Toda una vida para decir "Te quiero". Ochenta años para empezar una historia de amor. Y todo por culpa de un juego. O quizá gracias a un juego. Sophie y Julien han diseñado las reglas. Y serán, de por vida, los árbitros... y, a menudo, las víctimas. “¿Te atreves?” “Me atrevo”. Se atreven a todo, desde lo mejor a lo peor. Ridiculizan los tabúes, se saltan las prohibiciones, se enfrentan a la autoridad, ríen, se hacen daño. Son capaces de todo... excepto de reconocer que se quieren. Y cada vez que contestan “Me atrevo” están diciendo “Te quiero más que a mi vida”."¡Me atrevo!".
Navegando por la red me encontré una imagen que me enamoró. Dos niños, un beso, y entre ellos, una caja, una historia.
Fuera convencionalismos, estamos ante el cine francés más imaginativo, que sabe a Jeunet desde los créditos de inicio. Pero esta vez no es Amélie la jovencita que nos hace reír y llorar, sino chiquillos -que bien podrían haber sido vecinos de la propia Amélie- que no llegan nunca a crecer. Juegan, juegan, y no pueden parar. Es el amor más infantil, más divertido, sincero, amable... y cruel. Un juego que llega demasiado lejos y que al igual que crea, acaba destruyéndolos.
Yan Samuell se apunta el estilo visual colorista, pero no necesariamente de color de rosa. Una musiquita dulzona de Philippe Rombi, para recordarnos que ante todo estamos en una película de ver abrazados y no soltarse hasta el final. Y dos actores, Guillaume Canet y Marion Cotillard (toma Oscar), porque si no, esto podría haber acabado en telefilme de final convencional.
Te puede pasar de todo. Que tu vida se detenga en una fría sala de hospital. Desaparecer del mundo escondiéndote tras los faldones del mantel de una mesa. Subirse a un coche para proclamar a los cuatro vientos tu amor... Si tu corazón no se estremeció en la escena del restaurante, revísalo. Está muy frío.
Ante todo , triunfa el amor. Es una visión exagerada, incluso falsa. Una confusión entre el amor y la amistad. De los errores cometidos, cuando ya es demasiado tarde. De todo lo que somos capaces de hacer por las personas a las que amamos, y todo el daño que podemos llegar a hacer, cuando creemos que no amamos. El amor hay que vivirlo. Hay que arriesgarse. Luchar por conservar el amor, o bien rendirse honestamente cuando no tiene remedio. La cobardía es la peor salida. Los que hayan visto la película me entenderán.
"¿De modo que ser adulto era esto? Tener un velocímetro que marca de 0 a 210, pero no ir nunca a mas de 60." Quiéreme si te atreves es una historia de amor original, que nos podría haber pasado a cualquiera. Pero no, ¿verdad? Nosotros maduramos, caemos en la monotonía. Pero ellos son originales hasta el final. A veces los por qués no importan. La alegría de vivir está en el aquí y el ahora.

