente interpretado por el grandísimo Tony Perkins. Un personaje del que nunca pudo huir, y que le tuvo encasillado hasta el dia de su muerte, a pesar de que posteriormente trabajo en otras obras maestras, como El proceso, de Welles.

Hitchcock creó una de las cumbres del cine matando a su protagonista a mitad de la película, y dejando que el espectador supiera lo que pasaba, pero dejando a los protagonistas con la intriga. Mantener la tensión constante durante toda la película es algo que únicamente Don Alfredo sabía hacer con tantísima maestría, y va desgranando poco a poco una trama que al final parece rocambolesca e inexplicable, pero que haya su raciocinio en la explicación que da el doctor al final de la película. Una película que creó el tan de moda géneto de los " psycho-killers", y todas estas peliculas tienen una común influencia: Psicosis, Norman Bates...

Sencilla y llanamente, una lección de cine.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Guarda algunas escenas imborrables, como el ojo de Marion encadenado con el plano del sumidero, el tan famoso retrete, o las increíbles posiciones de cámara en los asesinatos, como el de Milton Arbogast, una escena que casi produce terror en el espectador... pero una de ellas es insuperable, la escena de la ducha, cómo está montada... con un mero cambio de plano crees que acabas de ver otra puñalada, y el primer plano de la boca de Marion, es sencillamente bestial, escenas que forman parte del imaginario comun, amén del conocido tema musical...

Tony Montana

(ver vista para enlazar)

Para mi, sin duda alguna, Lawrence de Arabia es una de las 3 mejores películas de todos los tiempos. Es una película única, irrepetible, grandiosa, épica... pero es pequeña a su vez, como cualquier pelicula intimista... David Lean consigue no perderse en la historia, y nos muestra hasta el último recoveco del TE Lawrence... un hombre que descubre en el desierto lo que no hay en Inglaterra, pero que el propio desierto le descubre el monstruo que puede llegar a ser, y que de héroe a villano solo hay un paso, y que nadie puede ser dios.

No entiendo como a Sam Spiegel se le ocurrió producir una peli en la que no había ni mujeres ni acción, si no hombres, largas escenas de diálogos y cortas escenas de batalla. Pues bueno, gracias por arriesgarse señor Spiegel. Spielberg dice algo que yo siempre he pensado, y es que esta película cuenta con el mejor guión jamás escrito en cine. En ningún momento la historia se ralentiza, y todo transcurre de una forma rapidísima... algo que hay que destacar es el gran uso del montaje por parte de David Lean, y que sin duda alguna aprendió cuando el era montador en el período de entre guerras... como muestra, el célebre cambio de plano de la cerilla, para dar paso al fulgurante amanecer en el desierto, una cosa sencillamente increíble... y la BSO de Maurice Jarre es sencillamente inolvidable, algo realmente único... una fotografía bestial, haciendo bello un paisaje donde no hay nada, absolutamente nada.... como detalle, decir que es conocido que en esta película, no hay ninguna sola linea de diálogo pronunciada por una mujer

El propio personaje de Lawrence es lo mejor que se ha escrito en cine. Me alegro mucho que Brando dijera que no, pues en su soberbia no hubiera sabido darle el caracter tímido e inocente del que hace gala Peter O' Toole. Es un personaje maravilloso, y el actor de ojos azules hace una de las mejores interpretaciones jamás vista. Peter es Lawrence, y Lawrence es Peter, son inseparables. Tanto en su fase de semidios, como en la de ídolo derrotado, la interpretación es perfecta, y nos hace sentir pena por un pobre diablo que solo quería jugar a ser dios... El reparto de secundarios está extraordinario. Omar Shariff está excelente. La primera vez que aparece es un hito dentro de la historia del cine. El espejismo del Serif Ali nos mantiene en tension durante 1 minuto, sin saber quién va a aparecer... luego, Alec Guinness...¿ Qué se puede decir de el que no se haya dicho ya ? El mago de los acentos. Cuando lo ves aparecer por primera vez a lomos del caballo, ves a un autentico arabe, y esto se acrecenta aun mas cuando lo escuchas hablar... y Anthony Quinn... excelente, perfecto, magnífico... tras ver fotos del Auda verdadero, uno ve que eran miméticos... su personaje, a pesar de ser un mercenario, cala hondo en el espectador por su cara dura

