Entre lo real y lo imaginario se mueven los personajes de Obaba; un lugar de ficción que nace en el libro de relatos Obabakoak (los de Obaba) de Bernardo Atxaga, que algunos han venido a llamar el Quijote de las letras vascas y que obtuvo el Premio de la Crítica, el Euskadi y el Nacional de Literatura.

Armendáriz se atreve con ello, y se lanza a la adaptación de un universo difícil de llevar a la pantalla con excelentes resultados, al mismo tiempo que nos deja ver muy buenos recursos en la resolución de la ambientación y los protagonistas. La simple presentación de Obaba está llena de sutileza y rodeada de ese misterio que dentro de lo cotidiano alimenta a sus habitantes. Así, a través de las ochenta y siete curvas por las que el encantador personaje de Lourdes nos acerca en coche, conocemos una primera imagen del pueblo desenfocada con un plano rodado desde dentro del vehículo... Toda una metáfora de esa dualidad en la que todo se mueve en Obaba, entre lo que es real y lo que, como si de un pueblo fantasma se tratase, es producto de la fantasía.

Vemos pasar la vida de los habitantes, sus recuerdos, vemos la lluvia en las calles, la nieve, el tiempo y el destino de los que un día fueran niños que poco a poco nos contarán la verdad de sus historias, aunque nos dejarán esa duda sobre algunas cosas que se encuentran en el límite entre lo que es y lo que nos imaginamos. Porque Obaba es así: vida y leyenda, y para muchos un lugar donde encontrarse a sí mismos... El mismo reflejo que Atxaga nos presenta en el original de las gentes de su tierra.

Muy buen trabajo interpretativo en conjunto, aunque cabría destacar a los personajes femeninos principales: Pilar López de Ayala, Bárbara Lennie y Mercedes Sampietro, y dos de los actores: Héctor Colomé y Eduard Fernández. Con esta obra, Montxo Armendáriz mantiene el listón alto de la muy premiada "Secretos del corazón" y se afianza como uno de los realizadores españoles contemporáneos más interesantes.

Sólo un inconveniente -virtud según se mire-: cuando acaba uno no quiere sino seguir sabiendo más sobre Obaba y que alguien le diga si existe de verdad y cuántas curvas o cuántos pasos hay que dar hasta allí.

Pedro

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Es Adolfo Aristarain al cine en español allende el Atlántico lo que García Márquez a la literatura. En Martín (Hache) una vez más demuestra que en sus películas el protagonismo es el del verbo y la interpretación. Aristarain construye los diálogos con amor y con ellos les da a sus actores el mágico poder de la palabra. Soberbio duelo interpretativo entre Federico Luppi y Cecilia Roth, que a pesar de poner muy alto el listón no hacen sombra a unos magníficos Juan Diego Botto y Eusebio Poncela. Este cuarteto y sus relaciones constituyen el núcleo y el todo de la película. Construcción de personajes sin fisuras que profundiza en las emociones que surgen entre ellos para dar con todos esos lugares comunes del ser humano: la amistad, el egoísmo, el amor, la crueldad, el dolor, la destrucción, la esperanza... Rodada centrándose en cada gesto, cada expresión corporal, cada mirada..., deja el alma de los protagonistas desnuda ante el espectador. Todo el conjunto es pues un ejercicio de Cine, con mayúsculas.

Pedro

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Zach Helm firma un magnífico guión a la altura de los mejores cuentos fantásticos de Julio Cortázar. De hecho, recuerda esta historia al relato breve del gran escritor argentino “Continuidad de los parques”, donde se enlaza la ficción de un libro con el devenir de los personajes en la vida real. Incluso yendo esta película más allá, pues juega con nosotros entre tragedia y comedia como la elección que da sentido a la vida. Un juego que otorga al final de la película un significado especial. Porque lejos de lo que alguno pueda pensar, no es un final “made in Hollywood”, y quien así lo crea es que no ha captado la sutil ironía de que “renunciando a la obra maestra” la película precisamente alcanza un final que se le aproxima. Muy bien conseguida paradoja que para comprenderla obliga, claro, a verla.

Con tan sólido guión es difícil estropear el resultado, y el director de las reconocidas “Monster’s ball” y “Descubriendo nunca jamás” –Marc Foster– logra aquí a mi entender su mejor trabajo. Y lo hace sin mucha dificultad, porque tanto la interpretación del protagonista Will Ferrell como el plantel que le acompaña –donde brillan como actores de reparto Dustin Hoffman y Emma Thompson– acrecientan si cabe la base puesta por Helm.

Entre las abundantes secuencias con factura de mérito, destacaría una entre Ferrell y Hoffman cuando el personaje interpretado por este último acaba de leer la novela y se dispone a dar al otro la solución a sus problemas… Momento en el que ese toma y daca entre lo trágico y lo cómico aparece tan hábilmente mezclado que, dentro del drama que se nos muestra del protagonista, la escena es un verdadero manifiesto que te sorprende riendo… Y no riendo porque sea ridículo y mal hecho (como sucede en algunas pésimas películas de terror), sino por el buen logro de esa paradójica construcción argumental.

