Alfred Hitchcock tenía en 1972 labrada una carrera cinematográfica envidiable e incluso Hollywood había terminado por sucumbir cuatro años antes rindiéndole homenaje en la ceremonia de los Oscars. En este contexto, decide tirar la casa por la ventana y se lanza al que posiblemente sea su trabajo más arriesgado y experimental. Resultado: otro éxito más en su haber.

Con tranquilidad y nada que perder, el director realiza secuencias inéditas para el cine al que nos tiene acostumbrados. Así, por ejemplo, la cámara en helipcótero que introduce la historia se aproxima en único plano secuencia hasta prácticamente echarse encima del grupo de personas que inicia la acción; cuando la camarera sale del bar, justo antes de que tras ella aparezca Robert Rusk, apura un primer plano en el que repentinamente suprime el sonido; más tarde prolonga un plano estático de la pared del edificio que precede al esperado grito de quien descubrirá un cadáver; tres días para rodar el asesinato de Brenda de un modo que el propio productor sugirió que se suprimiese la escena por desagradable; otros tres días para la escena de Rusk en el camión de patatas; el ujier del juzgado es quien deja, cerrando o abriendo la puerta y alternando así convenientemente voz y silencio, que podamos saber el resultado del juicio; o en memorable secuencia de asesinato omitido, abandona al personaje del asesino con la futura víctima entrando en el piso, la cámara retrocede por las escaleras en una grua montada en "U" para salir a la calle y hace el corte del interior al exterior aprovechando el paso de un hombre que tapa el objetivo.

Mérito tanto del director como del guionista Anthony Shaffer fue añadirle a la novela original de Arthur La Bern cierto tono de comedia negra. Las imágenes grotescas de los rostros estrangulados con la lengua fuera, la pelea en el camión con un cadáver que da patadas en la cara, o los diálogos culinarios del inspector Oxford con su esposa mientras repasan los crímenes, dan un interesante contrapunto de humor a una historia en el fondo sórdida.

¡Y funciona! Los riesgos que toma crean una de sus más personales películas logrando un producto que triunfó en su día y no ha perdido hoy su frescura, a pesar de que como Billy Wilder dijo en alguna ocasión, Hitchcock es el cineasta que hace una y otra vez la misma película... En ese sentido, una vez más, se nos muestra al protagonista víctima de las circunstancias sobre el que recaen todas las sospechas de culpabilidad cuando sólo los espectadores saben que es de lo más inocente. Y así, bamboleado por el azaroso destino, Richard Blaney llega a un final resuelto con brillantez hitchcockniana en la habitación de Rusk, dejando al espectador con la misma sensación que ya le invadió en las primeras imágenes mientras la cámara sobrevolaba Londres sobre el Támesis al son de la marcial e impecable composición musical de Ron Goodwin: la de asistir a la proyección de una gran película.

Pedro

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Entre lo real y lo imaginario se mueven los personajes de Obaba; un lugar de ficción que nace en el libro de relatos Obabakoak (los de Obaba) de Bernardo Atxaga, que algunos han venido a llamar el Quijote de las letras vascas y que obtuvo el Premio de la Crítica, el Euskadi y el Nacional de Literatura.

Armendáriz se atreve con ello, y se lanza a la adaptación de un universo difícil de llevar a la pantalla con excelentes resultados, al mismo tiempo que nos deja ver muy buenos recursos en la resolución de la ambientación y los protagonistas. La simple presentación de Obaba está llena de sutileza y rodeada de ese misterio que dentro de lo cotidiano alimenta a sus habitantes. Así, a través de las ochenta y siete curvas por las que el encantador personaje de Lourdes nos acerca en coche, conocemos una primera imagen del pueblo desenfocada con un plano rodado desde dentro del vehículo... Toda una metáfora de esa dualidad en la que todo se mueve en Obaba, entre lo que es real y lo que, como si de un pueblo fantasma se tratase, es producto de la fantasía.

