Un escritor (podría ser Mark Twain, podría ser Stephen King) recuerda un episodio crucial en su paso de la infancia a la adultez. Lo transcribe con su ordenador y, al final, no guarda lo escrito en el disco duro porque es un recuerdo que tiene grabado en el corazón.

Cuatro niños emprenden un viaje que ellos suponen de ida y vuelta, sin saber que será un viaje sin retorno. Ni siquiera la remembranza del escritor supone una vuelta al tiempo de la niñez: los diálogos infantiles, las relaciones de amistad entre los niños y los hechos que articulan la aventura (o travesura), están impregnados de la añoranza y de la mitificación. Sin duda, es lo mejor de la película, ese sentimiento de que la niñez es un estado inalcanzable por el adulto, ni siquiera a través de la memoria, pues todo recuerdo será, al fin y al cabo, el de un adulto.

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Charlie es un chaval flacucho y orejudo que vive en una casa inclinada de colores apagados, con líneas curvas, ángulos agudos y obtusos, paredes húmedas y techumbre destartalada. La opresión se dibuja oportunamente en la cama rebosante de abueletes. Acto seguido, el ambiente de ahogo mostrado contrasta con el brillo, el colorido, la pulcritud y las líneas y ángulos rectos de la fábrica de pasta de dientes donde trabaja el padre. Burton se sirve de la escenografía para retratar a las personas.

Charlie y su familia son humildes, sensibles y tolerantes en un mundo en el que sus cualidades brillan por su ausencia; cada niño agraciado con un pase exclusivo al ignoto parque temático del chocolatero Willy Wonka posee un espíritu pecaminoso: Augustus vive entre salchichas: gula; Veruta vive entre sus acaudalados padres: avaricia; Violet vive entre premios: soberbia; y Mike vive entre videojuegos al estilo de Doom y videoclips de punk rock: ira. Charlie es, por el contrario, inocente: su padre le tapa los oídos cuando el abuelo más deslenguado recita su habitual sarta de improperios; el sonido desaparece y el espectador contempla una escena, literalmente, muda. Esta secuencia, además, acentúa el hecho de que son los padres los responsables de las virtudes y de los desmanes de sus vástagos. Hecho que se reforzará con los flash-backs de la infancia de Wonka.

El exterior de la gran fábrica de chocolate posee un aspecto frío y caótico, cualidades del propio Wonka. Aunque, una vez en su interior, se descubre un abigarramiento que suaviza la frialdad pero potencia el desequilibrio. Desequilibrio maravillosamente significado en el fundido encadenado que da paso al primer flash-back, que deforma la imagen del rostro de Wonka que deviene en monstruoso como el recuerdo de su traumática infancia.

Una puerta diminuta, que recuerda a Alice's adventures in wonderland es la entrada a la fábrica, deudora del país de los juguetes de Le avventure di Pinocchio. Storia di un burattino. Una vez aclaradas las referencias clásicas, el filme se sumerge...

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... en un mundo de fantasía donde, uno tras otro, los niños serán víctimas de sus bajas pasiones y sufrirán un castigo ejemplar, seguramente el primero de sus vidas. El mundo de Wonka es caótico y macabro, y cada castigo es celebrado con una canción por los Oompa Loompa, unos gamberros e inquietantes enanitos aficionados a los musicales de Busby Berkeley, que cuando acatan una orden parece que van a hacer un corte de mangas.

Si el cine es, sobre todo, el arte de transmitir ideas y sentimientos con las imágenes, Burton, con una escenografía recargada, un vestuario simbólico y unos actores estereotipados bien podría haber privado a su película de la palabra sin perder ni un ápice de su capacidad para contar.

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Tronchante ridiculización del ser humano y de sus bajezas. Los periodistas, los policías, el psicólogo, el sheriff, el alcalde... Ninguno duda en falsear la realidad para obtener interés o beneficio, aun cuando la realidad sea que está en juego la vida de otro ser humano.

Los periodistas, cuyo código ético es puesto por los suelos, prefieren el lenguaje y los asuntos que llamen la atención en detrimento de los contenidos honestos con la verdad. Wilder hace más de un más de un barrido en primer plano de los periodistas que cubren el ajusticiamiento de un anarquista asesino. La combinación de sus rostros, graves y grotescos, y de las noticias que transmiten a sus periódicos, distorsionadas y delirantes, es un ácido juicio sobre la petulancia del ser humano: no es solo que la mezquindad sea moneda corriente, es que, para más inri, todos se creen con legitimidad para proceder como les venga en gana, sin importar si otro es crucificado. Menos mal que es una comedia.