" Sólo hay dos clases de personas que se divierten en el desierto, los beduinos, y los dioses, y usted no es ninguno de ellos "

Tony Montana

(ver vista para enlazar)

Quizás no es la mejor de Truffaut, puesto que le reservo a Los 400 golpes, ni la más extraña, ni la más célebre, ni mi favorita, La noche americana. Pero Jules y Jim es una película que te deja un dulce regusto en la boca cuando has terminado de verla. Truffaut ha pasado a la historia como el mejor director del decrépito movimiento de la nouvelle vague por que se desmarcó de él cuando pudo, a diferencia de otros miembros, que han pasado a una segunda fila, estancados en su forma de hacer cine. Y esto es por algo muy simple: para Truffaut, un movimiento de cámara es un movimiento de cámara, no una necesidad psicologica de renovación cinematográfica, como propondría algún que otro paisano contemporáneo suyo.

Sin la pedantería propia de otros directores de la nueva ola, Trufaut nos cuenta lo más básico: una historia, sin más patrañas pretenciosas. Es una película que tiene algunas de las constantes de Truffaut, como son el (des)amor, la infidelidad, la amistad, o la mentira piadosa que tan mal resultado le dio a Antoine Doinel. La amistad de los dos protagonistas, dos bohemios, uno frances, Jim, y otro alemán, Jules, es el epicentro de la historia. Entre ambos se traza una relación que comienza como mera afición por el arte, para culminar en la atracción por una misma mujer.

Dicha mujer es Catherine. Una estupenda Jeanne Moreau, que encarna con sobriedad a un personaje que por momentos resulta odioso. Es una mujer caprichosa, caradura, abusiva, una auténtica femme fatale, que deja rendidos a ambos amigos. Pero realmente, durante algunos momentos, el espectador se siente atraido por este personaje, capaz de pasar de la tranquilidad a la locura en una decima de segundo. Pero la amistad entre ambos hará que esta se anteponga a los celos, y cada uno demostrará que su amistad está por delante de cualquier celo o enamoramiento.

La dirección de Truffaut auna experimentación y clasicismo a partes iguales. Sólo con ver el comienzo, el uso frenético del montaje, y la forma de narrar la película, la da un toque freso y original, pero conforme avanza la película, se torna más clasico, y se centra en el uso de la cámara para contar la historia. A ello acompaña una preciosa banda sonora de George Delerue, y una cálida fotografía en blanco y negro que resalta la belleza de las imagenes, como ese maravilloso paseo por las calles de Paris, con Catherin vestida como un chico, con un bigote pintado, y fumando tranquilamente.

Tony Montana

(ver vista para enlazar)

Vaya por delante que a servidor el cine de los llamados jóvenes rebeldes, no me atrae lo más mínimo, porque me parece un género que, normalmente, suele retratar a los jóvenes como una especie de criminales regados de tópicos, pero la gran mayoría llevamos una vida de lo más anodina. Todo ello cambio desde que Hollywood estrenó Rebelde sin causa, ese clásico de culto de Nicholas Ray donde lo que más destacaba, aparte de la siempre eficiente labor del director y su revolucionario uso del cinemascope alejado de la espectacularidad de las superproducciones, sea el cambio revolucionario en el cine dando paso a la modernidad, cambiando el público al que iba destinado la película, pues casi por primera vez no serían los padres para quienes se hiciera la película, si no para esa franja de población adolescente que nunca se había visto reflejada en la gran pantalla, además del interesante mensaje implícito en la historia pero que no acababa de rematarse por la propuesta un tanto naif e idealizada de Ray.

Durante una clase argumenté que lo mejor de la película, además de la inmensa fotografía Ernest Haller, eran los títulos de crédito, donde, haciendo una muestra encomiable de economía cinematográfica, Ray resumía en un sólo plano lo que era toda la película: la alienación de la juventud, criada sin el cariño de sus padres, y a las que se le abre un mundo llamado madurez para el que no están preparados debido a que, en cierto modo, los padres, y la sociedad en general, no les ha preparado, caso principal de Jim Stark, el histriónico, grandilocuente y romántico adolescente interpretado de manera algo excesiva (aunque sigue siendo su mejor, o mas bien, menos irritante, interpretación del mito Dean). Me decidí a darle una segunda oportunidad, y aunque mi opinión sobre ella sigue siendo igual que la primera vez, sí ha mejorado sustancialmente con respecto a algunos detalles, especialmente en los personajes interpretados por Natalie Wood y Sal Mineo, verdadera estrella de la cinta.