helen

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A principios de los ochenta, un congresista americano al que le gustaba pasarlo bien, una mujer de la alta sociedad de Houston a la que le gustaban las buenas causas, y un agente de la CIA al que le gustaban los retos, conspiraron para realizar la mayor operación secreta de la historia. Joanne Herring, una de las mujeres más ricas de Texas y virulenta anticomunista, convenció al congresista Charlie Wilson para que ayudara a los muyahidines afganos, consiguiendo fondos y armas para expulsar a los soviéticos de Afganistán. El compañero de lucha de Charlie en esta dura batalla fue el agente de la CIA Gust Avrakotos.
Yo no entiendo de política. Ni aunque me la expliquen desde la historia. La guerra de Charlie Wilson no me atraía mucho de entrada –typical american, guerra fría, Pakistán, Uzbekistán, Afganistán, el que sea, el Mike Nichols de Primary Colors, actores de renombre… allá vamos.
Después de una primera parte bastante aburridilla –cabezada incluida, y no era la hora de la siesta-, la película va tomando un cariz algo más interesante, sobre una guerra que que no está en los libros. No tan patriota como parecería a simple vista, pero no acaba de rematar. Una historia desmesurada que parece más bien, pues eso, el argumento de una película.
La dirección es buena, los diálogos son muy acertados, el ritmo, adecuado, los intérpretes, de lujo… Pero el resultado es muy artificial. ¿comedia política? ¿historia real dramatizada? La mirada norteamericana es cínica, eso que el destino del mundo se decide en un despacho coqueto, pero la autocrítica es muy insuficiente. Me falta sutilidad y un poquito de humildad.
Para recordar, la primera conversación de Tom Hanks con Philip Seymour Hoffman. Auguramos un ácido encuentro cara a cara, pero las sexys secretarias de Hanks nos importunan a cada momento. Y Hoffman sabe lo que tiene que hacer. Una escena divertidísima, brillante, y con ritmo. Soltura y mucho morro. Y una sorpresa en el regalo.
Tom Hanks está bien, algo espeso, pero como de costumbre interpreta su papel sin esfuerzo alguno. Philip Seymour Hoffman es un crack, y su personaje, todo un regalo para que lo borde. La película merece la pena sólo por verle a él. Y Julia Roberts, ¡ay, Julia! Sosa, muy sosa.
¿Te hace pensar? Un poquito. ¿Se olvida con facilidad?, lo típico, un mes o dos. La guerra de Charlie Wilson contada por Charlie Wilson. Me siento orgulloso de mí mismo, todos me aclaman con los ojos arrasados de lágrimas. Yo también amo a América.

Lo mejor, la compañía. Gracias chic@s.

helen

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Los ángeles perdidos, 1948, Fred Zinnemann. Una peliculita clásica de esas que no se recuerdan mucho pero que encandilan a padres y abuelos nostálgicos. La descubrí por casualidad y me gustó porque no es una película bélica, aunque hable de la guerra, y porque no es un panfleto propagandístico americano típico de la época, aunque al principio se mencione que la película pudo rodarse en Alemania gracias a la generosidad (sic) del ejército americano.
La película retrata a las más crueles víctimas de las guerras: los niños. Millares de niños que han sido arrancados de sus hogares y recluidos en campos de concentración; no son más que números, sin nombre, ni lugar de procedencia, ni familia ni nada. Víctimas anónimas que tras su liberación, no saben adónde ir, tienen miedo...
Difícil tarea devolverlos a sus hogares. Un joven soldado (Montgomery Clift en su debut) intentará ayudar a uno de ellos, un niño (también debutante) que sólo dice "no lo sé" y que parece haberlo olvidado todo. En su búsqueda, intentará encontrar a su familia, le enseñará inglés e intentará adoptarlo... Mientra su madre, aún sabiendo que es muy posible que su hijo esté muerto, sigue buscándolo sin tregua, porque ya no le queda nada.
Con un final de esos de lágrima fácil (por supuesto de emoción contenida y alegría), se trata de una película muy típica, fácil de adivinar, con alguna referencia al sueño americano. Aún retratando los horrores de la guerra (los niños perdidos, que ya no saben ni cómo coger una cuchara, histéricos, desesperados...), esa visión es bastante ligera, especialmente comparado con la crudeza de filmes posteriores. Momentos poco creíbles (el aprendizaje del niño del inglés), momentos tiernos, otros dramáticos, que implican al espectador (todos le decimos a la pantalla ¡no subas al tren!, ¡no subas al tren!) que componen una película bonita y bien hecha. Para amantes de las historias tiernas que se han contado miles de veces.

helen

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Kim Ki-duk, enfant terrible del cine oriental nos trae Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera. Otra película filosófica y contemplativa, drama humano y cuento budista pero con moralina amable y universal. Maneras de entender la vida mediante trazos de neblina y silencios.
Formalmente hace coincidir la estructura de la película con las estaciones del año, mostrándonos a través de ellas las etapas de la naturaleza y también de la vida (biológica, moral y espiritual) del ser humano.