No hay que buscar a esta película una lógica con el mundo real, ni comportamientos razonables a sus personajes. Hay que introducirse en el universo que nos presenta con sus reglas, porque si no lo hacemos nos perderemos la esencia fantástica de la misma. Esa esencia tan próxima al autor latinoamericano que citaba, y al más auténtico realismo mágico, que efectivamente se muestra tanto o más extraño que la ficción.

Pedro

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Aunque veo en esta película algún punto débil, puedo decir, que sin apreciar totalmente al Scorsese de “Uno de los nuestros” sí que puedo distinguir a uno que se le aproxima bastante.

La construcción de la película, su ritmo, sus personajes, el desarrollo de estos, las situaciones que incrementan la tensión y atrapan como todo buen thriller que se precie de serlo debe conseguir, me parecen intachables.

Incluso, yo, que soporto poco ver en pantalla a DiCaprio no puedo sino decir que éste no es él, me lo han cambiado: ¡actúa de verdad! Y hasta debo reconocer que bastante bien. Sólo lo había podido sobrellevar en “Celebrity” de Woody Allen, y porque hacía de él mismo a la perfección: actor snob con ínfulas de engreído. Ahora, por fin, debo decirlo: señor DiCaprio, discúlpeme si no lo he visto antes, porque por fin empieza usted a demostrarme lo que puede dar verdaderamente de sí… Y que siga en esa línea.

No obstante, para mí brilla en altura ese Jack Nicholson que más que secundario es protagonista. Sus secuencias bien merecerían un Oscar a mejor actor antes que las de DiCaprio o un algo más flojo expresivamente Matt Damon. También fenomenal trabajo de Martin Sheen.

No puedo comparar con la película original en que se basa este remake sencillamente porque no la he visto, y aunque esto de los remake nunca me ha convencido demasiado (mucho menos cuando se hace de una película absolutamente contemporánea a ésta), lo único que puedo juzgar es que lo que he visto es un trabajo bastante bueno de Scorsese.

Hay quien pone pegas al personaje de Vera Farmiga por innecesario, pero lejos de suprimirlo, me parece un interesante nexo de unión y comparación moral y afectiva entre los dos infiltrados. Y además, justamente el leitmotiv de las secuencias donde suena en muy buen acoplamiento con las imágenes uno de los temas musicales mejor escogidos: “Comfortably Numb” de Pink Floyd. En general ese acoplamiento entre música e imágenes durante toda la película, me parece muy bueno en la línea también de “Uno de los nuestros”, igual que la habilidad de mantener la fluidez narrativa con el espectador atrapado en todo momento.

Llegado el momento de las pegas, lo que creo que separa “Infiltrados” de un laureado sobresaliente próximo a candidato a “obra maestra” es el abuso de algunas casualidades en el desenlace de la trama.

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Por ejemplo, cuando ya se han usado algunas casualidades previas pero aceptables por su significado en la película, como el hecho de los dos con la misma chica, o los dos al mismo tiempo llegando a la policía, chirría un poco el añadir más casualidades para resolver situaciones argumentales, como el sobre que puede descubrir a Colin Sullivan ¡olvidado sobre su mesa de trabajo!, o el inesperado poli también topo… Y cuya prueba de existencia inexplicablemente no fue acompañada entre lo que Frank Costello dejara a su abogado para que tras su muerte llegase a Billy Costigan.

Sin embargo, lo demás impecable, incluso en la resolución, la carta que queda en manos de la psicóloga propicia la secuencia final que redondea un “el que la hace la paga” con ese plano fenomenal de la barandilla, la rata paseándose y la cúpula que preside los barrios donde comenzó la historia… Entonces esa genial frase escrita a Nicholson sobre que, cuando hay una pistola en la mano, qué separa al policía del delincuente, se nos devuelve a la cara también en ese estupendo final.

Pedro

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Manuel Gutiérrez Aragón aborda el terrorismo de ETA haciendo protagonista al sentimiento que aflora en esas circunstancias: el miedo. Es propio precisamente del terrorista el valerse del temor de los otros para lograr el fin perseguido: el miedo de los personajes muy bien interpretados por Coronado e Incontrada para sobrevivir a las amenazas, el miedo del personaje de Jaenada para aceptar lo que es, el miedo de quienes les rodean por terminar siendo objetivos del terror...

La película describe de modo interesante el mundo vasco y sus controversias, y se apoya en los paisajes y especialmente en el adorno de los manjares culinarios propios de Euskadi (pinchos, cocochas, bacalao, etc...) para introducir a sus protagonistas. De hecho las secuencias de las dos cenas organizadas por el grupo de amigos son probablemente los mejores momentos de la película.

Efectiva y correcta realización, pero que se queda ahí, necesitando de una mayor profundización en el carácter de los personajes para un mejor desarrollo de cada uno. El conjunto adolece de la falta de esa chispa que lo saque de ser un engranaje previsible, y crea estereotipos demasiado manidos sin mucha originalidad: los etarras malos que asesinan, las víctimas decentes a las que asola el miedo, el etarra arrepentido que termina siendo víctima del miedo... La idea de partida es buena, el desarrollo simplemente correcto. Es como si el director, contagiado por tanto miedo, también lo hubiese tenido para rodar una historia más allá de lo convencional.

Pedro

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