Manuel Gutiérrez Aragón aborda el terrorismo de ETA haciendo protagonista al sentimiento que aflora en esas circunstancias: el miedo. Es propio precisamente del terrorista el valerse del temor de los otros para lograr el fin perseguido: el miedo de los personajes muy bien interpretados por Coronado e Incontrada para sobrevivir a las amenazas, el miedo del personaje de Jaenada para aceptar lo que es, el miedo de quienes les rodean por terminar siendo objetivos del terror...

La película describe de modo interesante el mundo vasco y sus controversias, y se apoya en los paisajes y especialmente en el adorno de los manjares culinarios propios de Euskadi (pinchos, cocochas, bacalao, etc...) para introducir a sus protagonistas. De hecho las secuencias de las dos cenas organizadas por el grupo de amigos son probablemente los mejores momentos de la película.

Efectiva y correcta realización, pero que se queda ahí, necesitando de una mayor profundización en el carácter de los personajes para un mejor desarrollo de cada uno. El conjunto adolece de la falta de esa chispa que lo saque de ser un engranaje previsible, y crea estereotipos demasiado manidos sin mucha originalidad: los etarras malos que asesinan, las víctimas decentes a las que asola el miedo, el etarra arrepentido que termina siendo víctima del miedo... La idea de partida es buena, el desarrollo simplemente correcto. Es como si el director, contagiado por tanto miedo, también lo hubiese tenido para rodar una historia más allá de lo convencional.

Pedro

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Estamos ante el director ilusionista del cine por excelencia, capaz de hacer funcionar el peor de los textos cuando lo lleva a la pantalla. Que puede darnos desde decepcionantes entretenimientos como "Parque Jurásico" y "La guerra de los mundos", o desde flojas películas como "Always", hasta mitos filmícos como "Tiburón", "E.T." y "Indiana Jones", o hasta una lista de muy buenas películas como "El diablo sobre ruedas", "El color púrpura" y "En busca del arca perdida". Con "La lista de Schlinder" alcanza por fin la gloria del reconocimiento unánime de público y crítica -esa crítica que tanto desconfiaba de su comercialidad-. Así finalmente siete Oscars coronan esta auténtica obra maestra.

Rodando con una exquisita fotografía en blanco y negro, Spielberg sabe conjugar perfectamente ese efectismo característico de su cine con una sólida historia y una magnífica dirección de actores. La verdad es que tanto Liam Neeson como Ben Kingsley y Ralph Fiennes se lo ponen muy fácil con sus magníficas interpretaciones.

Una historia poderosa que, aunque le sobra el epílogo en color, nos cala hasta los huesos y nos obliga a disimular la lagrimilla de emoción contenida cuando el empresario Schlinder se despide de todos aquellos cuyo nombre se incluía entre los márgenes que limitaban la vida de la muerte. Un reloj, un anillo, un coche... ¡Cuántos nombres más podían haberse escrito! Asistimos a uno de esos momentos que pueden trasformar de verdad a un hombre y le acompañamos en esa trasformación desde la falta de escrúpulos a la más humana heroicidad.

Pedro

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Términos encontrados y opuestos los que me han llevado a titular esta reseña crítica.

Si tuviese que analizar esta película desde el momento que comienza la huída, sin duda me parecería brillante.

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Las escenas finales en medio de la contienda armada mantienen un pulso tenso y fluido magnífico con unos movimientos y posicionamiento de cámara que sigue a los personajes intensificando esa tensión dentro de un ambiente de destrucción y decadencia muy bien conseguido. ¡Qué decir de la súbita reacción ante ese llanto en un mundo en el que eso ya no era posible!

Pero el problema de la película, lo que en mi opinión le resta demasiado, es lo que sucede hasta el momento en que comienza la huída. Y es que aquí, sólo la descripción de un Londres decadente y su ambientación (desorden, inmigrantes perseguidos, ruinas, desdén por sacar adelante algo que ya carece de sentido) se salva.

Si bien la idea de partida es bastante buena, el fallo en esa primera parte de la película lo encuentro en la presentación de los personajes, su desarrollo, sus motivaciones, el desarrollo de la trama que acaba con el protagonista y la muchacha negra en la casa de los “malos” que parecían “buenos”. Y es que he visto incluso muchas películas de serie B donde los personajes tienen más vida, y donde el argumento es mejor llevado sin tantos tópicos.

Personajes como el de Julianne Moore, que en principio y en títulos de crédito atraen al espectador al cine como si fuese protagonista, resulta que finalmente incluso tiene menos peso en desarrollo y está más encorsetado en un cliché, que el de la vagabunda que al final ayuda al protagonista y la joven negra a escapar. La culpa, claro, no es de Julianne Moore, que considero buena actriz, sino de quien ha escrito su personaje.

Mejor parado sale Michael Kaine, ya que sus tablas de excelente actor y su interpretación levantan si cabe la escritura de su personaje, y como personaje tiene además intervención en esa parte de la huída mejor escrita donde la película ha dado un giro (cosa que el personaje de Julianne ya no tiene).

Por lo demás, un Clive Owen más que correcto, sostiene dignamente su papel hasta la última secuencia en la barca y francamente en un balance entre esas dos diferentes partes que veo en la película, le daría una buena nota, igual que a algún secundario de los de esa parte final.