Vemos pasar la vida de los habitantes, sus recuerdos, vemos la lluvia en las calles, la nieve, el tiempo y el destino de los que un día fueran niños que poco a poco nos contarán la verdad de sus historias, aunque nos dejarán esa duda sobre algunas cosas que se encuentran en el límite entre lo que es y lo que nos imaginamos. Porque Obaba es así: vida y leyenda, y para muchos un lugar donde encontrarse a sí mismos... El mismo reflejo que Atxaga nos presenta en el original de las gentes de su tierra.

Muy buen trabajo interpretativo en conjunto, aunque cabría destacar a los personajes femeninos principales: Pilar López de Ayala, Bárbara Lennie y Mercedes Sampietro, y dos de los actores: Héctor Colomé y Eduard Fernández. Con esta obra, Montxo Armendáriz mantiene el listón alto de la muy premiada "Secretos del corazón" y se afianza como uno de los realizadores españoles contemporáneos más interesantes.

Sólo un inconveniente -virtud según se mire-: cuando acaba uno no quiere sino seguir sabiendo más sobre Obaba y que alguien le diga si existe de verdad y cuántas curvas o cuántos pasos hay que dar hasta allí.

Pedro

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Lo primero que hay que dejar claro sobre esta película es que ni mucho menos es un western como algunos se han empeñado en decir. Se trata de un drama romántico ambientando en regiones del oeste estadounidense entre los años sesenta y ochenta; con muchos más ingredientes costumbristas y sentimentales, y ninguna de las carecterísticas propias del género cinematográfico del "Far West" (como no sea el usar sombrero vaquero o montar a caballo).

Una vez dicho esto, cabe señalar que el guión de "Brokeback Mountain" cuenta una historia bastante convencional entre dos personas que se aman pero a las que las circunstancias mantienen separadas. Lo único que la diferencia del estereotipo es el que dicha relación de amor es homosexual... Pero esto no es precisamente algo que pueda por sí mismo convertir un guión por lo demás normalito en nada excepcional. Sobre todo cuando dicha relación se muestra dentro del tópico y sin ningún tipo de desarrollo o trama argumental que resulte significativa. "Tomates verdes fritos" de Jon Avnet, es un ejemplo de cómo contar una relación de amor homosexual maravillosa dentro de una historia al mismo tiempo costumbrista pero llena de encanto con elementos que dotan de fuerza tanto a los personajes como a la historia en sí. Este trabajo está lejos de lograr algo parecido.

Tampoco el ritmo narrativo y la estructura de la película se salen de lo simplemente correcto, siendo quizás la fotografía (ayudada por las magníficas localizaciones naturales del rodaje) lo único verdaderamente sobresaliente en todo el trabajo de Ang Lee. En definitiva, una película que a pesar de algunos entusiasmos más producto de la temática homosexual y su repercusión social que de otra cosa, en unos años pasará al olvido.

Pedro

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Zach Helm firma un magnífico guión a la altura de los mejores cuentos fantásticos de Julio Cortázar. De hecho, recuerda esta historia al relato breve del gran escritor argentino “Continuidad de los parques”, donde se enlaza la ficción de un libro con el devenir de los personajes en la vida real. Incluso yendo esta película más allá, pues juega con nosotros entre tragedia y comedia como la elección que da sentido a la vida. Un juego que otorga al final de la película un significado especial. Porque lejos de lo que alguno pueda pensar, no es un final “made in Hollywood”, y quien así lo crea es que no ha captado la sutil ironía de que “renunciando a la obra maestra” la película precisamente alcanza un final que se le aproxima. Muy bien conseguida paradoja que para comprenderla obliga, claro, a verla.

Con tan sólido guión es difícil estropear el resultado, y el director de las reconocidas “Monster’s ball” y “Descubriendo nunca jamás” –Marc Foster– logra aquí a mi entender su mejor trabajo. Y lo hace sin mucha dificultad, porque tanto la interpretación del protagonista Will Ferrell como el plantel que le acompaña –donde brillan como actores de reparto Dustin Hoffman y Emma Thompson– acrecientan si cabe la base puesta por Helm.

