«No es totalmente un biopic al uso. “Capote” narra el proceso de creación de una de las novelas más significativas del siglo XX que combinó el estilo periodístico con el literario y marcó un antes y un después como sucede con las grandes obras. Una obra de la que Truman Capote no se recuperaría y marcaría su vida hasta su muerte.
Tampoco es un mero docudrama de cómo se escribió “A sangre fría”. Creo que profundiza mucho más en las consecuencias para el autor como para los asesinos. Como el propio Capote dijo “No murieron cuatro personas en aquel crimen; fueron seis”, aunque yo diría que con el paso de los años fueron siete.»

[Hasta aquí todo igual]

¿Qué diferencia hay entre los filmes de Douglas McGrath y Bennett Miller?
Básicamente en que unos crían la fama y otros cardan la lana.
“Infamous” no tendrá cinco nominaciones a los Oscar, ni Toby Jones subirá al escenario a recoger una estatuilla como Philip Seymour Hoffman y su paso por la taquilla será fugaz…
¿Inmerecido? Mucho, demasiado.
Parece que “Capote” de Miller era la versión de la Disney y el “Infamous” de McGrath la auténtica, la real: la mejor manera de recrear el proceso de creación de “A sangre fría” es combinar el documental en su formato de confesiones a cámara de los protagonistas, creando un contraste en las declaraciones, con la ‘supuesta’ recreación de los hechos.

Ni se esconde la homosexualidad de Capote y el guión del propio McGrath, basado en la novela homónima de George Plimpton, perfila mejor los nexos de unión con Perry Smith (Daniel Craig).
Sus innumerables cameos ayudan, los diálogos que reflejan la excentricidad, falsedad, locura y genialidad de Truman Capote, junto a una interpretación insuperable, la harán prácticamente recomendable para defensores de causas pobres y para aquellos que prefieran la sutileza y el subtexto de “Valmont” a la oscarizada “Las amistades peligrosas”.

Maldito Bastardo

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Si a “Sin city” le faltaban entrañas a “Brick” le sobran por los cuatro costados.
Rian Johnson mira muy de cerca a Dashiell Hammett, Raymond Chandler y John Huston pero no se olvida de ojear el cine indie de adolescentes. En extrapolar el universo del cine negro a la actual high school sin que existan apenas fisuras. ¿O donde se forma los criminales y femmes fatales del hampa actual?

El envite sale con nota, resuelto con elegancia, ritmo, pulso y talento. Con un humor (a veces surrealista) construido desde el homenaje y una trama que funcionaría a la perfección en el Chicago de los años treinta, en el San Francisco de Sam Spade, en Los Ángeles corruptos hasta las entrañas de James Ellroy o en una actual High School del sur de California.

Algunos lanzaran dardos envenados sobre la forma de hablar de sus protagonistas que se comportan y piensan demasiado como adultos. Aunque costaría una eternidad encontrar en la vida real a un tipo con un cigarrillo en la boca que escupa frases celebres como una metralleta.

Esperemos que tomen nota los grandes estudios incapaces de sacar una frase inteligente a un adolescente y se fijen más en “Brick”, una pequeña joya indie que se mueve en los terrenos cercanos a la cult movie.

Maldito Bastardo

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Lo reconozco, me he columpiado con mis previsiones de los Oscars de este año pensando (inocente de mi) en la tónica habitual, es decir, que la academia preferiría “Banderas de nuestros padres” a “Cartas desde Iwo Jima”, que descartaría a la estupenda “Pequeña Miss Sunshine” por “Dreamgirls” y que “Volver” le pondría las cosas más difíciles a “El laberinto del fauno”; aunque ese descarte huele a premio seguro para el de Del Toro y preferido de la prensa americana, convirtiéndose automáticamente en una lluvia de votos para Penélope Cruz debido al favoritismo de la academia por el manchego y que le ponga las cosas más complicadas a Helen Mirren, que ha ganado TODO este año.

Parece que los Oscars se han convertido en un escaparate de la crítica americana, aunque sigue obviando “otro” tipo de cine más arriesgado, ese que arrasa en festivales europeos y que no tiene tanta cabida entre las distribuidoras, cuyas campañas de marketing deciden unos premios que pretenden airear el adjetivo “devaluados”; aunque en un año en el que las buenas películas se pueden contar con los dedos “vivos” de un personaje de una de yakuzas y donde la crítica de EEUU ha tenido que recurrir al “atrasado” estreno de “El ejército de las sombras” (ha encabezado prácticamente más veces la mayoría de las listas) para dar algo de heterogeneidad a un reducido grupo de títulos.
Por supuesto, todos esos filmes han recibido sus merecidas nominaciones y “Juegos secretos”, con buenas críticas y entre las favoritas de parte de la prensa, ha pescado tres (guión adaptado y a las interpretaciones de Kate Winslet y Jackie Earle Haley). Y es que esas nominaciones denotan que el segundo largometraje de Todd Field es un filme de guión y actores.

