Realizada por Woody Allen y escrita por él y Michael Brickman, se rodó en panavisión y en b/n, en exteriores de NYC (Manhattan, Sutton Square, etc.). Obtuvo 2 nominaciones a los Oscar (guión y actriz reparto, M. Hemingway). Producida por Charles E. Joffe, se estrenó el 14-III-1979 (EEUU).

La acción tiene lugar en NYC en 1978, entre mayo y noviembre. Narra la historia de Isaak Davis (Allen), de 42 años, divorciado, que mantiene un idilio con Tracy (Mariel Hemingway), de 17 años, estudiante de bachillerato, a la que deja para intimar con Mary Wilkie (Diane Keaton), antigua amante de su amigo Yale (Michael Murphy), casado, pero dado a aventuras esporádicas. Davis es autor de comedias, inmaduro, locuaz y romántico. Mary es inteligente, atractiva, sexy y se siente sola. Tracy es una adolescente precoz (Lolita), tierna, dulce y encantadora.

La película suma elementos de comedia, romance y drama. Explica y justifica la admiración y el apego de Allen por su ciudad. La ve grandiosa, sobrecogedora, trepidante, hermosa, moderna y acogedora y, también, ruidosa, agobiante y sobredimensionada. La recorre con el espectador: Guggenheim, Central Park, Planetarium, Sutton Square, etc. Al inicio y al final ofrece imágenes de la ciudad que glosan su espectacularidad y belleza. Uno de sus mayores alicientes es la amplia oferta cultural qeu contiene: conciertos, cine subtitulado, exposiciones, teatro. Entiende que es símbolo de un mundo de nuevo cuño, el de los 70, poblado por una sociedad superficial, estresada, apresurada, desbordada e insensibilizada por la droga, la televisión, las comidas rápidas, la música estridente, la práctica rutinaria del sexo, la falta de reflexión y de sentimientos. Más que de amores actuales, habla de amores pasados (Jill), desamores presentes (Mary), amores pasajeros, imposibles (Tracy) y traicionados. Explica sus neurosis, inseguridades, contrariedades (libro de Jill), su afecto por el hijo y su idea de que estar enamorado es motivo y causa de inmensa satisfacción. Contradice antiguos prejuicios, al establecer que la adecuada educación de un niño puede correr a cargo de una pareja de mujeres. Explica sus preferencias en música contemporánea (Louis Armstrong), clásica (Mozart, Vivaldi, Mahler), cine (Bergman), litertura (Borges, Tolstoi), teatro (Bretch), pintura (Czésanne), fotografía artística. El amor, la amistad y los placeres del arte y la cultura hacen que la vida (compleja y abrumadora) pueda ser una aventura gozosa.

La música se apoya en Gershwin ("Rapsody In Blue"). Añade otros 17 temas, como " 'S Wonderful", "Do, Do, Do" y "Strike Up The Band". La fotografía, de Gordon Willis, sitúa elementos relevantes en todo el espacio escénico, coloca el foco de atención en posiciones no centrales, crea ambientes íntimos (vela, lámpara solitaria, contraluces) y exalta la grandeza de la ciudad. El guión disecciona la sociedad de los 70. La dirección construye una obra templada, equilibrada, detallista y apasionada.

Miquel

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Film nº 16 de Billy Wilder. Escriben el guión B. Wilder e Izzi A.L. Diamond. Se basa en el film alemán "Fanfarria de amor" (1951), escrito por Robert Thoeren y Michael Logan y dirigido por Kurt Hoffman. Se rueda en exteriores y escenarios reales de Coronado Beach y Hotel Coronado (LA) y en los platós de MGM Studios (Culver City) y Samuel Goldwyn/Warner Studios (Hollywood), con un presupuesto de 2,8 M dólares. Nominado a 6 Oscar, gana uno (vestuario). Producido por Wilder, se estrena el 29-III-1959 (EEUU).

La acción tiene lugar en Chicago (Illinois), Miami (Florida) y en el trayecto en tren entre ambas localidades, en 1929. Dos músicos de poca monta, Joe (Curtis) y Jerry (Lemmon), testigos involuntarios de la masacre del día de San Valentín (14-II-1929), se ven obligados a vestirse de mujer para poder optar al único trabajo que encuentran, el de saxofonista y contrabajista de una orquesta de señoritas, de la que forma parte como vocalista la guapa Sugar Kane (Marilyn).