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Un western con todos sus tópicos (la oficina del sheriff, la calle principal, el saloon con habitaciones arriba, la taberna, el establo...) y fiel a la manera de narrar del género (tono épico con trazas de drama y gotas de comedia) que, sin embargo, asienta su entereza en las relaciones de los personajes, en la amistad, en la lealtad, en la admiración, en el respeto, en el amor, en la confianza, en la dignidad...

Hawks nos regala cuatro minutos mudos magistrales hasta que Wayne espeta: “¡Joe, queda usted arrestado!”, y el resto son ciento treinta y tantos intensos minutos de tiroteos, ingeniosos diálogos, rondas nocturnas, partidas de póker, enfrentamientos y canciones.

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La “space opera” (en adelante, SO), o género de aventuras en naves espaciales, se acuñó como término despectivo para etiquetar a unas películas de aventuras fantacientíficas de apariencia insustancial basadas en relatos de ciencia-ficción publicados en EE.UU. en la primera mitad del siglo XX, en revistas de material barato, con muchas páginas y portadas de colorines, conocidas como “pulp magazines”, como las aventuras de Buck Rogers, creadas por Phillip F. Nowlan, y, sobre todo, en los cómics de la misma temática, como el propio “Buck Rogers in the 25th century”, que adaptaron el propio escritor y el dibujante Richard Calkins. Cuenta la leyenda que Edgar Rice Burroughs, uno de los padres literarios de la SO, se inició en la literatura cuando, después de leerse una de aquéllas revistas, se dijo: “Si la gente paga por leer esto, yo puedo escribir historias que sean, al menos, tan malas”.

Titan A.E. es, para el que esto suscribe, el paradigma de SO “post-Star wars” (cuando los efectos especiales concedieron a la SO una identidad propia):

- Espacios exóticos y tiempos distantes (herencia de la literatura romántica), que Lucas inmortalizó con el conocido “A long time ago in a galaxy far, far away...” (Hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana...). Titan A.E. posee una riqueza desbordante de entornos como el del planeta Sesharrim, de superficie acuática, poblado por árboles de hidrógeno y con una luna quebrada en su horizonte, o como el de los anillos de hielo de Tigrin de la nebulosa Andali que sirve de escenario a una de las secuencias más curiosas. Lo de los nombres extraños es otro ingrediente importante.

- Tecnología científica al servicio de la guerra. Lo que conlleva una influencia narrativa del género bélico, sobre todo de sus variantes de buques (y submarinos) o de aviación. En Titan A. E., además, no faltan las explosiones, acción sin parar y muchos, muchos rayos láser. También es fundamental que los diseños de las naves sean originales pero verosímiles.

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- La búsqueda de algo muy importante, casi equivalente a una búsqueda de la libertad. En este caso, se busca una nave que guarda el proyecto Titán que dará a los humanos un planeta y un hogar. La idea de una humanidad errante en el espacio profundo no es nueva. Sin aventurarse mucho en el pasado, ahí está Battlestar Galactica.

- Una fuerza amenazante que ponga en riesgo la misión (y la misma libertad). Los drejs, que atacaron la Tierra sin previo aviso (en clara referencia a Pearl Harbor) y la destruyeron, buscan el proyecto Titán para destruirlo.

- Unos adversarios malignos y tenebrosos. Para entendernos, deben pertenecer al lado oscuro del universo de marras. La reina drej tiene una voz metálica y distorsionada y sus movimientos ralentizados irradian inquietud.

- Los humanos tratan con insólitas criaturas alienígenas. La estación de desguace Tau-14 es un hervidero de tipos procedentes de todo el universo. Y no falta el clásico “a mi amigo no le gustas y a mí tampoco” que le decía un bicho raro a Luke Skywalker en la cantina de Tatooine, y que aquí también le ocurre a Cale.

- Unos diálogos desenfadados de andar por casa (nada de sátiras ni de comedias críticas).

- Un final feliz. Es una norma narrativa que Titan A. E. cumple con exquisito rigor.

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