Es, obviamente, una película contextual que envejece mal, aunque bien es cierto que a saber cómo queda retratada nuestra juventud dentro de 50 años. Obviamente, hay que tomarla con distancia y saber los errores que tiene la cinta y aceptarlos, ya que el antihéroe, visto hoy en día, más bien pueda parecer ridículo y desfasado, y ello resta profundidad a una historia increíble y acelerada a ratos. Pero también es cierto que, desde entonces, todos los jóvenes han sido así, herederos de esos teddy boys navajeros y esos solitarios que iban de rebeldes por soltar una risita cuando la profesora decía algo tan estúpido como cál-culo, porque el trío protagonista es una muestra de una generación de jóvenes nihilistas, avergonzados de su familia, y que buscan refugio en el alcohol, las drogas o la violencia, y ver que hoy en día nuestra juventud, educada en la telebasura y la incultura es cada día un calco de Platón o Jim no es un pensamiento bastante alentador.

Tony Montana

(ver vista para enlazar)

Si fuera un pedante citaría a Ray Loriga, y este individuo, que sí es un pedante, probablemente citaría a Bob Dylan, cosa que siempre hace. Y probablemente citaría la canción Hurricane, y aquello de Here comes the story of a Hurricane, que básicamente es lo que hace Jason Bourne en El mito de Bourne, una película que es un puro huracán. Cual Michael Corleone en la tercera parte de El Padrino, una vez que todo parecía acabado, a la fuerza, y sin que él tenga nada que ver, vuelven a involucrarle en el meollo, y del que parece difícil salir, porque le atacan de varios bandos. La ventaja que tiene esta cinta con respecto a la anterior es que no hay que presentar personajes, todo está hecho de la anterior, y puede pasar directamente a la acción. Ah, la otra ventaja es Paul Greengrass, que parece empeñado en demostrar, al igual que otros directores más o menos jóvenes, como Fincher, que van para grandes de esto.

Un punto a favor de esta segunda parte es que cuenta con un guión mucho más limado, personajes secundarios muchísimo más trabajados, y un ritmo trepidante durante toda la película, desde el idílico comienzo hasta el final, donde, bajo mi punto de vista, es donde radica el fallo. La última media hora se hace lenta a pesar del enorme ritmo que le pone Greengrass, y que hacen que la calidad de la película baje. Tanta escena de acción cansa, a mí particularmente, aunque ello no quita para que todo esté rodado de una forma brillante. Nuevamente, el guión es confuso por momentos, y como haría Hitch, desvela la trama por partes, dejando trozos de información para que el espectador vaya desvelando la historia por su cuenta. Una de las virtudes por las que se alaba a esta trilogía es porque Bourne es un hombre que siente y padece, y es algo digno de mención. Cuando se va a la cama, sueña y tiene remordimientos por aquellas personas que ha matado, no es un replicante que tenga unos recuerdos que poder borrar con sólo pulsar un botón.

Uno de los peros en los secundarios es el personaje de Karl Urban. Podría haber dado mucho juego, siendo una especie de némesis de Bourne, y sin embargo se le deja muy aislado, siendo desaprovechado, y sólo se le saca en plan artillería pesada para que suene la traca final. Técnicamente, la película es brillante, con una fotografía que nunca sale de los tonos fríos propios de la zona geográfica donde se desarrolla. Matt Damon vuelve a estar realmente bien, estando a la altura del resto del reparto, especialmente Joan Allen y Brian Cox. Unos combates y una escenas de acción magistralmente ejecutadas, amén de la ya nombrada dirección de Greengrass, que supera el ya de por sí notable trabajo de Liman en la primera entrega. Uno de los mejores thrillers, sobre todo por la dirección, pero aún así le falta algo para ser una obra modélica. Y ahora me voy al cine a ver la tercera parte.

Tony Montana

(ver vista para enlazar)