El film es una gloriosa comedia, que suma elementos de farsa, crimen, música y romance. Considerada por algunos como la mejor comedia cinematográfica de todos los tiempos, es para muchos una de los mejores films americanos del género de la comedia. En todo caso se trata de una comedia inspirada, ocurrente, graciosa y divertidísima. Hace uso de parodias eficaces (cine de gángsters, Cary Grant...), farsas sin acritud, juegos de falsas identidades, confusiones de género, disfraces, peripecias y situaciones desternillantes, desventuras (pérdida del abrigo la víspera de un día de nieve), persecuciones alocadas, escenas ambiguas de un potente erotismo, atrevidos simbolismos sexuales disimulados para evitar problemas con la censura, lances de humor negro, malentendidos, paradojas (el calvario de dos hombres acalorados metidos entre señoritas sensacionales), etc.

El guión contiene diálogos brillantes, personajes bien definidos, una narración ágil y fluida y una historia oportuna. Las interpretaciones de Lemmon y Curtis son excelentes y la de Marilyn es sensacional (combina justamente inocencia, malicia y fragilidad). Ésta es posiblemente la mejor interpretación de Marilyn. La acción se desarrolla a un ritmo vertiginoso. Se incluyen referencias melómanas de la época (Rudy Vallee) y cinéfilas (Rodolfo Valentino). Incorpora constantes de Wilder: coches a la carrera, persecuciones de coches, disfraces, puros, encendedores. Ésta es la primera colaboración de Lemmon con Wilder y la segunda de Wilder con el guionista Diamond. Rinde homenaje a la escena del camarote de los Hermanos Marx ("Una noche en la Ópera").

La música, de Adolph Deutsch, ofrece cortes frestivos y bulliciosos, de entre los que destacan "Play It Again, Charlie" y "Tell The Whole Darn World". Añade 3 canciones a cargo de Marilyn y una versión instrumental de "La cumparsita". La fotografía, de Charles Lang, en B/N, subraya la ambientación de época y crea agudos lances de humor visual. La escena final es antológica.

Miquel

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Drama realizado por Stuart Rosenberg ("Brubaker", 1980). Se basa en la novela "Cool Hand Luke" (1965), de Don Pearce, autor del guión, de reminiscencias autobiográficas. Se rodó en exteriores de Stockton (CA). Nominado a 4 Oscar, obtuvo 1 (actor reparto, G. Kennedy). Producido por Gordon Carroll, se estrenó el 1-XI-1967 (EEUU).

La acción tiene lugar en una prisión sureña de carretera en los primeros años 60. Narra la historia de Luke "Cool Hand" Jackson (Paul Newman), héroe condecorado de la IIGM, con dificultades de adaptación, que es detenido por la policía tras romper, en estado de embriaguez, varios contadores de aparcamiento. Condenado a 2 años de trabajos forzados, es recluido en la Road Prison 36 (Florida). De carácter solitario y luchador, es un espíritu libre, inconformista e indomable. Es recibido con frialdad por los compañeros y con hostilidad por el ingenuo y bravucón Dragline "Drag" (George Kennedy), líder natural de los reclusos.

La película desarrolla una contundente fábula antiautoritaria, que denuncia la crueldad del despotismo, la violencia del abuso de poder, los caprichos del mando totalitario y el sadismo de unos jefes incompetentes. Como primera tarea, Luke se ha de ganar la simpatía de los compañeros. Lo hace demostrando su capacidad de resistencia en un combate informal de boxeo, que prolonga más allá de su derrota y de su agotamiento. Su participación en una partida de pócker demuestra su impasibilidad y frialdad. Huye del campo con reiteración, pese a ser capturado y castigado con severidad creciente. Desafía la tortura y las amenazas de muerte. Las imágenes sugieren paralelismos entre la lucha agotadora de Luke y la Pasión: en una escena, tras una sesión de castigo, es colocado sobre una mesa del barracón como un crucifijo. Su lucha contra la injusticia no es del todo inútil: gana la admiración de los compañeros, debilita al mando y consigue que se rompan las gafas de sol de Godfrey (Morgan Woodward), símbolo de la infamia del verdugo sin rostro y del hombre sin mirada. Son escenas destacadas el combate de boxeo, la apuesta de ingerir 50 huevos y la intervención fugaz e inusitadamente sensual de Joy Harmon lavando un coche. La voz original del capitán del campo (Strother Martin) suena extraña e hiriente, como la locura de su perversión sádica.

La música ofrece composiciones coloristas de guitarra, banjo y viento, que obtuvieron gran éxito. Añade canciones populares, en boca de Harry Dean Stanton ("The Midnight Especial", "Cotton Field"). La fotografía aporta una narración potente y sobrecogedora, apoyada en una estética realista, sazonada de simbolismo. El guión construye un relato sencillo, que seduce y conmueve. La interpretación de P. Newman es antológica y muy meritorias las de G. Kennedy y otros secundarios. La dirección trabaja con convicción y entrega.

