Críticas de: Bloomsday

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Le Thuit (el pueblo), las afueras, la carretera, el campo y los animales, los árboles y su reflejo en las ventanas. El marco de las ventanas y el interior de la casa. Entramos.

Poco a poco la imagen y el sonido, la extraordinaria y luminosa fotografía y el magnífico montaje abren nuestra percepción y nos transportan a la magia de una grabación, a su misterio, a su insoldable secreto. Un mundo cerrado, grabado, oculto en un estallido sensitivo. Un mundo libre, ingenuo, primerizo. El reloj, tic tac, el paso de las estaciones como un fantasma.

Así como los espejos devuelven reflejos que abren huecos en las paredes, esta película abre brechas en el tiempo. Las imágenes, reflejos. No hay más. Reflejos desconocidos pero cercanos. Movimiento inmóvil. No nos cuentan nada y nos revelan mucho. No hay nada más terrorífico que lo desconocido.

La paz de una casona vacía saqueada por la luz de los faros de los coches. La paz del pasado, posada como el polvo sobre los muebles y los visillos, asaltada por el placer de las imágenes, por su misterio. Los faros, los truenos, el viaje por la casa; volvemos al misterio de las sombras, de los reflejos, de las imágenes. Del tiempo. Lo que está en reposo toma vida de nuevo gracias a la luz.

Su ausencia de respuestas, de claridades (la realidad es inalcanzable). Como un tren de sombras, como un verso de rima libre. Como un secreto a la vista de todos, implícito en las imágenes, que se reconstruye a partir de reflejos, que se confiesa con la palabra (“ils nous ont vu”).

El lago, la niebla, el jardín y la verja, la casa, los coches y la carretera, el pueblo. Regresamos. Fin.

Una pequeña y personal obra de Coppola que tiene un punto de partida parecido al de Blow Up de Antonioni. Es del mismo año que el padrino II y el viejo Francis siempre dijo que se sentía más orgulloso de este thriller. Una cinta que sólo en los 70 podía hacerse, o al menos sólo en esa década era habitual (me viene a la mente ”La ofensa” de Lumet como un film con el que, de alguna manera, tiene puntos en común). Una película que comienza como una investigación pero que, poco a poco, va introduciéndonos en la torturada inestabilidad emocional de un Hackman colosal en la composición de este taciturno y solitario católico que arrastra el peso de la culpa. Lo que realmente importa al final es la obsesión del protagonista y no tanto el resultado de sus indagaciones como técnico de seguridad privada o el vuelco final.
Mientras la veía no podía dejar de sentirme admirado por la realización de Coppola. Vuelve a demostrar su clase como director y el estado de gracia en que estaba en los 70, casi ninguna secuencia está rodada para cumplir el expediente, en todas deja algo de su maestría. La puesta en escena es de una precisión apabullante. Sólo el larguísimo y lento picado de la presentación de la película ya merece la pena, aunque no se viera nada más. El tempo lento de Coppola y la contenida interpretación de Hackman encajan perfectamente en esta historia en la que no podemos olvidar la magnífica interpretación de los secundarios.
La sensación que queda al final es haber visto una película extraña, apasionante por momentos y claustrofóbica en otros, pero sobre todo completamente libre. Por ello digo que es muy de los 70, una década en que las películas (incluidas las comerciales) gozaban de una libertad que ahora sólo encontramos en el cine independiente y en autores que, pese a estar consagrados, siguen manteniendo su compromiso con el cine personal. Una película considerada menor entre los monumentales Padrinos y A. Now, pero que no decepcionará a los amantes del buen cine.

"La sociedad a la que aspiro es la que respeta la dignidad de los hombres, la libertad y la posibilidad de vivir una vida humana"

Costa-Gavras.

De nuevo el cineasta griego comprometido con una causa, siendo la voz de los silenciados y denunciando hechos que jamás deberían olvidarse y a los que nos vamos acostumbrando adormilados en una especie de anestesia general.

El 11 de septiembre ya era una fecha infausta antes de las Torres Gemelas. La fecha en que los militares chilenos segaron por la fuerza la voluntad de un país tiñendo de sangre el palacio de la moneda, una fecha en que los EEUU apoyaron una masacre para evitar que la vía chilena hacia el socialismo fructificara.

Salvador Allende es ya un mito. Y esta película también.

Lo fundamental de esta cinta es que es mucho más que un mero panfleto político. Tiene una historia detrás, una historia que avanza al mismo ritmo que los acontecimientos que asolaron Chile. El personaje de Lemmon cumple esa máxima de que para que un personaje valga la pena tiene que cambiar y tiene que verse ese cambio. La película es apasionante precisamente por ello, por la transformación de ese personaje de clase media alta, votante (seguramente) republicano, al que le sale un hijo bohemio y rojillo. La tirantez entre Spacek (su nuera) y Lemmon va relajándose a medida que Lemmon se da cuenta de que aquello que él consideraba impensable ha pasado.

