Críticas de: Miquel - FilmAffinity

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Críticas de: Miquel

Rodada en 17 días (1995), en B/N y en 16 mm, tras 9 meses de preparación. La filmación se hizo en la sala del apartamento de Daniel en Nueva York. La postproducción se prolongó hasta la presentación (1998) de la película en el Festival de San Sebastián. Contó con un presupuesto de 30 mil dólares, aportado por los dos directores y Ferran Viladevall.

La acción tiene lugar en una pobre habitación de un hotel destartalado, a lo largo de un caluroso 4 de julio, fiesta de la independencia de EEUU. La obra consta de un prólogo, tres episodios con dos interludios y un epílogo. Los episodios narran las historias de Fernando (Xavier Domingo), un mago profesional; David (David Jacob Ryler), un fotógrafo de prensa herido en la cara y en un brazo en su última misión informativa; y Phillip (Barry Papick), un metereólogo de informativos que quiere suicidarse. El prólogo y el epílogo hablan de unos recién casados en la noche de bodas. Uno de los interludios explica brevemente la historia de dos empleados del hotel, Zach y Jack, (Gary Dennis y Nicholas Devine), que son cuñados y se aman. El segundo interludio es un flash back que explica el nacimiento de Phillip en la habitación del hotel.

La película hace uso de elementos surrealistas: aparición de los personajes en el entorno de los diversos episodios, la simultaneidad de la acción de los mismos, las fotografías que David hace desde la ventana de un incidente en el que él aparece en el exterior, la propuesta del marido de ir a vivir con los suegros, etc. También utiliza recursos de humor negro: las referencias a la muerte y al suicidio, la desaparición asombrosa de un cadáver, la presencia de la fatalidad (gato negro), la venta domiciliaria de servicios de ayuda al suicidio y otros. La proliferación de elementos absurdos y negros crean un clima denso de un humorismo macabro, surrealista, ácido y corrosivo, que envuelve un discurso sobre la soledad, incomunicación y los caprichos del azar.

La música, de Joan Díaz y Jordi Prats, consta de 14 temas, con solos de piano y de acordeón y combinaciones de batería, saxo, trompeta, acordeón, piano y teclados. La dirección de la fotografía corre a cargo de Nick Hoffman, que usa cámara fija en escenas largas, combinaciones rápidas de planos y contraplanos, enfoques de cara, aproximaciones y giros cámara en mano, que en conjunto dan al film una variedad y un dinamismo muy adecuados. Dirigió un equipo de 4 técnicos, se sirvió de la luz natural y contó con dos focos de 1 kw. El elenco de actores está formado por amigos, vecinos y conocidos.

La yuxtaposición de episodios situados en la habitación de un hotel se ha visto en films anteriores: "California Suite" (1978), "Hotel Room" (1993) y otros. Obra de cine autenticamente independiente, está realizada con talento e ingenio sobresalientes.

Película poducida y dirigida por Otto Preminger, una de las cuatro colaboraciones entre el director y la actriz Gene Tierney. Combina elementos de cine negro y policíaco.

Narra la historia de Ann Sutton, una muchacha casada con un eminente psicoanalista (Richard Conte), que padece cleptomanía a causa de un trauma psicológico de infancia. La debilidad psicológica de Ann es utilizada por un hombre sin escrúpulos, David Korvo (José Ferrer), para dominarla bajo hipnotismo y obligarla a servirle como falsa autora del asesinato de una antigua amante, a la que debe dinero.

La narración contiene un clima de creciente intriga, bien dosificada y pulcramente descrita. La cámara se mueve con delicadeza y parsimonia, mediante travellings muy medidos, zooms lentos y desplazamientos laterales que permiten identificar el centro de atención con facilidad. Las imágenes se caracterizan por la corrección de los encuadres, el adecuado movimiento de los actores, la composición equilibrada de las escenas y la atención que se presta a la visualización de un dibujo muy cuidado. La banda sonora se basa en una bonita partitura de David Raksin.

Destaca la interpretación de Gene Tierney, de una belleza sorprendente, que el director exalta en primeros planos muy bien iluminados. Sobresale, también, la interpretación de Charles Bickford en el papel de comisario atormentado por la muerte reciente de la esposa, en memoria de la cual acepta realizar una prueba a la acusada en el escenario del crimen. José Ferrer interpreta un papel de villano en el que no encaja. La presencia de Richard Conte es casi testimonial.