Obra clásica de la lucha por la libertad y contra la opresión. Es además un drama carcelario emblemático y atípico.

Miquel

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Ganó el Oscar a la mejor película extranjera y fue nominada al Oscar al mejor guión. Obtuvo el León de Plata de Venecia al mejor director y el Silver Ribbon (Nardo d'Argento) al mejor director y al mejor productor.

La acción tiene lugar en Italia en los primeros años de la Posguerra. Narra la historia de una muchacha, Gelsomina di Constanzo (Giulietta Masina), vendida por su madre a un forzudo actor de circo, Zampanó (Anthoy Quinn), que la trata con rudeza, agresiones verbales y abusos. Ella lo soporta todo con resignación, mientras huye de la realidad a través de sus sueños. En un circo coinciden con un funambulista (Richard Basehart), alegre, jovial, excéntrico, amable y respetuoso, que entabla amistad con Gelsomina y provoca los celos de Zampanó. La película se centra en la descripción de dos pesonajes contrapuestos, unidos por el azar, que viven en un carromato montado sobre una vieja motocicleta. Él se gana la vida haciendo un número circense de fuerza: es presuntuoso, agresivo, irascible y bravucón. Ella, mucho más joven, es sencilla, inocente, ingenua, generosa y pacífica, pese a que su vida está marcada por la violencia. Cuando nace en ellos un atisbo de amor, éste no consigue aflorar a causa del orgullo de él y la timidez de ella. Ambos comparten una profunda soledad y una vida de marginación, desarraigo y miseria, que se enmarca en la visualización de la pobreza de Italia tras la II GM. La tragedia de los protagonistas y de quienes les rodean, es narrada con un lirismo sorprendente y con toques de humor. La asociación de poesía y tragedia constituye el rasgo más sobresaliente del film. La playa es el lugar de encuentro, recreo, refugio y despedida, en el que los personajes buscan ayuda, reposo, trabajo y amor.

La música es de Nino Rota, colaborador habitual de Fellini y de Coppola en "El Padrino" (I y II). La melodía central presenta una progresión sorprendente: Gelsomina la balbucea fragmentariamente al principio, la completa gracias al funambulista (que la interpreta con un violín de miniatura), la repite con la trompeta de Zampanó y al final suena en formato orquestal, de recuerdo y homenaje. La fotografía extrae del rostro de Masina expresiones antológicas, en tomas tan expresivas como fugaces. Presenta numerosos travellings que subrayan el sentimiento de estar siempre en camino hacia un destino incierto y sin fin. La interpretación de los protagonistas es soberbia. Masina tenia 32 años cuando hizo el papel de Gelsomina, de menos de 20. El guión define los personajes principales y permite penetrar en su interior. La dirección crea una obra sólida, equilibrada, desgarradora y tierna, que cautiva y eleva el espíritu.

Una de las mejores obras de Fellini. En la lista del crítico John Kobal ocupa la posición 83 entre las 100 mejores películas.

Miquel

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Pequeña joya de cine, realizada por William A. Wellman (1896-75). El guión, de Lamar Trotti (“El joven Lincoln”, Ford, 1939), adapta el relato “The Ox-Bow Incident” (1940), de Walter Van Tilburg Clark. El film se rueda en escenarios exteriores de Alabama Hills (CA) y en los platós de Fox Studios (Century City, L.A., CA), con un presupuesto relativamente modesto de 560.000 USD. Es nominado a un Oscar (película). Producido por Lamar Trotti para la Fox, se estrena el 21-V-1943 (EEUU).

La acción dramática tiene lugar en la pequeña localidad fronteriza de Bridger’s Wells (Nevada) y en el cercano valle de Ox-Bow, durante una jornada de unas 8 horas, entre las 3 de la tarde y las 24 h. de un día del invierno de 1885. Art Croft (Morgan) y Gil Carter (Fonda) son dos vaqueros amigos que trabajan como temporeros en la región. Carter acompañado de Art acude al Conby’s Saloon del lugar con el propósito de pasar un rato con su amiga y amante Rose Mapen (Hughes), chica de alterne y prostituta del establecimiento. Darby (Filian), propietario del salón, les dice que la bella Rose se ha marchado a San Francisco para no volver, por lo que se deberán conformar con la contemplación del cuadro “Mujer con un loro”, que preside el establecimiento y que es una ingenua evocación de la imagen de la chica. Poco después llega la noticia del asesinato del vaquero Larry Kinkait. Art es inteligente, tranquilo y equilibrado. Carter es sensato, simple, susceptible y agresivo. Tiene buen oído y buena voz. Como cantante dispone de un repertorio de tres canciones.