Un ataque frontal y necesario, de una tremenda intensidad al saber que todo aquello pasó de verdad. No es tarde para verla y sentirse indignado, sobre todo cuando vemos que el desprecio por la vida humana de determinados gobernantes sigue siendo el mismo treinta años después.

Posiblemente la cumbre del cine político, duro y directo pero a la vez emotivo y con una cercanía que provoca aún más indignación. Y aunque este tipo de películas no creo que deban calificarse en función de su estricta calidad cinematográfica siempre es de agradecer que se concentren amabas cosas: auténtico cine y denuncia. El resultado así es mucho más efectivo. Mucho mejor que, por ejemplo, “Agenda Oculta” de Ken Loach.

Novedosa crónica de un amor que no se conforma con el “fueron felices y comieron perdices”, sino que muestra de forma fragmentaria las sucesivas etapas de un matrimonio con varias líneas narrativas que van saltando en el tiempo de forma desordenada, cada una correspondiente a un momento concreto en la vida de la pareja protagonista, entremezclándolas y formando un mosaico irregular. Enamoramiento, distanciamiento, éxito profesional, infidelidad, rutina...

Estéticamente también fue novedosa y, aunque ahora corra el riesgo de parecer superada al estar muy enclavada en los 60, creo que el fondo y la forma terminan encajando. Pese a esto no niego que quizás el conjunto haya perdido algo de frescura (algunos momentos son francamente intensos pero otros han envejecido mal).

Altamente recomendable en todo caso, sobre todo por el tono nostálgico que atesora (es imposible no sentir el tiempo posado en uno mismo y en el compromiso amor-odio/diversión-hastío con el que nos gusta vincularnos). Y en ese poso melancólico que deja tienen mucho que ver la fotografía y Mancini y su maravillosa partitura.

Más accesible que otras películas sobre el tema (es también una gran comedia) y, en apariencia, menos sincera. Pero creo que es eso, una apariencia. 7,7.

La Roma de los ´70 y la Roma de la juventud de Fellini recreada con su estilo habitual. Esta vez con la voz en off del propio director sirviéndonos de guía y haciendo más accesible y amable la película. Una especie de justificación ante el espectador avisando de la ausencia de una historia lineal que, por otra parte, le hubiese limitado en sus pretensiones.

La película tiene por tanto dos partes básicas:

Los recuerdos de Fellini: la visión que desde el pueblo se tenía de la capital cuando era niño, la pensión romana, el teatro, los prostíbulos, el vecindario cenando en plena calle...
Esta parte es sin duda la más interesante e, incluso, parecer seguir un cierto orden cronológico y un leve hilo narrativo que luego se romperá. Son recuerdos que tienen un ritmo y una factura similar a lo que haría después Woody Allen (Días de radio...).

La otra parte es la representación de la Roma “actual” (años setenta), sin tanto valor poético como los recuerdos y que no tiene hilo conductor en ningún momento. Aquí destaca la importancia del elemento arquitectónico (fantástico el homenaje que hace al final a la arquitectura clásica romana), los hippies en las calles, Fellini dialogando con jóvenes acerca de la visión de Roma que debe dar la película... No trata de dar una clase de sociología, sólo deja constancia con imágenes de la impresión “felliniana” (un término tan expresivo ya como puede serlo “kafkiano”) de la ciudad, recurriendo al simbolismo (el aire destrozando los frescos del subsuelo) y al lirismo (imágenes bellísimas, muchas veces con un significado puramente emotivo).
Un ejemplo: el ritmo in crescendo de la entrada a Roma del equipo de rodaje donde van apareciendo cada vez más coches, conductores gritando, luego incluso tanques... hasta convertirse la entrada a la ciudad en un auténtico caos de coches atascados, lluvia, luces, bocinazos y sirenas de policía.

La película trata de evocar (toque fellini puro) más que contar, y lo hace empleando una belleza visual que carece de toda contención. Fellini es incapaz de retener su caudalosa inventiva (tenía cinecita a su entera disposición y podía hacer casi todo lo que se le antojaba). También tiene un lugar destacado el sentido del humor; un colmillo de mamut presidiendo una excavación y su satírica visión sobre la iglesia en el onírico desfile de modelos religioso (lo más famoso de la película). Un desfile bufonesco en el que deja constancia del inmovilismo católico.

Lo peor de esta película es que te quedas con las ganas de que te cuenten más sobre ese chico que llega a Roma y sobre las peripecias que le suceden en la pensión en la que vive. Pero bueno, tenemos Amarcord para desquitarnos.

Resumiendo se podría decir que para Fellini Roma es más Anna Magnani que todas las reivindicaciones sociales y políticas que se quieran hacer.

La mejor relación potencia/precio. Para absolutamente todos los usos, destaca por su diseño imitación de carbono, PAD numérico del teclado, impresionante conectividad y sistema de seguridad por huella dactilar.