Críticas de: Miquel - FilmAffinity

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Críticas de: Miquel

Rodada en 17 días (1995), en B/N y en 16 mm, tras 9 meses de preparación. La filmación se hizo en la sala del apartamento de Daniel en Nueva York. La postproducción se prolongó hasta la presentación (1998) de la película en el Festival de San Sebastián. Contó con un presupuesto de 30 mil dólares, aportado por los dos directores y Ferran Viladevall.

La acción tiene lugar en una pobre habitación de un hotel destartalado, a lo largo de un caluroso 4 de julio, fiesta de la independencia de EEUU. La obra consta de un prólogo, tres episodios con dos interludios y un epílogo. Los episodios narran las historias de Fernando (Xavier Domingo), un mago profesional; David (David Jacob Ryler), un fotógrafo de prensa herido en la cara y en un brazo en su última misión informativa; y Phillip (Barry Papick), un metereólogo de informativos que quiere suicidarse. El prólogo y el epílogo hablan de unos recién casados en la noche de bodas. Uno de los interludios explica brevemente la historia de dos empleados del hotel, Zach y Jack, (Gary Dennis y Nicholas Devine), que son cuñados y se aman. El segundo interludio es un flash back que explica el nacimiento de Phillip en la habitación del hotel.

La película hace uso de elementos surrealistas: aparición de los personajes en el entorno de los diversos episodios, la simultaneidad de la acción de los mismos, las fotografías que David hace desde la ventana de un incidente en el que él aparece en el exterior, la propuesta del marido de ir a vivir con los suegros, etc. También utiliza recursos de humor negro: las referencias a la muerte y al suicidio, la desaparición asombrosa de un cadáver, la presencia de la fatalidad (gato negro), la venta domiciliaria de servicios de ayuda al suicidio y otros. La proliferación de elementos absurdos y negros crean un clima denso de un humorismo macabro, surrealista, ácido y corrosivo, que envuelve un discurso sobre la soledad, incomunicación y los caprichos del azar.

La música, de Joan Díaz y Jordi Prats, consta de 14 temas, con solos de piano y de acordeón y combinaciones de batería, saxo, trompeta, acordeón, piano y teclados. La dirección de la fotografía corre a cargo de Nick Hoffman, que usa cámara fija en escenas largas, combinaciones rápidas de planos y contraplanos, enfoques de cara, aproximaciones y giros cámara en mano, que en conjunto dan al film una variedad y un dinamismo muy adecuados. Dirigió un equipo de 4 técnicos, se sirvió de la luz natural y contó con dos focos de 1 kw. El elenco de actores está formado por amigos, vecinos y conocidos.

La yuxtaposición de episodios situados en la habitación de un hotel se ha visto en films anteriores: "California Suite" (1978), "Hotel Room" (1993) y otros. Obra de cine autenticamente independiente, está realizada con talento e ingenio sobresalientes.

Musical basado en un éxito de Broadway de los años 40, dirigido por George Sidney, especialita en películas de aventuras ("Scaramouche") y musicales ("Levando anclas"), y producido por Fred Kohlmar. Cuenta con una excelente banda sonora.

Narra las aventuras y peripecias sentimentales de Joey Evans (Frank Sinatra), mujeriego redomado, que llega a San Francisco tras ser expulsado de una localidad cercana donde había seducido a una menor, hija del alcalde. Dedicado a cantar en salas de fiestas nocturnas, consigue trabajo gracias a la ayuda de un antiguo amigo, al que debe dinero. Allí conoce a la corista Linda English (Kim Novak), que le deslumbra. En el mismo local conoce a una dama adinerada, Vera Simpson (Rita Hayworth), que ha acudido acompañada de unos amigos en una festiva ronda nocturna. Haciendo uso de su gran poder de seducción convence a Vera para que le financie una nueva sala de fiestas que desea instalar en una antigua mansión de la parte alta de la ciudad. Atrapado entre la gratitud a Vera y la admiración por Linda, Joey pronto se ve obligado a elegir. Una es pelirroja, tiene unos 40 años (como él), es sofisticada, caprichosa y rica, mientras la otra, muy distinta, es una muchacha rubia, de 20 y pocos años, espontánea, constante y pobre.

El director musical fue el experimentado Nelson Riddle. Son memorables las canciones, creadas por el tándem de lujo formado por Richard Rodgers (música) y Lorenz Hart (letra), como "Bewitched", "The Lady is a Tramp" y "My Funny Valentine". La música de continuidad, de estilo jazzístico, constituye una delicia para los oídos.