Entre las abundantes secuencias con factura de mérito, destacaría una entre Ferrell y Hoffman cuando el personaje interpretado por este último acaba de leer la novela y se dispone a dar al otro la solución a sus problemas… Momento en el que ese toma y daca entre lo trágico y lo cómico aparece tan hábilmente mezclado que, dentro del drama que se nos muestra del protagonista, la escena es un verdadero manifiesto que te sorprende riendo… Y no riendo porque sea ridículo y mal hecho (como sucede en algunas pésimas películas de terror), sino por el buen logro de esa paradójica construcción argumental.

No hay que buscar a esta película una lógica con el mundo real, ni comportamientos razonables a sus personajes. Hay que introducirse en el universo que nos presenta con sus reglas, porque si no lo hacemos nos perderemos la esencia fantástica de la misma. Esa esencia tan próxima al autor latinoamericano que citaba, y al más auténtico realismo mágico, que efectivamente se muestra tanto o más extraño que la ficción.

Pedro

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Aunque veo en esta película algún punto débil, puedo decir, que sin apreciar totalmente al Scorsese de “Uno de los nuestros” sí que puedo distinguir a uno que se le aproxima bastante.

La construcción de la película, su ritmo, sus personajes, el desarrollo de estos, las situaciones que incrementan la tensión y atrapan como todo buen thriller que se precie de serlo debe conseguir, me parecen intachables.

Incluso, yo, que soporto poco ver en pantalla a DiCaprio no puedo sino decir que éste no es él, me lo han cambiado: ¡actúa de verdad! Y hasta debo reconocer que bastante bien. Sólo lo había podido sobrellevar en “Celebrity” de Woody Allen, y porque hacía de él mismo a la perfección: actor snob con ínfulas de engreído. Ahora, por fin, debo decirlo: señor DiCaprio, discúlpeme si no lo he visto antes, porque por fin empieza usted a demostrarme lo que puede dar verdaderamente de sí… Y que siga en esa línea.

No obstante, para mí brilla en altura ese Jack Nicholson que más que secundario es protagonista. Sus secuencias bien merecerían un Oscar a mejor actor antes que las de DiCaprio o un algo más flojo expresivamente Matt Damon. También fenomenal trabajo de Martin Sheen.

No puedo comparar con la película original en que se basa este remake sencillamente porque no la he visto, y aunque esto de los remake nunca me ha convencido demasiado (mucho menos cuando se hace de una película absolutamente contemporánea a ésta), lo único que puedo juzgar es que lo que he visto es un trabajo bastante bueno de Scorsese.

Hay quien pone pegas al personaje de Vera Farmiga por innecesario, pero lejos de suprimirlo, me parece un interesante nexo de unión y comparación moral y afectiva entre los dos infiltrados. Y además, justamente el leitmotiv de las secuencias donde suena en muy buen acoplamiento con las imágenes uno de los temas musicales mejor escogidos: “Comfortably Numb” de Pink Floyd. En general ese acoplamiento entre música e imágenes durante toda la película, me parece muy bueno en la línea también de “Uno de los nuestros”, igual que la habilidad de mantener la fluidez narrativa con el espectador atrapado en todo momento.

Llegado el momento de las pegas, lo que creo que separa “Infiltrados” de un laureado sobresaliente próximo a candidato a “obra maestra” es el abuso de algunas casualidades en el desenlace de la trama.

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Por ejemplo, cuando ya se han usado algunas casualidades previas pero aceptables por su significado en la película, como el hecho de los dos con la misma chica, o los dos al mismo tiempo llegando a la policía, chirría un poco el añadir más casualidades para resolver situaciones argumentales, como el sobre que puede descubrir a Colin Sullivan ¡olvidado sobre su mesa de trabajo!, o el inesperado poli también topo… Y cuya prueba de existencia inexplicablemente no fue acompañada entre lo que Frank Costello dejara a su abogado para que tras su muerte llegase a Billy Costigan.

Sin embargo, lo demás impecable, incluso en la resolución, la carta que queda en manos de la psicóloga propicia la secuencia final que redondea un “el que la hace la paga” con ese plano fenomenal de la barandilla, la rata paseándose y la cúpula que preside los barrios donde comenzó la historia… Entonces esa genial frase escrita a Nicholson sobre que, cuando hay una pistola en la mano, qué separa al policía del delincuente, se nos devuelve a la cara también en ese estupendo final.

Pedro

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