La opera prima de Gael García Bernal acaparó comentarios en la semana de la crítica en Cannes, debido al argumento que sustenta su trabajo, el cual trata de enfocar problemáticas que atañen a la juventud de clase alta y baja, la supuesta tolerancia de la que se dota la primera y el sometimiento al que se ve expuesta la segunda. Las presiones y roles se encaran con una sonrisa y supuesta generosidad al encontrarse frente a frente; es notoria la imposibilidad de aceptar el fracaso propio y el éxito ajeno de quien supuestamente es inferior. Entre amigos y desmadre se encausan esas presiones a los que son sometidos los protagonistas; es inminente ese vacío en el interior de los presentes; no hay convicción en los actos y el reto es evadir el déficit emocional. Luces, drogas, sexo y música se vuelven en fugaces escenas los elementos idóneos para evadir el entorno asfixiante e intranquilo de quienes tienen “todo”.

La línea argumental es tan valida que pudo obtener algo más que comentarios positivos y llevar a la cima a su creador a nivel de guión o dirección. Sin embargo, Bernal se estanca en la banalidad de los personajes, los estereotipa, los envuelve en la pendejada y no deja ver más de ellos. Hay un superfluo análisis del comportamiento de este sector de la sociedad, siendo excesivo para una película que trata de abordar otros temas de mayor relevancia. Por otro lado, se muestra a los habitantes de la casa encargados del cuidado y mantenimiento de la misma, de forma escueta, volviendo la interacción entre los dos grupos casi nula. Todo lo anterior es bastante apegado a la realidad, pero es aquí donde la habilidad del creativo debe entrar para narrar de lo ordinario, lo excepcional y volver lo retratado en obra.

El déficit no solamente es notorio en guión, es evidente en diseño de arte y caracterización; la casa no da la pinta de ser de alguien pudiente, así como su dueño tampoco convence caracterizado de Gael García usando ese estilo desaliñado propio del actor. Y si seguimos con estereotipo tal y como lo propone con los amigos de Cristóbal (pendejos), éste debió tener la preocupación de interpretar un auténtico tipo hijo de papi o jr. (vestimenta y actitud). Es insuficiente el léxico y tono empleado “wey, no mames cabrón, o sea deja te explico”, puede verse que es un estilo de vida. Mala interpretación.

La opera prima de Bernal no cumple con lo esperado.

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En está semana con la oportunidad de ir al cine y ver propuestas en la segunda Muestra Internacional de Cine en México me he topado curiosamente con cuatro películas de crítica social a personajes ubicados como el pilar de la familia: la madre. La visión ha girado 180º y la descomposición parte de ellas, gracias al desencanto con el que viven y con el cual han construido su destino, colocándolas como la escoria de una sociedad supuestamente funcional.

Algo parecido a la felicidad (Stésti, Dir. Bohodan Sláma, Rep. Checa 2005), Mi tesoro (Mon trésor – Or, Dir. Keren Yedaya, Israel, 2004), Mi madre (Ma Mére, Dir Christophe Honoré, Francia, 2004) y Las Mantenidas sin sueños son filmes similares en donde de manera directa e indirecta exponen como punto de conflicto a las madres. No importa el lugar en donde ubicamos las historias, la frustraciones a flor de piel, indiferencia y el egoísmo de los personajes principales es la misma.

Las mantenidas sin sueños en momentos rayan en el cinismo, situación aplicada de manera talentosa por parte de la directora, para que el drama sea menos caótico, y podamos reírnos de las dificultades y buscar soluciones. El cine de crítica social cumple una función que va más allá del señalamiento, ahondando en la motivación como inicio de las vivencias y asumir las consecuencias.

Las película expone la apatía de Florencia ante su vida y la de su hija; de forma comodina espera las soluciones que le pueden ofrecer su madre, la vecina, el amante y todo aquel dispuesto a colocarse dentro de está familia poco común.

Una reflexión interesante y rescatable a pesar de que no están presentes en la historia, es que el dinero, el título o lo material no son factores primordiales para la felicidad (véase a la amiga de Florencia), sino el gusto por la realización personal, ser lo que se quiera, vivir la vida intensamente, romper normas o dictados de terceros, expectativas llenas de placer y no de complacencias, es a grandes rasgos lo que nos deja la vida de su protagonista.

La dirección de arte y locaciones reafirman ese estado apático de todos los que componen este estado, una Argentina devastada económicamente y alejada de las apariencias.

Dura, cómica, triste, caótica, ustedes clasifíquenla, yo por lo tanto lo hago en la categoría de humor ácido.

