Con todo lo que yo había criticado a Robert De Niro a la hora de embarcarse en comedias comerciales de mínimo interés ("Los Padres de Ella", "Una terapia peligrosa"), al final voy a tener que darle la razón, porque a la postre no hacía otra cosa que reírse de si mismo. Ya no tenía edad para andar poniendo cara de malo, y medirse con los nuevos actores más jóvenes, más cachas y más guaperas que él. Y digo que voy a tener que darle la razón, porque la otra cara de la misma moneda, es decir Al Pacino, se ha empeñado con este film en hacer los mismos papeles que hacía hace 15 o 20 años, y resulta a todas luces ridículo: con un tupé cardado -que me atrevo a apostar que es un postizo- el papel del psiquiatra criminalista del FBI le queda demasiado grande, o demasiado pequeño, según se mire. La poca credibilidad de un guión desquiciado -que juega nuevamente con el tiempo a la hora de descubrir a un psicópata que quiere asesinar al protagonista en 88 minutos- termina de coronarse con un Pacino vestido como un hombre de 35 o 40 años (cuando ya tiene 68) corriendo y subiendo escaleras que de seguro le habrían provocado un paro cardiaco no ya a él -que por supuesto- sino a un hombre 30 años más joven. La estructura argumental es nuevamente el clásico duelo psiquiatra-psicópata, a ver quien puede más, y con una resolución "presuntamente" sorprendente -en lo que yo llamo "el paradigma Hitchcock", es decir ¿quién es el personaje que jamás puede ser el malo? bueno, pues precisamente es ese-. Rodada en Vancouver, Canadá, resulta sorprendente que un curtido director como Avnet -"Tomates Verdes Fritos", "Intimo y personal", "El laberinto Rojo"- ahora haya compuesto una verdadera parodia de lo que debería ser un thriller trepidante, con el tiempo como enemigo. Además, ya habíamos visto algunas veces esta pelea contra el reloj -"A la hora señalada" de Badham o "Muerto al llegar"-; pero lo peor de "88 minutos", insisto, es que Pacino se de cuenta que ya no es Serpico, ni siquiera Carlito Brigante. Es ya un hombre bastante maduro, y debería jubilarse cuanto antes de este tipo de personajes, para entrar en otros más acordes con su físico. Que aprenda de Sean Connery.

Federico_Casado

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A pesar de todos sus fallos, de todos los problemas narrativos, de la carencia de un guión bien articulado y creíble... resulta gratificante que a dia de hoy alguien se atreva -con la que está cayendo- en España a hacer una pelicula como esta, tan voluntariosa como interesante en cuanto a planteamiento; a modo de traslación casi literal de clásicos del género tales como "Deliverance" de Boorman, o "Las colinas tienen ojos" de Craven, pero en versión ibérica, tenemos la ecuación clásica que podríamos sacar de la mismísima "La Matanza de Texas". El problema es que una vez que están estas cartas sobre la mesa, ya no hay más cartas. El segundo acto del film es casi testimonial, entrando en un bucle que no avanza, y hasta que tenemos un desenlace completamente rocambolesco, no llegamos a vislumbrar todos los elementos del puzzle, en el que también se mezclan -como era de esperar, habiendo visto otros productos similares tales como "Km. 666"- otras tendencias supuestamente orignales, pero que al final resultan ser del todo predecibles. Hay que elogiar la brillante fotografía del film, que crea una notable claustrofobia en toda la historia, así como unos efectos de sonido apabullantes, que te hacen casi saltar del sillón; pero todos estos logros -entre los que también contamos la impecable interpretación de Sbaraglia (que ya ha conseguido librarse del acento argentino, definitivamente) y la sensual belleza de María Valverde, a pesar de su mediocre registro actoral en este film- quedan absolutamente empañados por un guión que llega a resultar increíble, tanto por su desarrollo como por su alucinante desenlace. Es una pena, porque a pesar de haber intentado aportar algo al maltrecho panorama cinematográfico español, no se ha conseguido. No basta con intentarlo: el público exige que lo consigas.

