Nos encontramos ante una cinta de animación, pero el espectador no avisado se encontrará en un terreno desconocido, ya que no estamos hablando de Disney, ni de animación japonesa ni tampoco de la ironía y desparpajo de las series americanas destinadas a un público adulto. Estamos hablando de la obra de uno de los maestros del cine independiente Americano, Richard Lintlaker.
Las diferentes escenas que componen la película han sido rodadas en imagen real y luego transformadas en dibujo animado. ¿Una arbitrariedad? Quizás así parezca para la mayoría del público, pero en un mundo en que el dibujo animado pretende copiar la realidad hasta el extremo de ser indistinguible de ella, no deja de tener su sentido que, en esta cinta, la realidad sea substituida y disuelta por la ilusión. En el fondo, nos hallamos ante un ejemplo magnífico de adecuación entre forma y fondo, que demuestra asimismo la originalidad del director, al ser utilizado este recurso para plasmar la irrealidad del mundo, sin recurrir a alucinaciones, sueños o flashbacks que revelen un mundo paralelo, el camino tan trillado de las películas de ciencia ficción, horror y misterio.

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El joven protagonista sigue su viaje, sin decantarse por ninguna filosofía ni participar en ella. Solo excepcionalmente se produce y es por que él se ha visto subyugado por la belleza irreal de una mujer encontrada en el camino. Muy al contrario, a medida que avanza la película y se obra el despertar, el falso despertar, del protagonista, se produce una transición del mundo exterior al mundo interior. Al final, la única cuestión importante es el significado de la propia existencia, la única pregunta ante la cual no es posible quedar indiferente o escapar, ya que, una vez planteada, no existen, ni para el joven protagonista, ni para nosotros, una vuelta atrás a la seguridad de la habitación o la comodidad de nuestra butaca. Ni siquiera dominar el sueño/realidad, nos servirá, ni, por supuesto, intentar despertar a la realidad auténtica, si es que ésta existe. Cada intento solo consigue acrecentar la desesperación y, como en la vida, la cinta se detiene en el umbral de la muerte, sin dar una respuesta.

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La mejor película mexicana de 1998. El editor más sensible del cine mexicano contemporáneo se quitó el traje de edición para dirigir un relato emocional e introspectivo que abre nuestra mirada a un paisaje desconocido y remoto. "El límite del tiempo" es una lección de sencillez y sutileza raramente vista en la cinematografía mexicana. El cine de Bolado bien puede ser el cine del futuro”. El protagonista encuentra paisajes extraordinarios de montañas, desierto, arena, mar, pinturas rupestres y ballenas. Además de su notable dirección de actores, el director muestra una gran maestría en el arte de la filmación y en el brilante lenguaje cinematográfico, con fragmentos de texturas múltiples de alegoría y simbolismo.

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Sencilla, tranquila, documentaminimalista... Caben todas las metaforas, pues lo simple siempre es más propenso a la sugerencia. . Es larga, cansina. Contar una historia casi en tiempo real no lo considero un acierto. El arte de narrar es otra cosa. Este director, y otros iraníes, son muy dados al metalenguaje: que no, que esto no es verdad, que esto es una película y mira cuantas cosas nos han pasado haciéndola, ¿te lo habías creído?

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Eso de que nadie quiera subir con él al coche te hace pensar que lo que busca es un chapero, pero hoy nos sale el Ahmadineyad en la Universidad de Columbia entre críticas y aplausos con eso de que: "Nosotros no tenemos homosexuales como en EEUU".
Lo que menos necesita un suicida es un enterrador, digo yo. Igual hubiera sido más inquietante si pide a los demás que lo maten, que lo que le falta es valor para dar ese paso.