* Primavera. El pequeño saltamontes juega con los animales del bosque haciéndoles fechorías: las secuencias del pez, la rana y la serpiente arrastrando las piedras y la penitencia posterior por estos actos son preciosas y tiernas.
* El verano. El despertar al amor. El pequeño monje, ya convertido en un joven, experimenta el poder de la lujuria, un deseo que en última instancia lo conducirá, como un adulto, a hechos oscuros.
* El otoño. La madurez. Y la inmadurez. Los celos, la obsesión, el precio de la salvación y la sabiduría obtenida a través de la experiencia. Encantadora la escena de la pintura.
* El invierno. Expiación de pecados. Exhibición de musculitos al ritmo de música machacona. Quizá demasiado forzada, para subrayar el ciclo de la vida y la entrada de una nueva primavera.

Visualmente es preciosa, por supuesto, es marca de fábrica. Es más bella que cualquier documental sobre la naturaleza, porque sus imágenes, de embargadora y fascinante belleza, calaran hondo en nuestro ser. No hacen falta muchos diálogos para expresar sentimientos. Más allá de la tranquilidad del arroyo se mueve una historia que teje su hilo en la primavera de forma sutil y continuada. Absolutamente mágico el escenario virginal (esa puerta que suele abrir y cerrar los capítulos) y el lírico tratamiento que se le da.
Las estaciones de toda una vida, con una fotografía preciosista que te presenta lugares y situaciones que se entienden tal cual, sin palabras. Desde el cine mudo nadie había dicho tanto con tan poco sonido: sólo el rumor del agua, la brisa al pasar entre las hojas de los árboles. ¿Donde empieza y termina una vida, unas vidas? Todo termina siendo una rueda que permite volver a comenzar.

helen

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Una historia conocida: Madre e hija se mudan a un pueblo cerca del Ártico, por ello, hay tantos días de noche, y mientras la madre trabaja en el hospital, su hija deberá conocer a los nuevos compañeros de instituto, unos pirados de cuidado y… mientras tanto… vampiros, pastillas vampíricas... y perros que hablan.
Los monstruitos se internacionalizan. Después de una curiosa experiencia serie z con los zombies irlandeses (Carne muerta, 2004), esta vez le toca el turno a los vampiros suecos. Coproducida por Paramount, Frostbitten, o 30 días de noche (inspirándose en el cómic del mismo nombre de Steve Niles) ganó el premio a mejor película en el festival Fantasporto y se ha visto en España en el festival de Sitges y en la Muestra de Cine Fantástico Sci Fi de Madrid del correspondiente año.
Frostbitten (2006) es la curiosa opera prima del realizador Anders Banke, con un frío comienzo, previsible desarrollo y desternillante orgía final. Los escasos medios con los que ha sido rodada son suplidos con una gran ambientación y unos más que aceptables efectos especiales, amén de la justa dosis de gore y mucho humor macabro. Una pequeña ciudad sueca en vez de Alaska, ciudad desoladora, completamente nevada y en la que nunca vemos el sol, es el paraje perfecto para que los vampiros, muchos de ellos creados genéticamente, hagan de las suyas. ¿Por qué a nadie se le había ocurrido antes?
Banke nos cuenta varias historias cruzadas que irremediablemente se cruzan en un destino fatal. Además, consigue mantener el espíritu del mejor cine vampírico pese a tomarse ciertas licencias narrativas y puntos descabellados. Sin embargo, Frostbitten tarda mucho en entrar en materia, y cuando lo hace, se precipita demasiado. Entre el terror puro y la comedia macabra, nos quedamos entre la carcajada contenida y algunos momentos de tensión. Y al final, con la sensación de que se ha quedado en tierra de nadie sin haber alcanzado ni lo uno ni lo otro.
Lo peor, unos actores bastante descafeinados, algunas perlas del guión y la secuencia del vampiro rey, desternillante. Lo mejor, la espectacular banda sonora de Anthony Lledo. También cabe destacar algunos planos secuencia bien filmados, así como los efectos especiales y de maquillaje. Máxime teniendo en cuenta el escaso presupuesto de la obra.
Aunque lo más original de Frostbitten sea su nacionalidad, estos vampirillos tienen momentos imaginativos y brillantes, y que nunca habíamos visto en una película de vampiros. Además, gracias a un final poco rematado y a la buena acogida que ha tenido por todo el mundo, quizá sepamos algo de una segunda parte. Y probablemente imitadores en todo el mundo. ¿Quién se anima a hacer una de vampiros por los campos españoles?

helen

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