Federico_Casado

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Hay algo de parodia en esta película, en tanto en cuanto revisa el clásico dirigido por Robert Redford en 1980, "Gente Corriente"; para empezar, por el protagonista, Donald Sutherland, que está en ambas películas, siguiendo por el título de ambas, para acabar con lo que es más importante: una mirada a la sociedad norteamericana contemporánea. Si en los años ochenta la crueldad impregnaba a los estadounidenses, que siguen agobiados por aparentar, triunfar e ir más allá en sus vidas, en el siglo XXI esto ya es directamente la jungla: ya solo vale decir "maricón el último" y sálvese quien pueda. Por eso la brillante novela de Dick Wittenborn traza una excelente comparativa sociológica entre una tribu de sudamérica y las más cerradas (y altas) capas de la sociedad norteamericana, en la que el dinero y el poder son las únicas máximas, siendo capaces sus miembros de cualquier cosa con tal de conservar su estatus. En el film, una masajista -por llamarle de alguna forma...- cocainómana decide irse con su hijo adolescente a casa de uno de sus mejores "amigos", que resulta ser un supermultimillonario. Bastante desubicados en su nuevo entorno, comenzarán a sugir roces, filias y fobias entre el chavalote y los vástagos de la élite dominante norteamericana, con el consiguiente riesgo para el recién llegado. El mayor problema que tiene esta cinta voluntariosa, pero insuficiente, es el guión: ya se ha demostrado en numerosas ocasiones que un novelista no tiene ni la técnica, ni el dominio del lenguaje cinematográfico que tiene un guionista, y otra vez se cae en el mismo problema: el guión intenta ser una traslación de buena parte de la novela, cayendo en la indefinición de las tramas, oscilando entre los personajes sin concretar quiénes son los auténticos protagonistas, amén de intentar hacer una inútil apología de la libertad individual, desdibujada por un excesivo metraje y unos diálogos bastante poco convincentes. Claro, tampoco podíamos esperar más de un escritor cuya única vinculación con el audiovisual es hacer guiones cómicos del "Saturday Night Live" y publicar su novela/guión en 2005 (que es la fecha auténtica del film, o sea que ha tardado 3 añitos en tener distribución internacional...). Del que si se podía esperar mucho más es de Griffin Dunne, el director del film -e inolvidable actor de películas como "Un hombre lobo americano en Londres" o "Jo, que noche"-; evidentemente, no es John Ford, pero si que ha sabido hacer comedias de gran producción con cierta soltura, como "Adictos al amor" o "Prácticamente Magia". Por eso resulta algo decepcionante que no haya sabido imprimir ritmo a este guión, que de otra manera, podría haber resultado de lo más interesante -incluyendo los cambios de tono con secuencias algo surrealistas-. Es lo que sucede cuando se pierde el norte a la hora de contar una historia sólidamente, porque para ver lo podrida que está la alta sociedad norteamericana, ya tenemos mil películas mucho más sugerentes.