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CUESTIONARIO PARA REFLEXIONAR DESPUÉS DE VER LA PELÍCULA:

1.- El crítico cinematográfico Alberto Bermejo escribió en el diario El Mundo: "Las imágenes de La Buena estrella insinúan la estructura de una tímida comedia de enredo, los aromas surrealistas de un thriller con inquietudes sociales y la rotundidad de un melodrama descarnado, pero se eleva por encima de las ataduras de género para situarse valientemente en el territorio apasionante y nunca suficientemente explorado de los sentimientos, de las relaciones humanas menos catalogables",... Hay, además, una serie de elementos que le dan a la historia un aire de cuento. Comente cuáles le parece que son.

2.- La estructura de la película presenta el siguiente esquema:

- prólogo
- primera parte, la tuerta
- segunda parte, el guapo de cara
- tercera parte, el manso
- epílogo

Explique las diferencias y semejanzas que existen entre cada una de las cinco partes entre sí, y en su conjunto, tanto en la composición como en el contenido.

3.- Según René Girard, el triángulo amoroso no surge de que alguien desee la mujer del prójimo y por lo tanto se convierta en adversario de éste, sino que del deseo de ser como el marido surge la necesidad de desear todo lo que desea él, incluso su esposa.
Analice cómo evoluciona la relación entre Daniel y Rafael, prestando especial atención a lo que el uno va tomando del otro, y viceversa, y al acercamiento final.

4.- Ateo confeso y anarquista militante, Ricardo Franco recibió una Mención Especial del Jurado Ecuménico del 50 Festival Internacional de Cannes por La Buena estrella que rezaba así: "En la gran humanidad y sinceridad que emanan de esta obra, sin conllevar moralización, y reconociendo otro tipo alternativo de felicidad, los personajes, a través de sus propias debilidades, tienen el instinto de hacer el bien y, superando su egoismo, se disponen a aceptar situaciones no convencionales". Diga si está de acuerdo con las conclusiones de dicho jurado y argumente por qué.

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El cine negro y el thriller son una de las lagunas del cine español. La penuria se hace más evidente dentro de la corriente que abunda en la industria americana: thriller de denuncia, crítica de determinados aspectos sociales, estamentales o políticos.

Según Urbizu "Las redes de corrupcion policial eran conocidas y todos sabiamos lo que estaba pasando, pero tampoco queríamos que esa dimensión estuviera en un primer plano". De ahí que al fondo aparezcan los mercenarios portugueses.

La historia avanza por dos caminos paralelos:

a) la doctora de una residencia de ancianos + una actriz de espectáculos pseudopornos.
Verónica y Azucena funcionan muy bien como figuras antagónicas, su comportamiento desvela facetas escondidas que las enriquecen como personajes: la falta de respetabilidad de la primera y las ganas de respetabilidad de la segunda.

b) 4 policias. Ningún policia es lo que aparenta ser. Todos dejan al descubierto lo más inquietante que llevan dentro. Incluso el único policía no implicado en la corrupción arrastra amargura y tristeza al tiempo que su comportamiento violento y compulsivo parece más propio de un paranoico peligroso que de un agente del orden.

Ambos grupos quieren recuperar el botín robado en un bingo por una banda de atracadores.

Hay alternancia de situaciones resueltas con agilidad, una buena planificación y montaje, dibujada antes por Urbizu.

No faltan las presencias esperpénticas: Macario, El Ruedas, las gitanas, el ciego, la señora que recibe en la fábrica, la hermana y el hijo de Pereda, Casares y la fauna del show porno.
Figuras que no son un decorativo telón de fondo, enriquecen la tipología humana de la ficción, destilan autenticidad. Igual ocurre con los tiroteos, secuencias de acción y las muertes.

Todo por la pasta es una película vasca, filmada en Euskadi, producida y dirigida por vascos, capta un paisaje genuianmente vasco (Bilbao transformada en urbe típica de thriller gracias al trabajo de A. de la Iglesia como dtor. artístico) y atenta a una problemática con derivaciones vascas. Habla sobre el asesinato político y las mafias policiales sin ponerse trascendente, sin concesiones al realismo. Termina siendo amoral, como las mejores películas del cine negro. No juzga ni etiqueta a los personajes.

Para nuestra desgracia, no tuvo continuidad.

astimegoesby

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