La deriva psicoanalítica y freudiana de la película, una de sus debilidades, se ha de entender en relación al momento de la realización, cuando estaba de moda en la sociedad norteamericana y en el cine (Hitchcock, Lang, etc.).

Película estrenada en 1939, año prolífico como pocos en grandes obras puestas al servicio de la pantalla. Su realización se encomendó al equipo formado por Michael Curtiz, Errol Flynn y Olivia de Havilland, que tan bien había funcionado en ocasines anteriores ("El capitán Blood") y que tan buen resultado dio en esta ocasión. La historia describe la epopeya de los hombres y mujeres que, tras la guerra civil, se volcaron en la conquista de las tierras del Oeste, con la ayuda inestimable del ferrocarril. Contiene escenas magistrales de grandes peleas, praderas idílicas llenas de búfalos, villanos sin escrúpulos poseídos por la codicia, multitudes dispuestas a tomarse la justicia por su mano, escenas que muestran la superioridad del tren, secuencias de luchas a tiros llenas de emoción, grandes caravanas de carros y de ganado vacuno. Sobre todo, destaca el arrojo, la valentía y la generosidad de unos héroes, que como Wade Hatton (Flynn) y Amie Irving (Havilland) están dispuestos a luchar sin desmayo para imponer el orden y hacer que prevalezca la ley y la justicia. La música, soberbia y emocionante, es obra de Max Steiner. Dirección de mérito, habilidosa e ingeniosa, a cargo de Michael Curtiz, uno de los recursos más potentes de la Warner en aquellos momentos. La interpretación de los dos protagonistas es magnífica. La obra constituye uno de los exponentes más brillantes de los western clásicos de mayor renombre.

La película toma el título del cuadro de Leonardo da Vinci, porque para el protagonista George, la prostituta a la que sirve como chófer es hermosa, enigmática, intocable e inalcalzable. La relación entre George y Simone se desarrolla en un doble plano: por un lado George se va enamorando de Simone, mientras ésta le utiliza para la obtención de sus fines. La película ofrece una descripción detallada y bien matizada de la personalidad de George, un expresidiario recién salido de la cárcel, rechazado por su mujer, buena persona, honesto a carta cabal, que encuentra un trabajo de chófer de la mano de un antiguo colega, por cuenta del que ha pagado una pena de prisión que no le correspondía. La ingenuidad de George y la fascinación que siente por Simone le llevan a recorrer la ciudad en busca de Kate, una joven compañera de Simone, perdida en el submundo londinense. George realiza su cometido con limpieza, con dignidad y sin prestar atención a las fáciles y atractivas oportunidades que el mundo de la delincuencia le ofrece. Tras jugarse la vida para satisfacer los deseos de su Mona Lisa, llega la sorpresa de una verdad inesperada, que le hará tomar una decisión coherente y liberadora. La canción "Mona Lisa", dedicada a la figura seductora y enigmática de la protagonista del cuadro, acompaña el inicio de la obra a modo de apunte explicativo para el espectador. La excelente interpretación de Bob Hoskins en el papel principal le valió una nominación al Oscar al mejor actor.

Documental sobrecogedor sobre cinco casos reales. Perseguidos, vigilados, controlados, insultados desde la oscuridad y víctimas de una violencia que incendia sus locales de negocio, destroza sus furgonetas de trabajo y atenta contra sus vidas. Padecen un progresivo aislamiento dentro de una sociedad que les evita, les rehuye y les ignora, por temor y por miedo. Este es el drama de los amenazados, de los perseguidos, de los elegidos con premeditación como víctimas del terror y la muerte. Su testimonio es elocuente, trágico, casi increíble, pero cierto. La narración se desarrolla a un ritmo lento y sosegado, las explicaciones de los protagonistas se desgranan sin apresuramientos y con parsimonia, la cámara se mueve suavemente, la fotografía alcanza en algunas escenas la frescura de una postal. Se trata de una obra interesante, humana y desgarradora.

La mejor relación potencia/precio. Para absolutamente todos los usos, destaca por su diseño imitación de carbono, PAD numérico del teclado, impresionante conectividad y sistema de seguridad por huella dactilar.