Aunque lo mejor de “Juegos secretos” es su trailer, uno de los mejores del año, construido sobre las imágenes, los silencios, la banda sonora y el choque de dos trenes, que avecinan que no es un filme para masas. Su duración puede dar más pistas.
Lo que queda claro es que desde su inicio, con ese narrador en forma de voz en off fría y ronca de Will Lyman (que también pone su voz a bastantes documentales), Field va a diseccionar a los personajes como si de un antropólogo de emociones se tratase. Ya lo hizo en su anterior y estupenda “En la habitación”, aunque también puede recordar en bastantes aspectos a “Mi tío de América”, donde Resnais relacionaba las relaciones humanas con el comportamiento animal y diversos experimentos, que ahora se han convertido en “juegos” que hacen que los protagonistas interactúen y desencadenen los acontecimientos, como si se tratase de un malabarismo narrativo con reminiscencias de Altman.

Más emparentada con “Happiness” que con “American beauty”, “Juegos secretos” es el retrato de una sociedad hipócrita e inmadura donde pagan justos por pecadores y éstos últimos, los que no esconden sus emociones, son condenados y castigados irónicamente a lo Madame Bovary.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Todos los elementos son colocados muy acertadamente en el guión y bien manejados de cara al desenlace:
- Brad y su fascinación por ver a esos chicos practicando skateboard.
- La relación entre las historias de Sarah y Madame Bovary.
- La dependencia entre Ronnie y su madre, el catalizador de parte de la narración.
- Las diferencias sociales entre “perversiones” y/o “crímenes”.
- La hipocresía del policía que quiere hacer la vida imposible a Ronnie pero esconde un turbio pasado.
- La estupenda secuencia en el coche cuando la chica (Jane Adams, que también era una de las protagonistas de “Happiness”) le dice a Ronnie, el pervertido, que ella lo que quiere es un chico normal y que él parece una buena persona. Cuando se gira observa que Ronnie se está masturbando y le amenaza de muerte si se lo cuenta a alguien.
- O cuando Ronnie abre y lee la carta póstuma de su madre pidiéndole que sea un buen chico.

Y así podría continuar recordando los múltiples aciertos de un asombroso guión que esperemos sea recompensado si William Monahan lo permite.

Maldito Bastardo

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Él es blanco. Ella es negra.
Él es profesor. Ella su alumna.
Él es drogadicto. Ella no se droga, pero se le da muy bien cortar coca.

Ambos tienen un ‘amigo’ en común: El camello del barrio.
Ambos están solos: Perdidos en la vida.
Ambos ‘conectan’: Ella conoce su secreto.

El tema no es nuevo, pero sí la forma de tratarlo desde la envoltura del cine independiente rozando el documental.
Todo resulta creíble. Los actores pasan a ser personajes: Personas al otro lado de la pantalla.

Ryan Fleck al parecer había realizado un corto similar dos años antes (“Gowanus, Brooklyn”) pero no podría imaginar que Ryan Gosling y Shareeka Epps estarían tan inspirados: Ser tan humanos y que el primero fuese candidato al Oscar.
Y que una historia de los opuestos, como la que retratan los alumnos cuando toman la palabra en clase de historia, se convirtiese en una señal de único sentido: Escapar de la condena impuesta por la vida mediante el libre albedrío si se lo permite su ‘media naranja’.

“Half Nelson” habla de derechos sociales tomando la memoria y la historia como referencia, pero narra al mismo tiempo los derechos de elegir una vía de escape de sus protagonistas, de encontrarse a sí mismos.
Una de las películas más sinceras y creíbles del 2006 y que no tiene un Oso o una Palma de Oro porque no es europea, aunque los Independent Spirit Awards no opinen lo mismo.

Maldito Bastardo

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Ritmo, esa es la respuesta.

Algún espectador puede preguntarse a qué es debido ese ritmo lento de las primeras secuencias. Porque vemos a la protagonista enmascarada deambular tanto tiempo por las escaleras y las habitaciones de la casa. Porque el montador del filme decidió no cortar antes de tiempo cuando todos pensábamos que la secuencia no tenía nada más que contar…
Y la respuesta es el ritmo.

Sin esas secuencias previas la alargada e interminable secuencia de la operación carece de significado y esencia.
Georges Franju lo tenía muy claro: engañar al espectador seduciéndolo con un aparente thriller que en principio parecía que iba a sugerir, que no iba a mostrarnos el horror (la secuencia del deposito de cadáveres, la máscara, la ausencia de espejos, el uso del fuera de campo). Para después amplificar la violencia y dar el golpe de efecto al espectador.

Al igual que la victima en un plano subjetivo el espectador presencia el horror. Aquello que nos habían ocultado y ahora nos van a mostrar detenidamente, paso por paso, momento por momento, pinza por pinza, bisturí por corte, thriller por horror con grima incluida.

Se nota también que hay clase: guión escrito por el mismo autor de la novela (Jean Redon), Pierre Boileau y Thomas Narcejac (“Las diabólicas” y “Vértigo”) y Claude Sauset, Y que si este filme estuviese dirigido por el mismo Hitchcock figuraría en todas las listas de mejores películas por encima de la sobrevalorada “Psicosis”.

“Ojos sin rostro” da como resultado una extraña y fascinante cinta que es fundamental para entender el cine de terror posterior. Una fábula oscura sobre el amor y sus consecuencias. Con un raro canto a la libertad y la liberación donde la belleza convive con lo truculento.
Bella metáfora fundida en el horror.

Maldito Bastardo

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