El film suma crimen, drama, cine negro y western. Tras la incorporación (diciembre 1941) de los EEUU a la IIGM, cae en las manos de William A. Wellman el relato de Clark, que lee apasionadamente. A cambio de un contrato que le liga como realizador a la Fox en condiciones desventajosas para él, Wellman consigue que Darryl F. Zanuck acceda a rodar el film, que tiene un éxito limitado, como tenían previsto.

La película desarrolla una historia que contradice normas canónicas del western: la mujer hermosa abandona al vaquero para irse con otro y deja el Oeste el Oeste para vivir en una gran ciudad (San Francisco); los escenarios ocupan espacios reducidos y se prescinde de los grandes paisajes; no hay historia de amor; los buenos llegan tarde y sin información; una mujer, Jenny Grier (Darwell), alienta la violencia del grupo; etc.

La historia es realista, cortante y desgarradora. La atmósfera es sombría y claustrofóbica. El guión es sobrio, conciso y estilizado. La acción es intensa y el ritmo narrativo es vivaz. El desarrollo de los acontecimientos es denso y oscuro. La iluminación es sombría, casi espectral. Los árboles muestran formas retorcidas y tortuosas. El terreno es árido y áspero. La obra muestra influencias del teatro clásico (unidad de tiempo, lugar y acción) y de la tragedia europea de inspiración clásica (Shakespeare).

(Sigue en el “spoiler” sin desvelar partes del argumento)

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

La precipitación, las urgencias innecesarias, la ira, la sed de venganza, los sentimientos de debilidad e impotencia, la ausencia de un liderazgo lúcido, fuerte y equilibrado, los temores y los miedos individuales y colectivos y otros factores similares, se erigen en móviles de una acción conjunta que no obtiene ni el refrendo de la legalidad (por ausencia del sheriff) ni la sanción del juez.

La visualidad apoya y subraya los rasgos de ilegalidad, ilegitimidad y sinrazón de la acción. Sombras trágicas parecen moverse y seguir a la partida de justicieros. Los primeros planos de los rostros crispados y convulsos delatan la obcecación y furia de los expedicionarios. La jefatura del grupo a cargo de un antiguo mayor confederado, que viste el uniforme que usó en una guerra que finalizó hace 20 años, habla de desconexiones con la realidad, estupidez y locura. La debilidad con la que se exponen los argumentos en contra de la iniciativa descabellada revela pusilanimidad, falta de convicción y cobardía. La cena con risotadas y manifestaciones hueras de falsa alegría evidencian el cinismo y el despropósito que imperan en la parte mayoritaria del grupo. Los oídos sordos a los argumentos sensatos y prudentes de los disidentes ponen de manifiesto la ceguera y la ausencia de ecuanimidad con la que algunos quieren impartir justicia.

El film aporta diversos elementos a partir de los que se pueden deducir explicaciones particulares de los motivos profundos que impulsan a algunos a comportarse desatinadamente. El antiguo mayor descubrió sus tendencias sádicas durante la Guerra de Secesión y no ha podido superarlas. La anciana Ma arrastra profundas insatisfacciones personales y frustraciones psicológicas perturbadoras. Los vaqueros Art y Gil son conscientes de lo que ocurre, pero callan mucho a cambio de falsos sentimientos de aceptación e integración en el grupo.

El reparto incorpora un largo elenco de figuras destacadas, que entregan interpretaciones solventes y convincentes.

El film propone una seria reflexión sobre el imperio de la ley y los peligros de sustraer a los Tribunales la administración de la justicia. Formula un alegato contundente contra el linchamiento. Condena la crueldad, la intolerancia y el salvajismo humanos. Condena de pena de muerte. Denuncia la improcedencia de la sed ciega de justicia a toda costa. Justifica que la administración de la justicia se base en el juicio sereno y plural de personas rigurosas, independientes, imparciales y ecuánimes.

La música, de Cyril J. Mockridge (“La novia era él”, Hawks, 1949), contribuye eficazmente a la creación del clima descabellado y deprimente de la acción. Añade las tres canciones del repertorio de Gil Carter. La fotografía, de Arthur C. Miller (“Qué verde era mi valle”, Ford, 1941), en B/N, explora a través de las imágenes los estados de ánimo despiadados, crueles e inhumanos, que animan el comportamiento de los protagonistas.

Film de culto e imprescindible.

Miquel

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