Federico_Casado

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El segundo largometraje de Tamara Jenkins, tras realizar una serie de cortometrajes muy interesantes -como "Family Remains" o "Choices: the good, the bad and the ugly"- es tan estremecedor como entrañable; tocando el tema de las relaciones familiares -como ha hecho en toda su obra-, "La familia Savages" habla de un padre que comienza un proceso de deterioro mental y físico, y de cómo sus dos hijos -una neurótica autora de teatro y un amargado profesor universitario- intentan ayudarle en su recién estrenada demencia senil. Narrada con agilidad, el film alcanza un gran tono dramático con situaciones muy reconocibles de la sociedad actual, que en muchos casos supedita el bienestar personal a cualquier otra consideración familiar o emocional, por no hablar del condicionante económico -que también suele estar muy por encima de los seres humanos y sus sentimientos-. Este ácido y cruel estudio sociológico culmina con una luz de esperanza, en la que sus protagonistas intentan aceptar el inevitable devenir de la existencia, luchando por hacer realidad sus propios deseos. La influencia familiar y la reflexión sobre la propia historia personal de cada uno está presente en cada plano del film, que además tiene la habilidad de mostrar todas las posturas posibles ante una infancia traumática, y sus consecuencias en la edad adulta. De gran capacidad emotiva, el único problema de la historia es el ritmo, que en muchas ocasiones decae ostensiblemente haciendo algo lenta la narración. No obstante, el monumental nivel actoral de sus dos protagonistas deslumbra en todo momento; aunque ya sabía de las excelencias de Phillip Seymour Hoffman (indudablemente, uno de los mejores actores del momento, capaz de acometer cualquier papel), me ha sorpendido mucho ver el gran salto cualitativo de Laura Linney, hasta ahora imbuida en papeles secundarios sin mucha importancia (a excepción quizás del realizado en "Mystic River") y que ahora es una de las mejores presencias de toda la película. La directora también se permite el lujo de ironizar con un lenguaje visual muy hiriente, utilizando metáforas de lo más original -como el grupo de majorettes compuesto por mujeres de 70 años- reflejando muy bien el trasfondo de la sociedad norteamericana, que enarbola la individualidad como elemento de independencia, pero que en el fondo no es más que una postura de feroz egoísmo. Aunque no veo justificada su nominación al Oscar al mejor guión original, si que me parece injusto que Laura Linney no haya ganado este galardón por la que estaba nominada.

Federico_Casado

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Aunque ya han sido dichas las, probablemente, más importantes palabras sobre el holocausto judío de la Segunda Guerra Mundial, con las voces de Roman Polanski en "El pianista" o Steven Spielberg en "La Lista de Schindler", este film modesto añade algunos elementos interesantes dentro de la situación de los semitas ante la colonización nazi en toda europa; las suposiciones que algunos trabajadores de los campos de concentración eran necesarios para el trabajo y la producción se confirman con esta historia, en la que un grupo de falsificadores y técnicos de imprenta judíos eran obligados a fabricar libras o dólares falsos para desestabilizar las economías capitalistas de Inglaterra y Estados Unidos. El libro de Adolf Burguer recoge una operación real de los nazis que tenía el nombre clave de "Bernhard", en la que prisioneros de muchos campos eran enviados al taller clandestino de falsificación. La estructura dramática de la historia es brillante, enlazando al artista y bohemio Salomon Sorowitz una vez que ha terminado la guerra y vive la opulencia en Montecarlo, con toda su historia personal, desde que vivía en el Berlín de 1936 hasta los nueve años siguientes, cuando consiguió escapar del campo de concentración de Sachsenhausen, donde se situaba el centro de falsificaciones que consiguió emitir más de 130 millones de libras esterlinas. La historia además consigue hacernos reflexionar sobre las condiciones de supervivencia de los barracones 18 y 19 de ese campo de concentración, denominados "la jaula de oro", y donde los judios disponían de comida de sobra, camas blandas con sábanas limpias a diario y música ambiental de cabaret. Una visión alternativa al trato de los campos de trabajo, pero que tenía el eco de lo que sucedía al otro lado de la valla que separaba a estos privilegiados del resto de prisioneros judíos. Desgarrador, como todos los filmes sobre este sórdido tema, la película no es que sea un prodigio, pero consigue enganchar de principio a fin, y ya se ha ganado el Oscar a la mejor película de habla no inglesa 2008, además de varios premios en festivales internacionales como el de Berlín. Un gran salto cualitativo de este realizador, cuya película (o más bien, saga de películas) "Anatomía" era más bien mediocre. Pero lo más interesante de "Los Falsificadores", es el dilema existencial que plantea a los protagonistas: ¿cuál es el precio para sobrevivir, si uno sabe que lo que le hará salir adelante podrá enriquecer a su propio verdugo?

Federico_Casado

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