La interpretación de Sinatra, poco sobresaliente, le valió su segundo Glogo de Oro al mejor actor de un musical. La fotografía, la coreografía (de Hermes Pan) y los decorados son atractivos y están bien realizados. Cabe destacar la escena de Linda leyendo un periódico en una bañera rebosante de espuma blanca y la escena de la ducha de Vera tras una fantasiosa mampara circular y opaca, de algo más de metro y medio de altura.

Notable musical clásico, que contiene canciones inolvidables y cuenta con el atractivo de las interpretaciones de los tres protagonistas.

Película estrenada en 1939, año prolífico como pocos en grandes obras puestas al servicio de la pantalla. Su realización se encomendó al equipo formado por Michael Curtiz, Errol Flynn y Olivia de Havilland, que tan bien había funcionado en ocasines anteriores ("El capitán Blood") y que tan buen resultado dio en esta ocasión. La historia describe la epopeya de los hombres y mujeres que, tras la guerra civil, se volcaron en la conquista de las tierras del Oeste, con la ayuda inestimable del ferrocarril. Contiene escenas magistrales de grandes peleas, praderas idílicas llenas de búfalos, villanos sin escrúpulos poseídos por la codicia, multitudes dispuestas a tomarse la justicia por su mano, escenas que muestran la superioridad del tren, secuencias de luchas a tiros llenas de emoción, grandes caravanas de carros y de ganado vacuno. Sobre todo, destaca el arrojo, la valentía y la generosidad de unos héroes, que como Wade Hatton (Flynn) y Amie Irving (Havilland) están dispuestos a luchar sin desmayo para imponer el orden y hacer que prevalezca la ley y la justicia. La música, soberbia y emocionante, es obra de Max Steiner. Dirección de mérito, habilidosa e ingeniosa, a cargo de Michael Curtiz, uno de los recursos más potentes de la Warner en aquellos momentos. La interpretación de los dos protagonistas es magnífica. La obra constituye uno de los exponentes más brillantes de los western clásicos de mayor renombre.

La película toma el título del cuadro de Leonardo da Vinci, porque para el protagonista George, la prostituta a la que sirve como chófer es hermosa, enigmática, intocable e inalcalzable. La relación entre George y Simone se desarrolla en un doble plano: por un lado George se va enamorando de Simone, mientras ésta le utiliza para la obtención de sus fines. La película ofrece una descripción detallada y bien matizada de la personalidad de George, un expresidiario recién salido de la cárcel, rechazado por su mujer, buena persona, honesto a carta cabal, que encuentra un trabajo de chófer de la mano de un antiguo colega, por cuenta del que ha pagado una pena de prisión que no le correspondía. La ingenuidad de George y la fascinación que siente por Simone le llevan a recorrer la ciudad en busca de Kate, una joven compañera de Simone, perdida en el submundo londinense. George realiza su cometido con limpieza, con dignidad y sin prestar atención a las fáciles y atractivas oportunidades que el mundo de la delincuencia le ofrece. Tras jugarse la vida para satisfacer los deseos de su Mona Lisa, llega la sorpresa de una verdad inesperada, que le hará tomar una decisión coherente y liberadora. La canción "Mona Lisa", dedicada a la figura seductora y enigmática de la protagonista del cuadro, acompaña el inicio de la obra a modo de apunte explicativo para el espectador. La excelente interpretación de Bob Hoskins en el papel principal le valió una nominación al Oscar al mejor actor.

Documental sobrecogedor sobre cinco casos reales. Perseguidos, vigilados, controlados, insultados desde la oscuridad y víctimas de una violencia que incendia sus locales de negocio, destroza sus furgonetas de trabajo y atenta contra sus vidas. Padecen un progresivo aislamiento dentro de una sociedad que les evita, les rehuye y les ignora, por temor y por miedo. Este es el drama de los amenazados, de los perseguidos, de los elegidos con premeditación como víctimas del terror y la muerte. Su testimonio es elocuente, trágico, casi increíble, pero cierto. La narración se desarrolla a un ritmo lento y sosegado, las explicaciones de los protagonistas se desgranan sin apresuramientos y con parsimonia, la cámara se mueve suavemente, la fotografía alcanza en algunas escenas la frescura de una postal. Se trata de una obra interesante, humana y desgarradora.

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