En general, me quedo con un pudo ser mucho más de lo que ha sido. Mediana decepción.

Pedro

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Si usted quiere aprender cómo hacer cine fácil manteniendo al espectador enganchado a la bolsa de palomitas sin perder comba de lo que sucede en su historia a pesar de tener en la mano como punto de partida un guión de usar y tirar, no dude en revisar la filmografía completa de Andrew Davis. Desde "The final terror" a "Under siege" pasando por "Chain reaction", basta ver el denominador común de derroche imaginativo en los títulos para saber de qué va el contenido y cómo va a desarrollarse.

"El fugitivo", en la línea del mejor Davis, te mantiene entretenido a la vez que te ayuda a practicar el don de la clarividencia, siempre útil para cuestiones como acertar los números de la bonoloto. Aunque al fin y al cabo es infinitamente más complicado esto último que adivinar qué va a suceder en cada escena siguiente de esta película protagonizada por un Harrison Ford con cara de palo -¡cuán lejos del Rick Deckard que perseguía replicantes en la ciudad de Los Ángeles del 2019, o del Han Solo que pilotaba el Halcón Milenario por una galaxia muy muy lejana!-. Y es que lo difícil realmente es pronosticar lo que va a pasar en pantalla y equivocarse. Será por eso la cara de Ford, sin duda.

Eso sí... Lo aderezamos todo con una partitura trepidante y ruidosa, muchas carreras, persecuciones, coches por aquí y por allí, algún momento pausado -para que el espectador pueda tragar las palomitas- y listo. Alguien debió olvidarse de comentarle a este director en la escuela de cine la diferencia entre eficacia y efectismo. Se ve que a pesar de ser de la misma quinta estadounidense que David Lynch, Oliver Stone o Steven Spielberg, no debieron tener los mismos profesores.

Sólo Tommy Lee Jones salva algo el asunto y parece al menos convincente en su interpretación del detective al acecho: Samuel Gerard. Lo gracioso del tema es que le dieran un Oscar por esto en 1994, y con una maravilla que además de protagonizar dirigió -"Los tres entierros de Melquíades Estrada"-, se fuera de vacío en 2005. Cosas de Hollywood..., que además dio seis nominaciones más a "El fugitivo", incluida la de "best film". Y todo ello el mismo año en el que se olvidaron de nominar (como mejor película o en algunos casos totalmente) "La edad de la inocencia" de Martin Scorsese, "Misterioso asesinato en Manhattan" de Woody Allen, "Atrapado por su pasado" de Brian de Palma, "Vidas cruzadas" de Robert Altman, "Una historia del Bronx" de Robert de Niro, "El club de la buena estrella" de Wayne Wang o "Un mundo perfecto" de Clint Eastwood. Sin comentarios.

Pedro

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La fatalidad es el motor que mueve la última película de un Sidney Lumet que a sus 83 años parece aún lleno de incombustible energía. Es ese caprichoso destino el que a partir de un comienzo de escena lleno de efímera felicidad actúa como guijarro que cae en la nieve -en este caso el deseo de una mujer amada por su esposo- y comienza a rodar y rodar hasta formar una inmensa bola de la que sólo al final de la película sabremos si alguien saldrá indemne.

El guión se desarrolla a través de una interesante estructura donde la historia avanza dando saltos adelante y atrás en el tiempo con un personaje como centro de la acción en cada ocasión. Cada uno de estos saltos es un subconjunto narrativo que tiene intersecciones de escenas comunes con otros y nos revela algo más que el anterior y algo menos que el siguiente… El día del atraco aparece como centro convergente de los sucesos: un plan aparentemente sencillo que traerá inesperadas complicaciones y sorpresas que el espectador descubre paulatinamente.

Sin embargo, es esa misma estructura la que tal vez impida que la película sea redonda al resultar arriesgado por su complejidad engranar con fluidez las piezas narrativas, que en algunos casos pierden un poco de fuelle resultando forzado su ensamblaje.

Paso a paso, el predominio del thriller va dejando sitio al dramatismo, y una de las paradojas del argumento es construirse de modo que el drama se masca casi como “reír por no llorar”. Tantos son los enredos de la trama, que parecería por momentos una comedia de enredo si no fuese por el infortunio que se cierne sobre los personajes abatidos por las circunstancias.

En definitiva, un guión con buen potencial realizado casi al mejor nivel, un trabajo interpretativo de Hoffman y Hawke con sentida encarnación de la personalidad decadente y abocada a la miseria moral de los hermanos Hanson, y una actuación nada desdeñable de Albert Finney -que culmina en una última escena donde parece convocarse con más fuerza si cabe el título de la obra-, hacen que el director reviva cinematográficamente después de larga racha de fracasos de crítica y público.

No lo tuvo fácil tras arrastrar durante toda su carrera el peso de debutar con una obra maestra como “Doce hombres sin piedad”. A pesar de que este filme está lejos de brillar con la intensidad de aquel, bien merece un reconocimiento. Antes que el diablo sepa que ha muerto, Sidney Lumet sigue en activo, por si acaso.

Pedro

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