Recomiendo vean ésta y las otras tres, ¿Qué tanto se parecen?

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Después de ver grandes fracasos del género de acción en cine hispanoamericano, “Secuestro Express” se convierte en excepción, dentro del mismo, en países de baja producción cinematográfica. Ha sido una sorpresa ver anunciada en cartelera una película venezolana, con un tema escabroso, temido por unos, vivido por otros e ignorado por otros más. Película de acción, extraída de un hecho real, donde la corrupción impera y manifiesta el atraso de los países subdesarrollados para solucionar este tipo problemas al solaparlos.

Llena de contrastes y paradojas, hacen una cinta dinámica, angustiante y ruda, en dónde el secuestro se describe, con todos sus abusos (psicológico y físico), y los roles de los personajes son cambiantes a lo largo de hora y media, los protagonistas y antagonistas con vidas colmas de excusas para alegar sus actos. “Secuestro Express” se agrega a la lista de filmes con temática similar (Manos libres: Nadie te habla, Marisa Sistach, México 2004; La virgen de los Sicarios, Barbet Schroeder, Colombia, 1999; Rosario Tijeras, Emilio Maillé, Colombia, 2005), con una visión más aproximada del hecho y una fuerte manifestación de denuncia por la intranquilidad en la que vivimos. Con la combinación de capital extranjero y talento ha dado un resultado notable. Recomendable para aquellos cinéfilos asiduos al cine hispano y de acción.

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Las manos de quien escribe y adapta guiones transparentes en la Argentina de hoy están dotadas de talento y magnetismo para atraernos y contemplar las obras de este país. Es así como el trabajo de Alejandro Doria y Juan Bautista permite que conozcamos la historia de unas manos con el don de la cura, a enfermedades que la ciencia diagnostica como terminales. Por medio de las vibraciones que emite el cuerpo, el sacerdote Mario Pantaleo es capaz de encontrar el mal y erradicarlo.

El filme muestra el entorno eclesiástico y su visión errática ante el hecho, los obstáculos que debe superar el sacerdote para fundar su propio centro ceremonial, así como la manera de afrontar la virtud que le confieren para sanar al enfermo. También muestra un poco de la gratitud de la gente y su manera de retribuir el milagro de la salud.

Sin tener la menor idea de la trama he de asegurar que es una historia comprometida con solo mostrar los acontecimientos, sin apegarse al milagro como hecho, ni tampoco por dejar en mal a la iglesia como institución. Es un ejercicio narrativo sin partido. Lo idóneo es que de darse con frecuencia estos casos, dejarán a la gente llevar a cabo la misión que desean cumplir, siempre y cuando el lucro no fuese el principal objetivo de quien lo ejerce como en el caso del cura protagonista.

Argentina una vez más con grandes ejemplares de cine.

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Con frecuencia al circular por las principales avenidas de la gran urbe, cuando el color del semáforo señala alto, los voceadores ofrecen diarios que suelen contener la nota roja en primera plana, con encabezados y fotografías que desatan el escándalo y despiertan el morbo. Sí, ese que impulsa al consumidor y lector para la compra y saciar su curiosidad con lectura detallada y apreciación de más fotografías un tanto más explicitas. Periódicos como estos muchos, todos con un público consumidor bien estudiado al que se les entrega día a día la desgracia de las víctimas y el dolor de los familiares, todo con sangre fría.

No es de extrañar que al egresar de la universidad los pasantes y licenciados en comunicación y periodismo busquen opciones más interesantes por escribir en secciones como finanzas o cultura, que la nota roja de cualquier diario. Tinta Roja, la película en cuestión así comienza para mostrarnos la evolución de un periodista con aspiraciones de mayor ambición que la encomendada en su práctica profesional. Él aprenderá que a todo lo malo se le puede aprender algo bueno para la profesión y la vida.

El trabajo de Francisco Lombardi no defrauda, vuelve a ser convincente, marcando lo correcto e infame de la conducta humana y el periodismo ante sucesos que implican el lucrar con el dolor ajeno. Pero Lombardi no prefiere quedarse con la línea de la mezquindad de la gente que rodea a Alfonso (Varguitas), muestra el sufrimiento y motivación ante la apatía de la vida, los sitúa a cada uno conforme a las lecciones que reciben,con respecto a ser solo periodista o formar parte de la nota.

A mi parecer este tipo de información se encarga de maleducar al publico cautivo, poco instruido y conformista de líneas manipuladas y final trágico. ¡Indignante!

Una notable película que enseña de principio a fin.

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